John Coltrane, s’adressant au musicien de jazz Albert Ayler, s’est décrit lui-même, Pharoah Sanders et Ayler comme “le père, le fils et [the] fantôme sacré”. Sanders a joué le rôle d’accompagnateur de Coltrane sur de nombreux enregistrements cruciaux et, comme Coltrane, Sanders pouvait le couper dans les deux sens : déployer un groove spirituel qui a atterri comme des brisants sur le rivage, ou épisser l’air lui-même dans une trigonométrie de feu et d’éther. Il penchait dans un spiritualisme largement multiculturel dans sa musique, mais pouvait s’envoler dans des exaltations féroces au saxophone. Sa musique en dit long, alors que lui-même préférait ne pas le faire, et est au cœur de toute discographie de jazz spirituel. Comme Ben Ratliff l’a écrit dans le New York Times en 1999, Sanders était “l’un des monstres sacrés de la musique américaine”. Avec le décès du fils, le dernier membre du dernier groupe de Coltrane est parti et un lien crucial avec la puissante et désormais légendaire scène jazz new-yorkaise des années 1960 et 1970 est rompu.
Né à Little Rock, Arkansas, Farrell Sanders a commencé par jouer d’une clarinette qu’il a achetée à un membre de la congrégation récemment décédé dans son église pour 17 $. Il a déménagé brièvement à Oakland, en Californie, puis en 1962 a fait de l’auto-stop à New York sans plan. Il est arrivé sans abri, essentiellement, et s’est mis à donner du sang pour gagner de l’argent pour manger. Il écoutait le jazz joué dans les clubs de l’extérieur, vivait de pizzas bon marché et travaillait à des petits boulots, dormant parfois dans les cinémas pendant la journée. Il n’était pas seul dans cette privation – dans une revue des rééditions dans The Wire 343, le journaliste musical Philip Clark nous rappelle que : « en apprenant les vicissitudes de la vie du jazz, on se rappelle à quel point ces musiciens étaient marginalisés, socialement et culturellement ”. Dans une interview au New Yorker de 2020, il a été décrit comme ressemblant toujours à un autre musicien essayant de gagner sa vie – ce qui en dit long sur le manque de provision pour les figures culturelles imposantes du jazz américain telles que Sanders.
A New York, il emportait son klaxon partout dans sa caisse à bois. Il a participé à des sessions où il le pouvait et a parfois réuni des groupes de musiciens errant dans la ville comme lui. On rapporte régulièrement que Farrell a été rebaptisé Pharoah par Sun Ra, mais la vérité était plus prosaïque – c’était en fait un nom que Sanders s’était choisi sur un coup de tête lorsqu’il avait signé des papiers syndicaux. Il a rencontré et joué avec les Arkestra en 1964 et il y a des enregistrements de ses sessions avec ce groupe à partir de décembre de cette année. À cette époque, il a également joué avec Don Cherry et Paul Bley, et a enregistré ses débuts en tant que chef d’orchestre pour le label ESP-Disk de Bernard Stollman. Stollman a décrit Sanders comme brusque lors de cette brève rencontre : il est entré, a enregistré un album et est parti sans dire grand-chose.
En septembre 1965, alors qu’il était encore relativement vert, Sanders rejoint le groupe de Coltrane (Coltrane avait 14 ans de plus que lui). Il a joué avec lui sur des albums de jazz désormais emblématiques dont Ascension, Meditations et Om. Coltrane est décédée deux ans plus tard, après quoi Sanders a joué avec Alice Coltrane, notamment dans son classique Journey in Satchidananda and Ptah, The El Daoud.
Sanders a enregistré environ 40 sorties en tant que chef d’orchestre et a continué à jouer les morceaux de John Coltrane, même s’il a insisté pour tracer son propre chemin. Le cœur de son son se trouve dans les strates denses d’albums réalisés pour Impulse à la fin des années 60 et au début des années 70, qu’il a enregistrés au rythme de deux ou trois par an, ignorant les instructions du label sur les pistes et les timings. Sanders, comme il le disait souvent dans les interviews, vient de jouer. Un exemple en est l’essentiel Karma de 1969, qui comprend deux longs morceaux expansifs et dont les influences et l’intention se manifestent dans chaque élément : caractères. Dès les premiers instants de la première face, son saxophone pénètre comme des robes sur des tapis royaux, traîné par une forêt luxuriante de shakers, de cloches et de flûtes, et suivi d’exaltations vocales.
Son jeu était autrefois décrit comme étant « comme des contre-courants de minuit » – profond et fluide, doté d’une force et d’une intention puissantes. Son chant contient une intensité de sentiment – il est dévotionnel dans la passion et intuitif dans la livraison. Dans Love Will Find a Way, par exemple, la voix est un motif lyrique qui guide le jeu lui-même à travers l’émotion, pas la forme.
Cependant, son chant contrastait fortement avec son discours – dans les interviews au fil des décennies, les journalistes étaient désespérés par son laconisme ou son manque apparent d’intérêt à répondre aux questions. Dans la plupart des cas, il parlait en termes généraux frustrants. Beaucoup de ses interviews datent des 20 dernières années, une époque où il était déjà une légende vivante, mais dans les réponses courtes qu’il donne, il est direct et inconscient de son statut. Dans l’un, il exprime des doutes quant à savoir s’il avait été prêt à jouer avec John Coltrane; ou si Alice Coltrane aimait la façon dont il jouait.
Cependant, bien qu’il soit de son propre aveu une personne qui parle peu, il imprime à ses interlocuteurs un sens de ce que certains appellent la majesté, et parle à plusieurs reprises d’ambition de faire de « beaux » sons. «Je joue une note, peut-être que cette note pourrait signifier l’amour. Et puis une autre note pourrait signifier autre chose. Continuez comme ça jusqu’à ce que cela devienne – peut-être quelque chose de beau », a-t-il déclaré au New Yorker.
La musique de Sanders est sans ambiguïté – elle est simple dans sa mission vers la beauté, et c’est peut-être cette intention qui fait aimer les auditeurs du travail du début des années 70 de Sanders plus que d’autres joueurs de jazz spirituel d’avant-garde qui ont émergé de son milieu. Il évoque un spiritisme à bras ouverts, non spécifique. Lorsqu’il y a une douceur dans le ton de Phraoah – comme sur Astral Travelling de Thembi, ou même la boucle moderniste du moment délicieusement interrompu de Harvest Time – il reste une intensité générée par ses vols expansifs, qui a le pouvoir d’évoquer l’illumination des formes picturales , comme le temps sur les paysages. Équilibrer ses motifs mélodiques était un style de jeu féroce et transcendant : noué à un groove, il virait vers le haut avec une intensité fougueuse, entendue dans l’insistance hurlante avec laquelle il réintégrait le fracas sur Black Unity, aux côtés de la trompette de Marvin Peterson.
Comme l’ancien collaborateur Don Cherry, la musique de Sanders contenait des références à un spiritualisme multiculturel – bien que contrairement à la communauté utopique de Cherry, la nature de la vision spirituelle de Sanders restait assez insaisissable – “Je regarde toutes les religions et je les mets toutes en une seule”. il a dit. Il y avait des références régulières à l’Égypte, au karma et au tawhid. Il portait des robes et incorporait également des instruments dans sa musique qui étaient plus communément associés à la musique folklorique et traditionnelle, des percussions africaines telles que le balafon et les congas aux pianos à pouces et aux flûtes en bois. (Sa collaboration avec le musicien gnawa Maleem Mahmoud Ghania est une étape essentielle de sa discographie – une fusion extatique produite par le prodigieux Bill Laswell.)
Après environ deux décennies sans enregistrement en tant que leader, le retour de Sanders en 2021 avec Floating Points (AKA Sam Shepherd) et le London Symphony Orchestra a été accueilli avec enthousiasme. Il a associé son jeu à l’électronique ambiante et à l’orchestre, dans une pièce unique en neuf mouvements qui est devenue son album le plus largement reconnu en dehors du monde du jazz – il a été décrit comme “à couper le souffle”, « d’une beauté envoûtante »et “enchanteur” par des critiques de jazz grand public et spécialisés. Surtout, Promises a réitéré le statut de légende vivante de Pharoah et a apporté sa musique à une jeune génération d’auditeurs. Jusqu’à très récemment, il apparaissait en direct avec Shepherd, où les spectateurs étaient également impressionnés et troublés par sa présence et sa fragilité.
Le jazz spirituel de Sanders était une église aux portes ouvertes, et c’est l’accueil lumineux et à bras ouverts de son son qui a fait de lui le fils et qui l’a fait aimer d’un large public. Comme ses pairs, il a glorifié un pouvoir spirituel supérieur accessible par les vibrations de la musique, et s’il n’a jamais articulé verbalement la nature de ce pouvoir ou de cette spiritualité, c’est parce qu’il disait tout avec son jeu. Comme Clark l’a écrit à propos des premières sessions de Sanders : “son groupe joue de la musique, mais il a trouvé la chose elle-même”.
