Dans le documentaire Beatles 64 L’apothéose hystérique de la Beatlemania se manifeste lors de son premier voyage aux États-Unis. Rien qui n’ait été dit des millions de fois, mais on aime ça. Leur premier concert, à Washington, a été donné dans une salle habituellement dédiée à la boxe. Après la représentation, ils se sont rendus à l’ambassade britannique, où une réception leur a été proposée. Le documentaire explique le malaise que ressent le Fab Quatre parce que le personnel les traitait avec mépris. Ringo Starr s’est fait couper une mèche de cheveux, Lennon s’est enfui, Harrison a failli fondre en larmes. En s’en souvenant, McCartney pisse sur ces visages. Messieurs périposé. « Nous étions des enfants de la classe ouvrière. Si vous rencontrez des gens chics, vous supposez qu’ils vont vous mépriser. Mais tu sais quoi ? On s’en foutait. “Ils travaillaient dans une ambassade et nous étions en tournée pour jouer du rock.” Ce matin-là, dans le train qui les avait emmenés de New York à la capitale des États-Unis, un journaliste avait interrogé McCartney sur la place qu’il pensait que les Beatles occuperaient dans l’histoire de la culture occidentale. Macca Il rit, il n’arrive pas à prendre ça au sérieux : “Ce n’est pas de la culture, c’est du fun.” En lisant avec enthousiasme 1964. Quand la culture devient spectacle, par David G. Torres, le 11 février me revenait à l’esprit à chaque fois.
Ce n’est pas le centre d’un essai qui touche mille touches artistiques, mais il y a un travail clé dans la thèse qu’il développe : Apocalyptique et intégré, d’Umberto Eco, qui, comme le légendaire article sur la culture camp de Susan Sontag, a été publié, bien sûr, en 1964. Le sémiologue italien ne se limite pas à distinguer les apocalypses qui résistent à l’intégration des pratiques culturelles dans la culture de masse, comme s’ils défendaient ainsi la civilisation éclairée contre les barbares de la consommation. , et ceux qui l’ont considéré comme le signe des temps. Pour Eco, cette distinction n’avait plus de sens. À l’époque de la publicité et de la télévision, avec les mécanismes de reproduction des images et des objets parfaitement modernisés pour problématiser l’idée canonique de l’Artiste, la question était la suivante : comment maintenir un contenu critique dans la société inéliminable du spectacle ? Je reviens au cas que j’ai évoqué au début : le divertissement qu’étaient les Beatles, au-delà du plaisir et malgré le regard arrogant avec lequel les repipi continuaient à les contempler, pouvait-il acquérir une considération culturelle ? Cette question a été posée en 1964 et cette année-là, comme le montre David G. Torres dans les cas qu’il étudie, on a commencé à y répondre un peu partout dans le monde. De la Biennale de Venise (avec l’intronisation du Pop Art) à Los Angeles (avec l’exposition Duchamp) en passant par Londres (où les Who ont sorti la guitare électronique pour clôturer leur montrer). De Valence (où est né le groupe Crónica) à Tanger (avec des hallucinogènes flottant dans l’air) jusqu’à atteindre la Mecque de New York, capitale de la phase posthistorique de l’art.
J’écris le terme « phase posthistorique » comme si j’étais un professeur vêtu de noir, mais ma vanité diminue lorsque je reconnais que le concept a été développé par le critique Arthur C. Danto après avoir vécu une révélation esthétique : l’exposition d’Andy Warhol à la Stable Gallery. , oui, de 1964, où il expose ses boîtes de tampons à récurer Brillo. Warhol, en lien avec Duchamp, est au centre et est central dans le livre car cette année, qui fut pour lui frénétique, a redéfini la notion d’artiste, surtout dans cette ville.
A la limite urbaine et idéologique, son intervention a été annulée dans un pavillon de l’Exposition universelle : un panneau avec les 13 visages des hommes les plus recherchés par le FBI. À l’autre extrême, dans le Centre-villele mouvement Fluxus, auquel participera Yoko Ono, renoue avec Dada et parvient à créer en dehors de la société du spectacle. Et au centre de Manhattan, qui était le centre du monde, Warhol a créé son centre d’opérations : Factory. « Si Marcel Duchamp avait apporté l’idée selon laquelle les artistes travaillent avec des concepts, Warhol aurait apporté l’idée, déjà installée dans le système artistique, de l’artiste comme quelqu’un qui dirige des projets. » C’est ainsi qu’il a tué l’art. Mais aussi, avec les autres pièces de cette année-là, celles sur les accidents et les morts qui révélaient la face sombre de Mode de vie américainWarhol découvrait le moyen pour que l’art continue à être le lieu de la critique.
David G. Torres
Alliance, 2024
304 pages. 21,95 euros
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