Quand on connaît la fin du film

Il semblait que le dernier tabou dans les représentations audiovisuelles et dans les conversations publiques dans un cadre formel était le sexe ; En effet, on a vu des séquences de sexe non simulé dans des films « normaux » et on peut aujourd’hui parler avec asepsie médicale de tous types de situations et de pratiques dans les relations sexuelles. Mais la mort reste taboue et – comme l’ont confirmé certains sociologues – dans les sociétés urbaines contemporaines, les rituels de deuil ont disparu de la vie familiale pour être inscrits dans les standards de consommation commerciale établis par les entreprises funéraires.

Les décès de personnages abondent dans tous les genres cinématographiques, mais les plus courants sont les meurtres dans les thrillers et les films d’action, ou la mort d’êtres chers dans les mélodrames traditionnels ; c’est-à-dire des représentations dans des histoires éloignées de l’expérience du spectateur. La mort proche et douloureuse, et plus encore la propre mort, était jusqu’à tout récemment l’autre tabou actuel du cinéma. Mais les choses changent et il semble que l’on contredise l’opinion bien connue d’André Bazin selon laquelle “comme la mort, l’amour est vécu et non représenté (…) la représentation de la mort réelle est aussi une obscénité non morale, comme dans l’amour, mais de la métaphysique.

À l’affiche cet automne, des séries et des films abordent avec calme – c’est-à-dire sans soulignements mélodramatiques ni arguments d’excuse – la prise en charge des patients en phase terminale ou, plus directement, la possibilité de mettre fin à la douleur de la mort annoncée. Dans la troisième saison de « Rapa » (Movistar+, 2024, 6 ep.) le professeur atteint de SLA joué par Javier Cámara, co-star des enquêtes policières, demande et obtient des autorités sanitaires l’application de l’euthanasie. Nous n’aurions jamais pensé qu’un héros de fiction rencontrerait la mort de cette manière, même s’il faut en reconnaître le courage.

Mais c’est l’adaptation très libre par Pedro Almodóvar du roman de l’écrivaine new-yorkaise Sigrid « Quel est ton tourment » — dont la première a eu lieu vendredi dernier — qui aborde de la manière la plus directe et la plus réaliste comment gérer sa propre mort et comment obtenir le soutien de ses proches. ceux. A la recherche d’un marché plus large pour un film intimiste, dénué de tout humour et de tout spectacle, Almodóvar a tourné en anglais avec des actrices qui remplissent l’écran : Tilda Swinton (« Martha ») et Julianne Moore (« Ingrid »). Sous l’impulsion du Lion d’Or à la Mostra de Venise, “The Room Next Door” (2024) met en scène la rencontre d’un écrivain avec un ami, ancien reporter de guerre, atteint d’une maladie en phase terminale et qui, en Dans un contexte social et politique de rejet légal de l’euthanasie, il recherche sur les sites clandestins du « Dark Web » des pilules pour mettre fin au poids insupportable de son existence.

Avec sa délicatesse habituelle dans le traitement de la douleur humaine, très présente dans ses derniers films, Almodóvar s’est appuyé sur les peintures d’Edward Hopper (1882-1967), avec sa lumière crépusculaire ou nocturne qui accorde une existence fantomatique aux êtres humains contemplés depuis le distance; des types inquiétants qui regardent par les fenêtres à la recherche d’un horizon pour leur vie ou se laissent caresser par les derniers rayons du soleil. Avec une fille séparée et un cancer qui progresse, la journaliste Martha prend les rênes de son destin avec une maturité surprenante, sans oublier la douleur qui l’habite. Le soutien d’Ingrid est essentiel et surtout très empathique pour accompagner sans juger une décision aussi coûteuse.

De même, nous voyons un soutien admirable dans « Les Flashes » (2024), réalisé par la talentueuse Pilar Palomero – l’un des meilleurs films espagnols de cette année – qui adapte également un texte littéraire, l’histoire « Un cœur trop grand » (« Bihotz handiegia’) de l’écrivain basque Eider Rodríguez. La protagoniste absolue, Isabel, une divorcée qui a reconstruit sa vie dans une maison à la campagne, est poussée par sa fille à prendre soin de son ex-mari, qui souffre d’une maladie cardiaque grave et irréversible. Isabel, interprétée par la splendide actrice alavaoise Patricia López Arnaiz, qui a mérité la Coquille d’Argent au dernier festival de Saint-Sébastien, est d’abord réticente et on devine que la rupture et la relation qui a suivi avec son ex-mari n’ont pas été faciles. Mais il fait de la nécessité une vertu et soigne les malades avec la force qui vient d’un engagement moral solidaire de l’engagement émotionnel qu’il a vécu dans le passé. En ce sens, “Les Flashes” me semble être un film exemplaire, un modèle du comportement que nous devons adopter même lorsque le corps nous demande de fuir des situations aussi difficiles.

Dans quelques semaines sortira un autre film espagnol sur le thème de l’euthanasie ou, plus précisément, du suicide assisté. Carlos Marqués-Marcet, cinéaste sensible comme l’a révélé son précédent long métrage « Les jours qui viendront » (2019) sur les sentiments qui grandissent dans un couple après l’attente d’un bébé, utilise le sonnet de Quevedo « L’amour constant, plus au-delà de la mort » dont le dernier deux versets disent “ils seront des cendres, mais cela aura du sens, / ils seront de la poussière, mais de la poussière en amour”, pour le titre de son drame “Ils seront de la poussière” (2024). L’excellente Angela Molina, qui incarne les personnes âgées, mais pas les vieilles, et l’acteur chilien Alfredo Castro forment un couple de longue durée qui, confronté au diagnostic d’une maladie en phase terminale pour elle, décide de mettre fin à ses jours et de voyager en Suisse pour être aidé. C’est difficile pour leurs enfants, mais ils finissent par accepter la décision, probablement parce qu’ils y voient une autre étape dans l’histoire d’amour de leurs parents, que l’histoire met en valeur avec l’inclusion de quelques numéros musicaux.

Ce qui frappe le plus dans “Dust They Will”, la série susmentionnée et les films d’Almodóvar et Pilar Palomero, c’est ce dépassement du tabou de la mort, qui, sans renoncer à la modestie nécessaire à quelque chose d’aussi radical dans l’existence de l’être humain, est exprimé dans des récits très positifs pour le spectateur, dans l’esprit des fables morales de la littérature ancienne.