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Le secteur du design a augmenté de 30 % dans cette édition de SP-ARTE et la curatrice Carollina Lauriano lance le programme Showcase, qui promeut l’intersection des questions sociales et environnementales
La foire d’art la plus importante d’Amérique latine atteint sa 19e édition en occupant le traditionnel pavillon de la Biennale, conçu par Oscar Niemeyer dans le parc d’Ibirapuera. En cette année, le SP-Arte reprend définitivement la programmation en présentiel avec la participation de plus de 150 galeries, studios de design, éditeurs, projets indépendants et institutions.
La curatrice Carollina Lauriano a été invitée par l’organisation SP-Arte à lancer le programme Showcase, la nouvelle initiative curatoriale de la foire. Sous le titre « Récupérer les paradis : ne pas avoir besoin que la fin arrive », le commissariat se dilue dans plusieurs stands de la foire et associe des œuvres d’artistes aux origines, préoccupations et approches différentes. Des noms comme Claudia Andujar, Jaime Lauriano, Rosana Paulino, Panmela Castro, Rubem Valetim et Emanoel Araújo composent la ligne tracée par Lauriano. L’une des devises de la conservation est de questionner « la séparation entre les mouvements sociaux antiracistes et les discussions environnementales et écologiques – un faux antagonisme légué par la modernité coloniale »selon la sortie du nouveau programme .
Comme SP-Arte est l’un des moments les plus visibles et les plus circulants du calendrier annuel du circuit des arts, l’événement s’avère également être un espace propice aux échanges qui sont chers à tous les acteurs de ce domaine. L’un des moments les plus commentés depuis l’ouverture de la foire cette année-là fut l’intervention de l’artiste Negro MIA sur le mur extérieur d’un stand. A côté de l’inscription NEGRO – sa marque -, l’artiste a demandé « Où est l’art noir ? ». Même si l’art produit par les Noirs a gagné en visibilité et en commercialisation sur le marché international, le public consommateur et les agents du marché sont toujours massivement blancs. Le questionnement de MIA démontre que les démarches du marché vers ses agents racisés sont encore lentes et qu’il reste encore beaucoup à faire pour que l’idée d’équité soit proche d’une réalité.
La tapisserie entre art et design
L’un des points marquants de cette année est la croissance de 30% du secteur du design qui rassemble désormais 44 exposants au rez-de-chaussée du pavillon. Il existe plusieurs aspects dans ce secteur qui comprennent des meubles, des tapisseries, des sculptures, entre autres types d’objets.
La tapisserie et ses différents modes de fabrication sont encore plus présents dans le secteur du design. Cette langue a été sauvée dans le circuit grâce à une nouvelle génération d’artistes, d’artisans et de designers qui utilisent des techniques traditionnelles comme le métier à tisser, par exemple. De plus, la tapisserie gagne de nouveaux adeptes avec l’émergence de techniques telles que le tufting, un pistolet qui permet un processus plus libre et plus organique.
Entre traditions et innovations, la tapisserie représente aussi la fine ligne qui éloigne ou rapproche l’objet d’art et l’objet de design. Avec des usages clairs ou indéfinis, ce langage est présent dans des contextes différents et soulève davantage de questions sur ce qui sépare ces deux univers présents à SP-Arte et dans d’autres salons à travers le monde.
Dans le scénario actuel de la tapisserie contemporaine nationale, Alex Rocca est l’un des artistes qui gagne en visibilité. Dans cette édition de SP-Arte, Rocca présente un stand avec la collection Manto, production récente qui unit la matière de la soie et de la laine dans une poétique qui sauve son ascendance. Dans une interview réalisée pendant la foire, l’artiste a partagé sa vision de la relation de notre pays avec la tapisserie et d’autres modalités textiles :
« Le Brésil est très fort dans le textile. Tout le monde a une référence à la grand-mère, la tante en textile – et même si on parle à une autre échelle, on se souvient de Burle Marx avec des tapisseries géantes dans les bâtiments publics. Ainsi, les textiles ont toujours été très accessibles dans le sens d’être communs à l’œil ».
En pensant aux nouvelles technologies de tissage, Rocca voit une relation entre les nouveaux artistes textiles et la tradition, en particulier les modernistes brésiliens qui sont une grande référence dans son processus : “Ce qui se passe aujourd’hui, c’est un sauvetage d’une mémoire affective avec d’autres techniques, avec d’autres processus, et d’autres personnes qui le font”.
Pour l’artiste, les barrières entre l’art et le design peuvent et doivent être brisées, reconnaissant les relations esthétiques possibles entre différents objets. Au quotidien, Rocca répond à différentes exigences qui reflètent cette fine ligne :
« Il y a des architectes qui me recherchent parce que mon travail correspond à un type de mobilier, d’autres me recherchent parce qu’ils veulent que mon travail soit un objet d’art. Donc l’origine est la même, mais la destination est différente ».
Galeria Passado Composto Século XX présente un stand organisé par sa fondatrice Graça Bueno. Les tapisseries sont l’axe commercial de la galerie qui présente dans cette édition de SP-Arte des œuvres de Jean Gillon, Genaro de Carvalho et Norberto Nicola, artistes devenus une référence dans la langue du pays.
Pour Graça Bueno, il y a un facteur de spécificité qui rend les processus de production textile uniques, et peut expliquer un peu le succès de ces techniques aujourd’hui :
«C’est une grande tendance internationale depuis un certain temps maintenant, alors nous célébrons ce moment de synchronicité, de la tapisserie considérée comme une œuvre d’art unique et qui a ce facteur artisanal. Beaucoup de ces œuvres sont aujourd’hui créées et réalisées par des artistes, mais elles peuvent aussi être conçues dans des ateliers comme Jean Gillon, qui a créé le dessin et l’a peint, et les brodeuses l’ont exécuté – comme l’a fait Genaro..
La tapisserie vit un moment de réaffirmation de la tradition des techniques qui remontent à une longue relation avec la langue du Brésil, tandis que de nouveaux thèmes et outils ouvrent un chemin vivant et renouvelé. Il est possible de se déplacer dans les espaces de la foire avec un œil ouvert sur les différentes possibilités de croisement, que ce soit en design, en art contemporain, ou en découvrant les points de rencontre entre eux.
Diogo Barros est conservateur, éducateur en art et critique, diplômé en histoire de l’art, critique et commissariat à la PUC SP.
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