Les sons de Bruckner, quotidien Junge Welt, 25 septembre 2024

Les anniversaires des compositeurs augmenteront en 2024. Outre Luigi Nono et Arnold Schönberg, le Festival de musique de Berlin (24 août – 18 septembre 2024) a également mis à l’honneur Anton Bruckner, dont trois symphonies ont pu être entendues. L’interprétation de la cinquième par la Philharmonie de Berlin sous la direction de Kirill Petrenko recèle au moins une richesse de détails rarement remarqués. Cependant, cela n’a pas abouti à un tout, ce qui n’est pas seulement dû au tempo trop rapide, notamment dans les mouvements centraux. Le volume retentissant de presque chaque augmentation avec des cuivres presque brutaux a obscurci les véritables points cibles du développement et s’est émoussé pendant 70 bonnes minutes.

C’est le contraire qui s’est produit avec le premier de Bruckner sous la direction de Christian Thielemann. Ici, les points forts ont été intelligemment mesurés et tout sonnait correctement et bien soigné. Thielemann a clairement et à juste titre apprécié le son luxueux de la Philharmonie de Vienne. Mais il n’y avait plus rien. Le caractère urgent et radical du travail manquait.

Fidèle à sa démarche, Thielemann a choisi la version finale de la symphonie enrichie mélodiquement, dans laquelle Bruckner avait atténué les excès rythmiques de l’œuvre qu’il avait composée bien auparavant. Ingo Metzmacher, qui dirigeait l’Orchestre des jeunes Gustav Mahler, a également choisi une version rare dans une salle de concert. La première version de la Troisième Symphonie, rarement jouée, s’est avérée être un coup de chance, car les révisions de Bruckner n’ont apporté aucune amélioration ici non plus. Les premières versions de cette œuvre sont formellement cohérentes et, dans la première version, Bruckner a osé créer une simultanéité de couches rythmiques qui n’a été retrouvée qu’au XXe siècle. Metzmacher et son orchestre ont rendu cela aussi audible que la logique unique de cette progression musicale. Ils n’ont ni exagéré le son, ni l’ont banalisé.

Et Bruckner en tant que compositeur de musique sacrée ? Le Chœur de chambre RIAS de Berlin et l’Académie de musique ancienne ont interprété la messe en ré mineur sous la direction de Łukasz Borowicz. Le son de l’orchestre était inhabituel, mais instructif. Le contenu expressif des phrases individuelles a changé, devenant parfois plus intime, mais devenant plus rude dans les points culminants. Le volume sonore est plus faible que d’habitude ; Un chœur de chambre menaçait également parfois de dominer.

L’ensemble a également démontré sa qualité dans la première partie d’un programme savamment élaboré. La Messe en ré mineur est une œuvre seuil qui a marqué une percée dans la composition libre pour Bruckner, presque quarante ans, en 1863, après des décennies d’apprentissage. Il y avait aussi l’ouverture en sol mineur, qui avait été écrite récemment et qui, dans certaines phrases, préfigure des œuvres ultérieures, et des chœurs sacrés ont également été entendus. Sebastian Heindl a contribué à des improvisations pour orgue sur des thèmes de ces œuvres, rappelant un genre dans lequel Bruckner célébrait des triomphes en tant qu’organiste.

Un autre célébrant, Charles Ives, né en 1874, s’inscrit dans le thème américain du Festival de musique de Berlin 2024 et dans la revendication démocratique de la musique aux États-Unis. Comme dans certaines des œuvres présentées ici le 16 septembre dans le rapport intermédiaire de la fête de la musique, la différence entre musique « haute » et « basse » est également négligée dans ses compositions. Mais chez Ives, cela ne conduit pas à un abaissement du niveau, mais plutôt à une simultanéité impitoyable.

L’étroitesse du lien entre cette voie américaine et le modernisme européen a été mise en évidence par des compilations d’œuvres de Schönberg (dont celles du pianiste Pierre-Laurent Aimard) ainsi que par une soirée au cours de laquelle Anna Prohaska a interprété des chansons d’Ives ainsi que celles d’Igor Stravinsky. et Claude Debussy confrontés. Les « 114 Songs » d’Ives sont un recueil de différents types de musique qui, selon le but recherché, se côtoient sur un pied d’égalité. Mais la méthode ne développe tout son potentiel que dans la simultanéité.

L’Orchestre Symphonique Allemand dirigé par Kazuki Yamada l’a démontré avec le triptyque « Three Places in New England », où des marches et des chants proches et lointains se rencontrent dans des progressions presque indépendantes, les uns avec les autres. On entend rarement cette œuvre complexe aussi clairement que dans ce concert. Mais les exigences des « Trois Places » ne sont rien en comparaison de celles de la Quatrième symphonie, entreprise par la Philharmonie de Berlin sous la direction de Jonathan Nott. Ici, le chœur et les ensembles éloignés rejoignent l’orchestre, et la multitude de rythmes simultanés nécessite un chef assistant (Gregor A. Mayrhofer). Malgré ce niveau extrême de polyphonie, la performance était facilement audible. Plus encore : il exprime que la complexité de l’œuvre n’est pas une fin en soi, mais véhicule un contenu utopique à travers l’harmonie des contraires. Au moins artistiquement, l’idéal démocratique qu’Ives, sceptique quant à son présent, proposait à ses compatriotes, pouvait encore se réaliser en 1925.