Amours impossibles, magie et trahison au Teatro Real avec l’exotisme “La bayadère” du Ballet de l’Opéra de Munich

L’œuvre, qui peut être appréciée jusqu’au 2 juin, met fin à la saison de danse en cours au Teatro Real

MADRID, le 31 mai. (EUROPA PRESSE) –

La magie et l’exotisme qui caractérisent “La bayadera” se sont déplacés ce vendredi 31 mai au Teatro Real de Madrid, avec un public enfermé dans cette histoire d’amours impossibles, de fantaisie, de jalousie et de trahison qui transcendent la vie et la mort, comme le Le Ballet de l’Opéra de Munich a su transmettre.

Après sa première acclamée ce jeudi 30 mai, “La bayadera” peut être appréciée en seulement cinq représentations jusqu’au dimanche 2 juin, un titre – qui a dû être reporté en raison de la pandémie – avec lequel le Teatro Real y met un terme. saison de danse en cours.

“La Bayadère” est l’une des œuvres les plus importantes du chorégraphe Marius Petipa, dont le nom est lié aux ballets de Tchaïkovski “La Belle au bois dormant”, “Le Lac des Cygnes” et “Casse-Noisette”, ainsi qu’à d’autres classiques comme “Don Quichotte”. » et « Le corsaire ».

En 1998, le Ballet de l’Opéra de Munich a créé cette œuvre en Allemagne dans une version de Patrice Bart, avec une mise en scène basée sur la chorégraphie originale de Marius Petipa et avec des décors de Tomio Mohri. En raison de l’extrême difficulté d’accès aux sources à l’époque, le dernier acte a été recréé sur la base de recherches méticuleuses et les parties manquantes de la musique et de la chorégraphie ont été complétées.

Quant à l’esthétique des décors et des costumes, ils portent la marque artistique du dessinateur japonais Tomio Mohri qui, d’une part, a incorporé des éléments visuels de l’histoire du ballet, comme dans le célèbre numéro du “Royaume des ombres”, le grand défilé de fiançailles – mis en valeur par l’éclairage de Maurizio Montobbio – ou la variation de l’Idole d’or créée par Nikolai Zubkovsky en 1948. En revanche, au fil des différentes scènes, la faiblesse de Mohri pour les éléments graphiques de l’art japonais est évidente.

D’un point de vue conceptuel, l’équipe artistique dirigée par Patrice Bart s’est concentrée sur le caractère fantastique de la pièce. Le résultat est un récit dans lequel prédominent le caractère féerique de l’intrigue originale et la fascination pour les récits exotiques du XIXe siècle, structuré en deux actes et six scènes d’une durée de plus de deux heures.

L’histoire s’inspire précisément des drames « Sakúntalâ » et « La Brouette d’argile », du poète hindou Kalidasa, et se déroule dans une Inde dont l’identité géographique n’est pas précisément définie. Cette fois, les protagonistes sont la danseuse du temple, Nikiya ; sa rivale, Gamzati, fille du Rajah ; et Solor, un noble guerrier aimé des deux femmes, sans oublier d’autres comme le Grand Brahman jaloux.

Pour cette raison, Madison Young (30 mai et 1er juin à 17h00), Lauretta Summerscales (31 mai et 2 juin) et Ksenia Shevtsova (1er juin à 21h30) alternent dans l’interprétation des rôles principaux. comme Nikiya ; Osiel Gouneo (30 mai et 1er juin à 17h00), Jinhao Zhang (31 mai et 2 juin) et Julian MacKay (1er juin à 21h30) dans le rôle du guerrier Solor, et Maria Baranova (30 mai et 1er juin à 17h00), Bianca Teixeira (31 mai et 2 juin) et Carollina Bastos (1er juin à 21h30) dans le rôle de Gamzatti.

De plus, le rôle de Golden Idol revient à António Casalinho (30 mai et 1er juin à 21h30), Shale Wagman (31 mai et 2 juin) – méritant l’une des grandes ovations de la soirée – et Ariel Merkuri (1er juin à 17h00).

Les représentations au Teatro Real comprennent la participation de l’Orchestre Principal du Teatro Real, sous la direction de Kevin Rhodes, pour interpréter la musique de Ludwig Minkus, compositeur de ballets célèbres tels que « Paquita » ou « Don Quichotte », entre autres. .

RETOUR APRÈS 23 ANS

Avec cette œuvre, le Munich Opera Ballet / Bayerisches Staatsballett revient au Real 23 ans plus tard et après avoir annulé son voyage à Madrid en 2020 avec « La bayadère », en raison de la pandémie. La compagnie a ouvert la saison 1999/2000 avec un programme qui comprenait « Giselle », dans les premières représentations, et « Onéguine », dans la dernière.

Depuis sa première à Munich en 1998, la perception de « La bayanera » a changé puisqu’elle est désormais considérée comme véhiculant une image stéréotypée de l’Inde et de ses pratiques religieuses et culturelles. Ainsi, dans l’Inde ancienne, il n’y avait pas de danseuses de temple pour les danses décoratives ou de divertissement, mais plutôt des femmes qui pratiquaient l’art du devadasi : elles exécutaient des pratiques rituelles et leurs danses étaient proposées pour vénérer la divinité. De la même manière, leur lien avec le dieu était conjugal, ce qui les empêchait d’épouser un mortel, comme le faisaient le reste des femmes.

À partir du XVIIe siècle, les missionnaires et les représentants des puissances coloniales commencèrent à exercer une plus grande influence et condamnèrent le mode de vie des devadasis, car il ne correspondait pas au modèle de femme qui prévalait à cette époque. Les élites indiennes, éduquées en Occident, ont adopté cette perspective et ont également commencé à censurer leurs propres pratiques culturelles. En 1947, la loi Madras Devadasis a été adoptée, interdisant aux femmes de servir dans les temples sous peine de sanctions sévères.

Parallèlement à ce déclin de la tradition des devadasis, le style de danse appelé « Bharatanatyam » a acquis de nouvelles formes, qui incluaient également des éléments de pratiques rituelles. Rukmini Arundale Devi, une figure clé de la réinterprétation de l’héritage des devadasis, s’est inspirée, entre autres, d’Anna Pávlovna Pávlova pour consacrer sa vie à la tradition de la danse et du théâtre indiens.

Quoi qu’il en soit, “La Bayadère” – chorégraphie créée au Grand Théâtre de Saint-Pétersbourg par le Ballet Impérial en 1877 – constitue une étape importante dans l’histoire du ballet, compte tenu de la grande difficulté technique des interprètes – notamment du soliste qui interprète Nikiya. , dont le personnage offre une évolution marquée tout au long de l’histoire– et qui nécessite un corps de ballet bien formé et nombreux, qui résout avec solvabilité les brillantes scènes chorales, acclamées par des applaudissements répétés par un public qui a dit au revoir au spectacle avec plusieurs minutes d’applaudissements.