Dans un programme de festival de théâtre de Dublin rempli de nouvelles perspectives et de productions inventives, Maison sécurisée (★★★★★)une nouvelle collaboration entre le scénariste-réalisateur Enda Walsh et la compositrice Anna Mullarkey, est une réussite fulgurante. Sous la forme d’un cycle de chansons, avec un artiste live sur scène, l’expérience est une expérience d’enveloppement sensoriel à travers l’imagerie cinématographique, la composition orchestrale, la conception sonore ondulante et la performance époustouflante de Kate Gilmore. Après sa trilogie d’opéra avec la compositrice Donnacha Dennehy et sa comédie musicale Lazarus avec David Bowie, Walsh continue d’explorer des façons originales de réunir texte et musique, en travaillant avec ses collaborateurs fréquents, l’éclairagiste Adam Silverman et le vidéaste Jack Phelan.
Mélangeant des éléments de chansons flamboyantes, de folk vaporeux et de synthpop, Gilmore nous emmène dans l’esprit de Grace, une jeune femme qui a grandi dans l’ouest de l’Irlande dans les années 80 et au début des années 90. Des scènes filmées projetées sur le mur d’une piste de handball abandonnée révèlent son passé sous forme de souvenirs fragmentaires. Dans le design ludique de Katie Davenport, des images récurrentes de petits espaces sûrs dans lesquels ramper. Épisodes d’une enfance éclipsée par l’alcoolisme ; des fêtes d’enfants misérables, suivies par l’isolement des adolescents dans une petite ville ; évasion vers la ville et tentatives d’engourdir les traumatismes – toutes sont présentées comme des impressions éphémères, soulignées par les couches veloutées d’électro, de cordes et d’ensemble vocal de Mullarkey. Dans cette œuvre aux multiples facettes magnifiquement réalisée, nous regardons Grace trouver sa propre façon de créer sa vie, soit en faisant la paix avec son passé brisé, soit en lui tournant le dos.
Mal à l’aise… Shadaan Felfeli, Maeve O’Mahony et Finbarr Doyle dans Guest Host Stranger Ghost. Photographie : Nathan Snow
Hôte invité Étranger Fantôme (★★★★☆) doit être léger. La pièce de Kate Heffernan pour Once Off Productions est jouée sur les plateaux d’autres productions du festival, dans les théâtres de la ville. « Qui peut se permettre un ensemble de nos jours ? » » demande Maeve O’Mahony, en présentant ce spectacle astucieux de surf sur scène avant d’assumer son rôle de Deirdre. Deirdre, l’un des trois personnages partageant la maison d’une femme âgée hébergée dans une maison de retraite, craint que la propriétaire ne meure à tout moment et qu’elle doive déménager. Attirant l’attention sur la crise du logement à Dublin et la pénurie aiguë de logements locatifs, Heffernan montre les conséquences de l’insécurité et des conditions de vie à court terme avec des étrangers.
Lorsque Deirdre et son ami John Paul (Finbarr Doyle) invitent un livreur de restauration rapide, Fran (Shadaan Felfeli), à emménager avec eux pour les aider à payer le loyer, ils se comportent comme des squatteurs. Le réalisateur Eoghan Carrick crée un ton de malaise, alors que les trois se tiennent sur la pointe des pieds dans la faible lumière projetée par leurs téléphones et ordinateurs portables, avec un air de passivité forcée. Interrompus par la sonnerie stridente du téléphone fixe du propriétaire, ils évitent de répondre, tandis qu’une coupure de courant les laisse dans le noir. Petit à petit, on voit le lien entre eux se développer, mais il reste si fragile que l’un d’eux risque de disparaître, comme le petit ami de John Paul. Que ce soit par l’évitement, le retrait ou la submersion dans la distraction en ligne, le ghosting prend ici de nombreuses formes.
Manipulation émotionnelle… Curtis-Lee Ashqar (Charlie) et Jeanne Nicole Ní Áinle (Sam) dans Breaking. Photographie : Anthony Woods
Les conséquences de la décision hâtive d’un jeune couple d’emménager ensemble se révèlent de manière inquiétante dans Rupture (★★★☆☆), par Amy Kidd, pour la compagnie de théâtre Fishamble. Abordant les sujets du contrôle coercitif et du consentement dans une relation intime, le scénario de Kidd est un puzzle minutieusement structuré représentant les personnages de Sam et Charlie d’abord comme deux hommes, puis un homme et une femme, puis deux femmes, dans différentes combinaisons. Habilement dirigés par Jim Culleton, les acteurs engagés – Curtis-Lee Ashquar, Eavan Gaffney, Matthew Malone et Jeanne Nicole Ní Áinle – reprennent chacun là où l’autre s’est arrêté dans une séquence de scènes courtes et intenses.
Alors que le décor d’un salon à six portes suggère une farce ou un opéra-comique, l’intention est ici tout à fait sérieuse. En demandant aux divers acteurs d’échanger leurs rôles et aux personnages d’échanger leurs sexes, le public est poussé à un certain auto-examen. Alors que la manipulation émotionnelle de Sam par Charlie ouvre la voie à des abus sexuels et physiques, nos hypothèses sont remises en question. Cependant, la patience est également mise à l’épreuve lorsqu’à mi-chemin, Kidd prend une note de Pinter et inverse l’ordre chronologique – avec des rendements décroissants. Alors qu’une excuse en larmes ou une demande anxieuse de réconfort se fondent dans une autre, l’impact dramatique de ce début ambitieux se dilue.
Après The Lost O’Casey, Anu Productions revient sur le travail de Seán O’Casey dans Star Jazzer (★★★☆☆)en adaptant cette nouvelle qui se déroule dans les immeubles de Dublin du début du 20e siècle. Apportant leur talent visuel habituel pour créer une performance intime et spécifique au site, la scénariste-réalisatrice Louise Lowe et les designers Owen Boss, Ciaran Bagnall et Rob Moloney ont mis en scène cette performance dans un bâtiment géorgien, réunissant le passé et le présent à travers deux performances solo distinctes qui se chevauchent brièvement.
En tant que femme mariée en 1923, épuisée par l’accouchement, la pauvreté et un travail domestique incessant, Liv O’Donoghue (la « starjazzer ») prend un moment pour se tenir dehors dans la petite cour pour observer le ciel nocturne et admirer les étoiles. Alors qu’elle danse, fixant ses yeux sur le public, le sentiment d’une vie passionnée gâchée est intense et émouvant. A l’étage, dans une pièce peu meublée, sa jeune homologue du Dublin d’aujourd’hui vit également en marge – même si dans l’interprétation provisoire du texte de Lowe par Ciara Byrne, sa situation n’est pas tout à fait claire. Ce qui lie les deux femmes à travers le siècle est une expérience partagée de privation, mais la suggestion selon laquelle la victimisation des femmes est presque inévitable nécessite plus de développement qu’elle ne l’est ici.
Anarchique… Du signal au bruit. Photographie : Hugo Glendinning
Le langage est poussé jusqu’au point de rupture dans la dernière émission de Forced Entertainment, Signal sur bruit (★★★★☆)marquant le 40ème anniversaire de l’entreprise. Pour leur troisième visite à ce festival, les artistes – Robin Arthur, Seke Chimutengwende, Richard Lowdon, Claire Marshall, Cathy Naden et Terry O’Connor – offrent une démonstration sans faille de l’esprit toujours curieux et anarchique qui a rendu cet ensemble si influent. . Se précipitant sur la scène en transportant des plantes en pot et des meubles avec une intention maniaque, ils tentent de synchroniser les lèvres avec les lignes enregistrées créées par le réalisateur Tim Etchells à l’aide de l’IA et d’un logiciel de synthèse vocale.
“Est-ce ma voix?” » chacun d’eux demande à son tour. « Sommes-nous en direct ? Êtes-vous en vie ? demande un autre. Chacun des interprètes tente de distancer les bribes de discours insistantes et désincarnées qui rebondissent d’une personne à l’autre et semblent parler à travers elles. Rayonnants tout en parlant de catastrophes météorologiques dystopiques, dansant à travers des récits de maladies chroniques, les corps sur scène et les voix enregistrées se comportent séparément, désynchronisés, créant des effets à la fois absurdes et étonnamment poignants. Opposant les nouvelles technologies à notre instinct de nous exprimer, cette expérience intelligente et déconcertante présente une lutte entre l’humain et la machine.
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