2024-01-24 11:44:26
Le trope que « la musique classique est ennuyeuse » vient souvent de personnes extérieures au domaine de la performance. Il pourrait donc être surprenant que cette phrase soit le titre d’un atelier Wintersession organisé le 18 janvier par l’ancien pianiste de concert professionnel Noah Simon, un spécialiste principal de la recherche avec la Section des relations industrielles du Département d’économie.
Simon a reconnu que le titre de son atelier était « provocateur », bien qu’il ait ensuite ajouté le sous-titre : « … mais voici comment trouver les vraies choses ! » Le nom de l’atelier reflète la conviction de Simon selon laquelle l’interprétation de la musique classique a connu une « ère sombre » depuis le 20e siècle, et il a recommandé aux participants des enregistrements plus anciens. L’atelier faisait partie des deux semaines de programmation de Wintersession au cours desquelles les membres de la communauté universitaire peuvent diriger et assister à des ateliers dans un environnement sans frais et sans pression.
Tout en soulignant les défauts des enregistrements modernes, Simon a également déclaré qu’il espérait encourager les auditeurs à contempler la musique classique avec un œil plus critique en développant une appréciation des enregistrements plus anciens.
«Je voulais parler de quelque chose qui me tient vraiment à cœur», a expliqué Simon dans une interview au Daily Princetonian. « Quand je vais à des concerts classiques, la grande majorité d’entre eux sont incroyablement ennuyeux. On nous présente bien moins que ce que la musique classique a réellement à offrir.
«Je veux donner aux gens le courage d’appeler [classical concerts] pour être ennuyeux quand ils le sont », a ajouté Simon. “Nous devrions avoir le courage d’exiger davantage en tant que public.”
Selon Simon, la musique classique avait autrefois une plus grande influence sociétale qu’aujourd’hui.
« La musique classique occupait une place différente dans le paysage culturel du début ou du milieu du XXe siècle », a-t-il déclaré. « Pensez à Vladimir Horowitz qui a vendu Carnegie Hall : c’était juste une frénésie. [He] a mis le feu à la ville parce que c’était tellement incroyable et a emmené le public vers de nouveaux sommets. Ce type d’expérience était au cœur de notre imagination culturelle, de ce que signifiait expérimenter le grand art.
Pour définir le rôle des interprètes, dans sa conférence, Simon a comparé les musiciens classiques à des « conservateurs de musée » et les pièces à des « peintures vivantes » qui doivent constamment être ravivées et préservées à travers des interprétations authentiques en accord avec l’intention originale du compositeur.
Simon a comparé côte à côte des enregistrements du milieu du XXe siècle et des enregistrements classiques modernes, fournissant une analyse en direct de la disparité dans la technique et l’interprétation artistique des pièces. Par exemple, il a comparé deux enregistrements de la Symphonie n°4 de Mahler réalisés respectivement par Willem Mengelberg et Leonard Bernstein, deux des chefs d’orchestre les plus connus des XIXe et XXe siècles.
Selon Simon, l’ancien pianiste de concert définissait l’interprétation comme, plutôt que comme des décisions superficielles sur la manière de jouer la pièce, la disposition esthétique de l’interprétation envers « le noyau de sens du texte musical ». Il a soutenu que Mengelberg reste fidèle à l’essence même de la pièce, à savoir une « danse ludique et amusante », en s’appuyant sur l’individualité de la pièce pour « en extraire chaque contour ». D’un autre côté, Bernstein « normalise » la pièce en un trope superficiellement élégant de musique classique.
Simon a soutenu que le nouveau style a normalisé la musique classique en des interprétations superficielles et artificiellement douces et a comparé la recherche du sens en elles à « essayer de trouver chaque ligne d’un visage sous le maquillage ».
“J’espère que si je peux souligner ce changement, les gens pourront mieux apprécier ce que la musique classique a réellement offert”, a déclaré Simon dans une interview avec le “Prince”. « Mon objectif principal est d’amener les gens à écouter de la musique classique, à comprendre qu’elle peut vous bouleverser, vous émouvoir et vous apporter de nouvelles informations sur le monde. »
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“[Classical music] ce n’est pas seulement quelque chose pour lequel on s’habille pour se sentir au sommet de la culture », a-t-il poursuivi. « Cela devrait être quelque chose qui vous émeut, quelque chose qui vous donne des informations sur le monde. Il organise le son d’une manière incroyable que vous ne rencontrez pas au quotidien.
Cependant, Simon est resté sceptique lorsqu’on lui a demandé si davantage de musiciens continueraient à se produire de manière authentique.
“J’ai beaucoup de jeunes amis musiciens qui, je pense, sont des joueurs incroyablement talentueux et profonds qui transportent absolument le public de cette manière”, a déclaré Simon. « Beaucoup d’entre eux connaissent un grand succès et cela me rend très optimiste pour l’avenir de la musique classique. En même temps, j’entends beaucoup de musiciens qui ne m’émeuvent pas du tout.
“Vous ne devriez pas être une sorte d’acteur essayant de lire un monologue d’une manière joyeuse ou triste pour évoquer cette réaction superficielle”, a ajouté Simon. “Vous lisez l’ADN de la musique et vous construisez l’organisme que le compositeur voulait que vous construisiez de manière honnête et sérieuse.”
Au-delà de l’interprétation, Simon a critiqué la qualité sonore des enregistrements modernes malgré l’amélioration de la technologie audio. Dans son atelier, il a fait référence à un entretien avec Renata Tebaldi, l’une des chanteuses d’opéra italiennes les plus renommées du XXe siècle. Contrairement à sa technique projective, elle a critiqué les chanteurs qui s’appuient sur des microphones en utilisant « des voix très, très petites comme celles des moustiques… nous n’entendons pas les opéras de la manière dont les compositeurs les concevaient ».
De même, pour la musique classique, « malgré le fait que les enregistrements soient aujourd’hui si bien conçus, la qualité sonore du jeu lui-même est bien pire », a déclaré Simon. “Si vous regardez les chanteurs qui enregistrent des albums, les microphones sont essentiellement dans leur bouche car pratiquement aucun d’entre eux ne sait plus comment produire du vrai son.”
Simon a déclaré que la qualité sonore de la performance classique va au-delà de la surface.
“Il existe des façons de jouer du piano qui vont au-delà d’une simple action physique ou de la production d’effets superficiels”, a déclaré Simon au “Prince”. « Il s’agit de créer du sens et de comprendre comment transformer les points noirs d’une page en une expérience informative. Comme la façon dont une peinture ou un théâtre peut transporter — c’est la même idée de la sculpture, par exemple — en sculptant un sens à partir de la musique, du son.
Parmi les 28 participants se trouvaient plusieurs musiciens classiques eux-mêmes, dont Lou Chen ’19, responsable du programme Trenton Arts à Princeton et directeur du Trenton Youth Orchestra. Chen a décrit l’événement comme « assez convaincant ».
“Je pensais [Simon] J’ai découvert des enregistrements vraiment fascinants dont je n’avais pas connaissance », a déclaré Chen dans une interview avec le « Prince ». “Je pense qu’à l’ère numérique actuelle, nous donnons la priorité aux enregistrements pour qu’ils sonnent proprement. [over the quality of the actual playing].»
“Je n’avais jamais entendu parler de Christian Ferras et c’est tout ce que j’écoute depuis”, a-t-il ajouté.
Chen était d’accord avec Simon sur le fait que la musique classique est moins populaire parmi les jeunes et a déclaré que c’était “vraiment cool de voir quelqu’un qui s’investissait autant dans la musique classique”.
« La population de la musique classique vieillit », a ajouté Chen. «Je pense que le jeune public, pour diverses raisons, est rebuté par la musique classique. C’est trop élitiste. C’est trop cher.”
« L’ambivalence n’engendre pas l’investissement », a déclaré Chen. “J’espère que la curiosité que cette discussion a suscitée en moi et en tout le monde mènera à l’exploration.”
Un autre participant était Milo Salvucci ’27, pianiste classique depuis 12 ans et percussionniste depuis 8 ans dans l’Orchestre et le Sinfonia de l’Université de Princeton, qui pensait que le cours « n’était pas tout à fait ce qu’il était. [he] je m’attendais à ce que ce soit dans le bon sens.
“Je m’attendais à ce que le cours se concentre davantage sur la musique elle-même et pourquoi elle était ennuyeuse”, a déclaré Salvucci dans une interview avec le “Prince”. “Au lieu de cela, il s’est concentré uniquement sur les interprètes qui jouent la musique, comment ils l’interprètent, comment ils l’interprètent et comment on leur apprend à jouer de la musique.”
Il a ajouté qu’en tant que pianiste, il n’y avait que quelques pianistes en qui il « faisait vraiment confiance pour leurs enregistrements ».
“Je suis d’accord [with Noah] qu’il existe de nombreuses interprétations qui ne correspondent pas à ce que le compositeur voulait que la musique soit, ou tout simplement à ce que les gens aimeraient écouter », a déclaré Salvucci.
Pour Simon, l’atelier a été l’occasion de partager les connaissances acquises au cours de ses quatorze années de formation musicale.
« La plupart des gens ne peuvent pas passer des années à étudier la musique classique. J’espère donc pouvoir jouer le rôle d’une sorte étrange de plongeur », a-t-il déclaré. “Je veux évoquer les trésors que j’ai trouvés au fond de l’océan et les partager avec d’autres.”
Chloe Lau est rédactrice de reportages et de perspectives pour le « Prince ».
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