Première au Nederlands Dans Theater

Die Spuren der Moderne des Tanzes verlieren sich in dem Maße, in dem ihr Repertoire tiefer in Vergessenheit gerät. Anna Pawlowas bedeutender Einfluss auf die Entwicklung der Avantgarde, in der sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts die modernen Komponisten, bildenden Künstler und neuen Choreographen für Bühnengesamtkunstwerke zusammentaten, wird an unerwartetem Ort erinnert, in Den Haag, der Stadt am Meer. Hier thront im Wind das „Hotel des Indes“ neben anderen Palais. Im Inneren ist es warm und so ruhig, dass man sich zwischen den hohen Marmorsäulen und rotsamtenen Sesseln leicht um 150 Jahre zurückversetzt fühlen könnte, posierten auf seiner Prachttreppe im Foyer nicht Influencerinnen in Partykleidern. Wendet man sich auf den dicken Teppichen nach rechts, gelangt man in die Bibliothek des Hauses. Hier erzählen Schwarz-Weiß-Fotografien die Geschichte der vor 140 Jahren in ein Hotel umgewandelten Villa und ihrer berühmtesten Gäste: Politiker, gekrönte Häupter, Rockstars, Industriekapitäne. Ihren Namen aber hat die Bibliothek von der 1881 in St. Petersburg geborenen Ballerina Anna Matwejewna Pawlowa geliehen.

Sie war Mikhail Fokins „Sterbender Schwan“, sie war der erste große Star in Sergej Diaghilews „Ballets Russes“. Als sie 1917 auf einer Welttournee in Lima auftrat, verliebte sich ein Dreizehnjähriger in ihre Kunst, der London später in eine der drei Ballettmetropolen der Welt verwandeln sollte: Frederick Ashton. Im Winter 1931 reiste Anna Pawlowa wieder von Theater zu Theater, dieses Mal für ihre Abschiedsvorstellungen. In Den Haag zog sie sich die Lungenentzündung zu, an der sie wenige Tage vor ihrem 50. Geburtstag starb – zu Gast im „Hotel des Indes“.

Wer weiß, wen Pawlowa in ihren holländischen Vorstellungen inspirierte, Tänzer zu werden? Bis das Ballett und der zeitgenössische Tanz in den Niederlanden doppelte institutionelle Gestalt annahmen, sollte es bis nach dem Zweiten Weltkrieg dauern. Faszinierend ist, wie schnell es dann ging, bis Den Haag zu einem europäischen Brennpunkt des zeitgenössischen Balletts wurde. Das 1959 gegründete Nederlands Dans Theater schien jahrzehntelang die ideale Company zu sein, um das neoklassische Ballett in eine zeitgemäße, gesellschaftlich relevante und ästhetisch verheißungsvolle Richtung zu entwickeln. Hans van Manen und Jiří Kyliàn prägten es gleichzeitig und abwechselnd, je nachdem, ob van Manen seine Meisterwerke gerade beim NDT tanzen ließ oder beim Niederländischen Nationalballett.

Das Alleinstellungsmerkmal des NDT war seine absolute Vorwärtsgewandtheit und die Brillanz, mit der die Tänzer der Company jedes neue Werk in den neuen Sprachen präsentierten, ihre Eleganz, ihre Souveränität, ihre Gegenwärtigkeit. Kyliàns surreale, melancholische, Prag-geborene Düsternis und van Manens streng formalisierte, aufregende, musikalische Dramen musste man in den Achtziger- und Neunzigerjahren gesehen haben.

Le NDT a depuis longtemps perdu son argument de vente unique. L’époque où l’on disait que certaines compagnies pouvaient danser le répertoire du XIXe siècle, d’autres pouvaient danser le Forsythe, et que certaines essayaient les deux de manière tout aussi inadéquate, est révolue. Le choix qui s’offre aujourd’hui aux chorégraphes entre les ensembles est immense. Tout le monde veut attirer l’attention par des premières et moins par un répertoire historiquement informé qui reflète les thèses sur la danse. Le nouveau est le nouveau : tout le monde veut une pièce de Sharon Eyal, de Hofesh Shechter, Sidi Larbi Cherkaoui. Sous la direction d’Emily Molnar, qui dirige le NDT depuis 2020 et ne chorégraphie pas elle-même, le look ne remonte pas plus loin que le début des années 2000.

La première qu’elle vient de sortir combine « Vanishing Twins » de Jiří Kyliàn de 2008, « Clowns » de Hofesh Shechter de 2016 et la première « Ties Unseen » du plus jeune des trois chorégraphes, Christos Papadopoulos. Il a étudié à l’école d’Amsterdam pour le développement de la nouvelle danse comme Sasha Waltz, une sorte d’école postmoderne, il commence à peine à devenir très connu et sa pièce est aussi la plus intéressante. Ce sont seize danseurs sur lesquels Papadopoulos met les « chaînes invisibles » du titre, une véritable idée chorégraphique qu’il développe très bien spatialement.

Le step morceau au rythme synchrone ne laisse aucune place inutilisée sur la scène, la nuée passe partout, entraînée électroniquement par la composition commandée à Jeph Vanger. La musique n’est pas trop minimaliste, ni sentimentale ni particulièrement mécanique, ni joyeuse ni mélancolique, mais facile à écouter et à imaginer en club. Plus la chorégraphie répétitive d’une demi-heure avance, plus vous remarquez à quel point l’unisson produit de l’individualité. Vous avez tout le temps du monde pour observer les danseurs un à un. Lors de la soirée d’ouverture, le personnage le plus marquant est Emmitt Cawley, présent et profondément immergé dans l’action.

Mais tout le monde danse en groupe avec une telle intensité et précision, comme s’il était guidé par un aimant invisible situé sous le sol de la scène. Ils se présentent d’abord comme s’il s’agissait de boules de billard dans le triangle avant le début du jeu. Ils restent toujours ensemble, ils ne se regardent presque jamais. Ce n’est pas obligatoire, car l’attraction ne se produit pas à travers l’apparence, mais vient de l’intestin. Les tics, les inclinaisons saccadées des têtes, des cous et des épaules avec lesquels commence la pièce restent la seule particularité de la danse. Papadopoulos n’aime évidemment pas les pauses et réfléchit de manière strictement réduite jusqu’à la fin. C’est fort, mais finalement très similaire à l’esthétique de Sharon Eyal et en deçà de son incroyable originalité et complexité. Vous aimez regarder « Ties Unseen », mais vous devez finalement admettre que vous êtes légèrement déçu à la fin.

Les « clowns » vicieux et meurtriers de Hofesh Shechter suggèrent à plusieurs reprises des tirs à bout portant et des égorgements. Peut-être faudrait-il considérer la brutalité comme un lien avec la pièce de Kyliàn, dans laquelle les femmes deviennent violentes à plusieurs reprises envers les hommes en duo. On sous-estime peut-être combien il est difficile de sélectionner les œuvres importantes du répertoire, même du passé de la danse le plus récent et apparemment si proche, et ce qu’il faut aux nouveaux chorégraphes pour faire tout ce qui est en leur pouvoir pour éclairer la grande histoire de la danse moderne. , dont l’éclat ne s’estompe pas si vite s’éteint.