Les histoires autochtones au MASP dépassent les frontières et abandonnent les visions traditionnelles de l’art indigène

Fruit de la collaboration entre MASP et le Kode Bergen Art Museum en Norvège, Histoires autochtones rassemble des artistes du Brésil, du Mexique, du Pérou, de Norvège, de Suède, de Finlande, du Canada, d’Australie et de Nouvelle-Zélande. Sous la direction conjointe des équipes du musée et avec la contribution de conservateurs invités de chaque région couverte, l’exposition se distingue comme un effort de collaboration visant à repenser la représentation autochtone dans l’art qui transcende les frontières et les chronologies. En explorant les régions d’Amérique du Sud, d’Amérique du Nord, d’Océanie et de Scandinavie, l’exposition dresse un panorama diversifié au-delà des limites imposées par une vision traditionnellement centrée sur l’Occident.

Le choix de différents médias, depuis les manifestations artistiques antérieures à la colonisation jusqu’aux productions de la dernière décennie, donne à l’exposition une ampleur temporelle qui met en valeur la continuité des expressions autochtones. Plus que simplement insérer des artistes autochtones dans un récit politique, l’exposition met en lumière des artistes exceptionnels qui échappent aux étiquettes et occupent les espaces en tant qu’artistes à part entière, présentant un militantisme intégré à l’art, et les adjectifs de lutte et de race sont complémentaires à l’excellence artistique.

Il est essentiel de noter que Histoires autochtones ne prétend pas englober la totalité ou l’universalité de l’art indigène contemporain. L’exposition vise plutôt à explorer et à présenter certains aspects de cette riche tradition artistique ; la coupe ne diminue pas son importance, au contraire, elle révèle sa profondeur.

Activismes

Le terme activisme incarne la pratique de transformation de la réalité historique et est apparu comme une forme puissante d’expression et de résistance, insérée dans le contexte des luttes contemporaines pour la préservation de l’environnement et des droits autochtones.
Extrait du texte curatorial

L’exposition présente une riche sélection d’art engagé, révélant la diversité des approches esthétiques pour représenter les luttes et la résistance autochtones. « Activismes » est la salle la plus diversifiée de l’exposition, incorporant des œuvres de toutes les régions couvertes et parmi les différentes formes d’expression présentes, on trouve des drapeaux, des photographies, des vidéos, des peintures, des affiches et même une sélection minutieuse de livres sur le mouvement zapatiste. .

Une œuvre remarquable est le drapeau Souveraineté absolue (1990), de Linda Munn, Hiraina Marsden et Jan Dobson, symbole de la résistance maorie et adopté plus tard comme drapeau national maori. L’impact historique est également mis en évidence par l’enregistrement du discours d’Ailton Krenak en 1987 au Congrès national, un élément crucial pour l’inclusion des articles 231 et 232 dans la Constitution fédérale, qui protègent les droits des peuples indigènes.

Des relations qui nourrissent la famille, la communauté et la terre

Nos visions du monde sont construites autour d’une constellation de relations et, comme les entités vivantes,
ils nécessitent réflexion et soins pour s’épanouir.
Extrait du texte curatorial

Alors que nous entrons dans le noyau qui explore les relations fondamentales entre la communauté et la terre, nous sommes transportés dans la région que nous connaissons aujourd’hui sous le nom de Canada. Ici, les traditions des peuples autochtones, comme les Inuits et les Métis, prennent de l’importance, révélant une résistance motivée par l’affection. Chaque mur de cette salle est une fenêtre sur différentes manifestations d’affection : la rencontre est abordée avec le concept de « visite profonde » avec des œuvres picturales qui illustrent l’importance des réunions communautaires et des réunions de famille. La nourriture, comprise comme une construction affective, est explorée, tout comme la relation intemporelle avec le territoire, la nature et le cosmos, en présentant des œuvres qui oscillent entre les langages traditionnels et pop, y compris la satire.

La construction du « je »

Les récits microhistoriques, ou plutôt les histoires subjectives, racontent avec plus de précision des histoires sur les connaissances et les cultures des individus et des communautés autochtones du Mexique que n’importe quelle histoire institutionnalisée sur la « diversité »..
Extrait du texte curatorial

Contrairement aux stéréotypes sur la culture indigène mexicaine, ce noyau s’immerge dans la complexité de l’identité de la région du Mexique. Ici, c’est l’instabilité, la multiplicité et la diversité du « soi » qui sont explorées. L’expérience de l’exposition est enrichie par les tapisseries qui s’entrelacent dans tout l’espace, invitant le public à interagir avec les œuvres en se déplaçant dans la salle. Des noms renommés de l’art latino-américain, tels que Carlos Mérida, Minerva Cuevas et Rufino Tamayo, cohabitent, soulignant la puissance de la production artistique mexicaine qui a également la présence frappante d’une des rares œuvres de collage de Frida Kahlo.

Histoires de peinture du désert

À mesure que les œuvres commençaient à circuler sur le circuit artistique plus large, la popularité de la peinture « par points » augmenta rapidement. En quelques décennies, ce style artistique est devenu synonyme du peuple et de la culture aborigènes et un élément emblématique de la culture vernaculaire australienne.“
Extrait du texte curatorial

Le premier étage se termine par l’art aborigène contemporain d’Australie, où les 30 dernières années sont représentées par des œuvres issues d’un mouvement de 1971 sur les terres du village indigène de Papunya, dans le désert occidental australien. La proposition initiale impliquait la peinture de peintures murales à l’école par des étudiants et des membres de la communauté, ce qui aboutissait à une production continue d’œuvres qui transcendaient Papunya pour atteindre différentes régions d’Australie. Les textures saisissantes et les motifs géométriques rappellent la peinture corporelle, le changement des tons ocres aux couleurs vibrantes étant notable au fil des années.

Salle vidéo : Glicéria Tupinamba et Alexandre Mortagua

Au milieu de la violence, du racisme et de la persécution d’eux et de leurs dirigeants, cette vidéo est un message de force, car le manteau est un témoin du génocide et de la résistance des Tupinambá, affirmant le caractère vivant de leur culture. La confection du manteau invoque ainsi un remède symbolique à la maladie de la colonialité.
Extrait du texte curatorial

En descendant au deuxième sous-sol, nous sommes invités à nous immerger dans le récit de la vidéo Quand Manto parle et ce que dit Manto (2010), fruit d’une rencontre entre l’artiste et chercheuse Glicéria Tupinambá et le cinéaste Alexandre Mortagua. Réalisée à Aldeia Serra do Padeiro, la vidéo met en valeur la perspective et le rôle principal des femmes autochtones et, en présentant le récit du manteau, Glicéria Tupinambá souligne l’importance de l’intuition, du rêve et de la sensibilité. De plus, l’œuvre amène à débattre de la pertinence de la mémoire et de la matérialité des artefacts indigènes, en soulignant leur symbolisme sacré.

Briser la représentation

Jetez en avant.
lance à frente.
lancez fort !
enchérir à nouveau.
lancez-vous chez vous.
forums de lancement.
vraie enchère !
mais lance-le à nouveau.

– James Tapsell-Bleu

Ce noyau rassemble des œuvres d’artistes maoris de Nouvelle-Zélande qui remettent en question et réinterprètent la pertinence de l’art dans leurs communautés, en étudiant le rôle des autorités et de la terre elle-même. Les œuvres présentent différentes interprétations de la peinture traditionnelle maorie, offrant une riche diversité de supports artistiques. Cette section est une invitation à réfléchir sur l’identité maorie, le rôle de l’art dans la société et ses différentes possibilités de manifestation.

Pachakuti : Le monde à l’envers

Raconter une histoire nécessite un narrateur.“
Extrait du texte curatorial

Se déplaçant dans la région du Pérou, ce noyau remet en question les représentations conventionnelles des peuples autochtones, dépassant la vision d’un objet de conquête ou d’un objet d’étude. Pachakuti, terme quechua et aymara, désigne une transformation profonde de l’ordre spatial et temporel, vécue par les peuples originels au contact des Européens. Le curatelle propose une subversion de la logique de la connaissance, cherchant non seulement la compréhension des différences basée sur la complémentarité, mais aussi la transformation de ceux qui observent. Le point culminant est l’exposition, où les œuvres sont savamment disposées à l’envers, défiant le point de vue du public et encourageant une nouvelle façon de comprendre.

Le temps n’est pas le temps

En plus de penser aux artistes qui « regardent » vers l’avenir, il faut souligner que les opérations symboliques des peuples originels ont des racines ancestrales bien plus profondes.
Extrait du texte curatorial.

Ce noyau nous expose au Brésil, présentant des œuvres qui étudient le temps en dehors des dynamiques occidentales. La récupération de l’intemporalité qui imprègne la nature et l’existence est mise en évidence dans des œuvres telles que la peinture d’Arissana Pataxó et les œuvres en céramique de Déba Viana Tacana. Chaque pièce invite le spectateur à contempler le temps sous un angle différent, en plongeant dans la richesse des traditions et la complexité des relations temporelles.

Várves : Lieux cachés de la journée

Composé d’œuvres d’artistes autochtones sami de Scandinavie, cet ensemble incarne le concept de enceinte, ce qui signifie la capacité de percevoir à l’avance. Les œuvres véhiculent ainsi un caractère prémonitoire, exprimant le lien fort et intime des Samis avec la terre et le rythme de la nature.

Histoires autochtones n’est pas seulement une fenêtre sur la richesse artistique des communautés autochtones, mais aussi un miroir qui reflète la responsabilité croissante des institutions culturelles d’embrasser, de respecter et de représenter la pluralité des voix qui composent la tapisserie du monde contemporain. En repensant la représentation autochtone dans l’art, les institutions ne se limitent pas à un rôle passif ; au contraire, ils deviennent des agents actifs dans l’intériorisation et la promotion des changements nécessaires. Le choix minutieux des artistes, l’approche intégrée de l’activisme envers l’art et la portée internationale de l’exposition reflètent une position engagée en faveur de la diversité culturelle et de la transformation sociale.

Que les histoires autochtones continuent de résonner au-delà des murs des musées, inspirant réflexion, dialogue et actions concrètes en faveur d’un monde plus inclusif et conscient de sa riche diversité culturelle.

SERVICE
Histoires autochtones
20.10.2023 — 25.2.2024
MASP — Musée d’art São Paulo Assis Chateaubriand
Avenue Paulista, 1578 – Bela Vista
Horaires d’ouverture : Gratuit le mardi. mardi, de 10h à 20h (entrée jusqu’à 19h) ; Du mercredi au dimanche, de 10h à 18h (entrée jusqu’à 17h) ; fermé le lundi
Pour en savoir plus, consultez Agenda Artsoul.