«Caro Diario» fête ses 30 ans, le film dans lequel Moretti ne représentait que lui-même pour la première fois – Corriere.it

Le 12 novembre 1993, il sort dans les salles italiennes Cher quotidiennement de Nanni Moretti, le septième long métrage du réalisateur, alors “magnifique” quadragénaire (comme le note l’une des répliques les plus célèbres du film, à tel point que l’utilisation de l’adjectif avant la déclaration de l’âge est même entré dans le langage courant), ce qui ouvre une nouvelle phase dans sa carrière d’auteur. Une œuvre divisée en trois “chapitres” de la vie réelle : dans le premier, Sur une Vespa, Nanni roule en scooter en plein mois d’août dans les rues d’une Rome vidée, s’abandonnant à des notes sur le cinéma, sur l’urbanisme du Capitole, sur la nature des habitants des zones périphériques traversées. Pour observer de plus près les immeubles qui l’attirent, il fait semblant de faire des inspections avec leurs locataires en vue d’un film improbable (l’histoire d’un pâtissier trotskiste dans l’Italie des années 50 racontée à la manière d’une comédie musicale), harangue un homme riche sans raison ( Giulio Base) arrêté aux feux tricolores dans sa Mercedes (“Même dans une société plus décente, je me retrouverai toujours avec une minorité”), croise Garbatella, explique sa passion/désir de danser qui a finalement explosé avec la vision de Flashdance (rencontrant plus tard, dans une parenthèse de surréalité décontractée, la protagoniste Jennifer Beals elle-même, dont elle vante évidemment les chaussures “confortables”), se dirige vers Spinaceto pour comprendre pourquoi on en a toujours parlé en termes péjoratifs, visite Casal Palocco (qui “des odeurs de vidéocassettes”), faisant l’hypothèse d’un film “fait uniquement de maisons”.

Il se rend ensuite au cinéma Fiamma où est projeté «Henry – Pioggia disanguin/Henry: Portrait of a Serial Killer», 1986, de John McNaughton et, dégoûté par la vision, il rejoint un critique de cinéma (Carlo Mazzacurati) coupable d’exaltation. comme un chef-d’œuvre pour le harceler dans sa chambre en lui relisant quelques passages de ses critiques les plus hyperboliques. Et son itinéraire se termine sur la côte d’Ostie, là où Pier Paolo Pasolini a trouvé la mort. A Isole, désireux de trouver la paix pour travailler sur son nouveau film, Nanni part pour les îles Éoliennes où l’attend à Lipari le « philosophe » Gerardo (Renato Carpentieri), qui s’y est exilé une dizaine d’années plus tôt. Après avoir dansé dans un bar où l’on diffuse à la télévision Anna (1951) d’Alberto Lattuada sur l’air de la chanson El Negro d’Armando Trovajoli, Zumbón, agacé par la confusion inhabituelle de l’île, déménage avec son ami à Salina et avec lui il rend visite à deux amis. (Raffaella Lebboroni et Marco Paolini) qui ont un petit enfant exigeant. C’est ainsi qu’il découvre, après avoir rencontré un autre couple (Lorenzo Alessandri et Claudia Della Seta) avec un enfant d’âge scolaire, que l’île n’est peuplée que de familles avec enfants uniques, auxquelles les parents sont grotesquement et totalement inféodés. Tandis que Gerardo, qui a commencé par citer Enzensberger et ses théories sur le zéro moyen (« La télévision n’est rien »), se trouve étrangement attiré par les programmes de la télévision la plus inférieure, les deux arrivent à Stromboli, où un maire (Antonio Neiwiller) aux complexes de L’infériorité culturelle voudrait charger Ennio Morricone de créer une bande sonore pour l’île et embaucher le directeur de la photographie Vittorio Storaro pour “l’éclairer”.

Et Nanni, sur les pentes du volcan, est obligé ici par Gerardo de demander des informations aux touristes américains sur les points narratifs les plus récents et inédits du feuilleton. Beau. Les deux se déplacent ensuite vers Panarea, d’où ils s’enfuient immédiatement, horrifiés par l’accueil d’une jeune dame aisée qui les informe de l’imminence d’un “festival du mauvais goût” et arrivent dans le village accidenté d’Alicudi, où se trouve cette fois un intellectuel pour les accueillir. – l’ermite (Moni Ovadia) qui leur révéla un jour le manque absolu d’électricité sur place provoque Gerardo (aujourd’hui tellement aveuglé par la dépendance cathodique qu’il a rédigé une lettre indignée au Pape coupable d’avoir excommunié les telenovelas) un fuite désespérée vers le retour à la « civilisation ». Dans le dernier, Médicis, Nanni retrace son véritable calvaire de patient avant le diagnostic de lymphome de Hodgkin : victime d’étranges démangeaisons nocturnes, de transpiration excessive et d’amaigrissement, il se retrouve d’abord en vain à se tourner vers une longue série de médecins auprès desquels il n’obtient que des montagnes de recettes de médicaments et de produits dermatologiques en constante évolution, puis à un allergologue qui diagnostique des intolérances à pratiquement tous les aliments, puis à la médecine alternative orientale entre séances d’acupuncture et séances avec des appareils bizarres (l’« aiguille électrique en fleur de prunier »), tandis que un médecin-psychologue tente de lui en vouloir en invoquant un caractère psychosomatique de ses maux. Jusqu’à ce que, après une radiographie et un scanner, ils lui diagnostiquent un cancer du poumon inexistant qui conduit cependant à la découverte de la véritable maladie et de la thérapie nécessaire pour la vaincre. Quelque temps plus tard, consultant un banal “coup d’oeil” médical, il découvrira que les symptômes du lymphome sont ceux qu’il avait rapportés dès le début dans son anamnèse à tous les spécialistes consultés et il conclura que “les médecins savent parler mais ils je ne sais pas écouter”, prenant congé du public, à qui il s’adresse depuis une table de bar littéralement inondée de tous les médicaments inutiles accumulés jusque-là, avec le toast cinglant d’un simple verre d’eau à jeun .

Ayant définitivement abandonné l’alter ego de Michele Apicella (déjà mis de côté pour Don Giulio dans La messa è finie, 1985, mais récupéré ensuite pour le film suivant, Palombella rossa, 1989), Moretti construit avec Cher quotidiennement un journal intime bouleversant à la première personne, représentant pour la première fois seul et unique lui-même, dans un triptyque de “chapitres” caractérisé par l’utilisation de l’appareil photo avec fonction de caméra-stylo (appareil photo-stylo) théorisé in illo tempore par Alexandre Astruc se penche sur sa manière particulière et déjà largement canonisée d’intercepter le présent et ses contradictions avec le cinéma. Divisé en trois segments esthétiquement différents et narrativement autonomes, mais unis par la construction finale d’une réflexion existentielle-unicum [«l’anima, la mente, il corpo», P. Mereghetti], le film parle d’abord, sur le plan du cinéma pur, de la volonté de Moretti de pousser la nature même des images dans un au-delà absolument sui generis avec une liberté narrative et visuelle que ses œuvres précédentes n’avaient que partiellement interceptée ou évoquée. Et il est rythmé par une alternance de rencontres, de mouvements, de contemplations, de réitérations, de réflexions partagées entre voix off et contextualité à l’action (rompant la vraisemblance déjà volontairement labile du récit), dont le caractère autobiographique habituel n’est que le point de départ déclaré. , a réitéré et en même temps presque désavoué la volonté de dépasser les limites de sa propre conception de la mise en scène.

C’est un film qui se laisse volontiers envahir par la musique, originale ou autre (I’m Your Man de Leonard Cohen, Batonga d’Angélique Kidjo, Didi de Cheb Khaled, ainsi que l’extraordinaire bande originale de Nicola Piovani et Köln Concert de Keith Jarrett). comme cela se produira toujours dans son cinéma ultérieur : et un concentré de moments, même comiques, instantanément cultes pour les morettiens observateurs. Mais c’est aussi un film poignant sur la solitude et la douleur : une solitude générée par différents niveaux d’intolérance (sociale, politique, esthétique, psychologique) dont la maladie n’est qu’un phénomène « évident » ; et une douleur qui, conformément à celle toujours racontée, donne Ici bourdon un Fais de beaux rêvesOui Bianca un La messe est finie un Palombelle rouge en passant par une cognition de l’altérité à la limite du narcissisme, elle assume ici pour la première fois les connotations souterraines d’un mal-être plus répandu et endémique, moins « personnel » et plus « universel ». Moretti opère avec détachement, même lorsqu’il raconte son odyssée la plus intime : cela se révèle par des moments extraordinaires (qui lui valent à juste titre le prix du meilleur réalisateur au Festival de Cannes 1994) comme, dans le premier épisode, la voiture-caméra finale (le seul en plan d’ensemble) qui se termine sur le monument négligé et semi-abandonné au PPP ou à la puissance matérielle de la nature dans le chapitre central (« Regardez comment il cadre et fige les paysages éoliens et leur lumière. Comment il sait comment utiliser des plans longs et très longs. Qui, sinon Antonioni dans L’avventura – mais ce n’est qu’un exemple – avait un œil comme celui-là, démontrant que la photographie n’est pas seulement une technique de reproduction de la nature, mais une vision et une interprétation de la monde ?” M. Morandini”). Et il est encore aujourd’hui masqué par une conscience qui en fait a posteriori l’un des outils les plus précieux pour bien comprendre son dernier (dernier ?) chef-d’œuvre, Le soleil du futurque beaucoup trop de gens ont mal pris ce printemps.