Un air d’été avec Felice Carena aux Gallerie d’Italia

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En franchissant d’emblée le seuil d’entrée, il est décidément difficile de catégoriser le style pictural de Felice Carena (1879-1966), artiste turinois (florentin et vénitien d’adoption) du XXe siècle historique, nom bien connu, parfois injustement sous-estimé. Six sections d’exposition sont présentées à la Gallerie d’Italia de Milan pour raconter l’histoire de l’essor et du développement de son art, depuis ses débuts jusqu’aux Biennales vénitiennes. Un voyage à travers la première moitié du XXe siècle avec des techniques toujours nouvelles, dans une recherche continue de dialogue entre tradition classique et Renaissance, symbolisme et expressionnisme. Depuis les premières œuvres plus sombres aux accents caravagesques comme dans Des chérubins ivres qui dansent de 1909, dans l’effondrement des formes sombres dans le Portrait de la baronne Ferrero (1910) qu’est-ce que c’est Le ruban bleu (1911), on note la recherche effrénée de la lumière, pour enquêter sur une humanité toujours plus grande à mesure que le temps passe. Ce sont les années romaines de l’artiste, au cours desquelles il crée des chefs-d’œuvre de style préraphaélite comme leOphélie (1912), qui fait un clin d’œil à celui de Millais sans l’écraser. Par la suite, il se consacre à des compositions de natures mortes matérielles et de choses communes, cherchant avec un zèle utopique une lumière plastique dans le monde des formes. Son style devient plus coloré, émaillé et moelleux : la référence à l’expressionnisme français de Matisse et à la rigueur géométrique de Cézanne s’exprime avec la couleur vive travaillée par des coups de pinceau puissants et des irrégularités matérielles de zones chromatiques.

Le théâtre populaire

Passionné de théâtre populaire, dans les tableaux de 1933 et 1954 centrés sur le thème, Carena donne la lumière aux spectateurs et non aux acteurs, soulignant leurs mérites, mimétismes et défauts : les acteurs deviennent le peuple lui-même, les vaincus se transforment soudain en étoiles. Au fil des années, la peinture de l’artiste devient beaucoup plus existentialiste et tourmentée, comme le montrent les autoportraits, cependant apaisés par la luminosité composée et claire des natures mortes et les valeurs de composition qui donnent un sentiment de répit et d’intériorité. paix. La religiosité et la spiritualité jouent un rôle fondamental pour Carena au siècle de « l’éclipse du sacré » : sa célèbre Dépositions datés de 1938, 1955 et 1963, ils ont des comportements picturaux différents et tragiques, du titanisme réaliste à une issue au signe vacillant, aux corps tourmentés. Divers sujets bibliques et mythologiques avec des traits graphiques vibrants et synthétiques, des figures douces et esquissées tirées de dessins rapides comme dans Adam et Ève, Judith et Holopherne, ou Les cavaliers de l’Apocalypse de 1949. Enfin, la dernière salle: il semble incroyable comment, à partir du symbolisme du premier autoportrait à la couleur poussiéreuse – daté de 1904 – vingt ans plus tard, Carena a produit des œuvres du calibre de Sérénité (1925) ou La pergola, où dominent les volumes et le souci du détail. Tel un caméléon aux multiples facettes, c’est cependant dans son œuvre la plus célèbre que son parcours stylistique varié se révèle avec le plus d’importance. Domaine (le hamac) met en scène une jeune femme allongée au soleil, dans un otium existentiel total. Le visage se détendit dans un sourire séraphique, une main posée doucement sur le sol et l’autre tenant un bouquet de fleurs comme la petite fille de Village samedi leopardiano lui donne un air insouciant, plein de la lumière vibrante qu’offre la saison estivale et que Carena a poursuivi toute sa vie : un choix décidément heureux.

Felice Carena, Gallerie d’Italia (Milan), jusqu’au 29 septembre 2024