C’était un original absolu. David Lynch faisait partie de ces réalisateurs que l’on connaît non seulement par son nom, mais aussi par son apparence, voire par le ton de sa voix, légèrement rauque mais apaisante. Il y a aussi des fans qui peuvent citer des dizaines de ses déclarations poétiquement mystérieuses. Il s’est tellement distingué par son caractère unique que l’adjectif “Lynch” est dérivé de son nom de famille, et on peut dire que son style a été imité ou suivi par plusieurs générations de cinéastes, dont sa fille Jennifer Lynch. Il n’était pas seulement réalisateur, mais aussi scénariste et artiste, parfois même il composait la musique de son propre film ou dirigeait la caméra. Il fut l’un des derniers grands auteurs, ces génies divins qui avaient pour la plupart un contrôle absolu sur leurs œuvres.
David Lynch n’était pas un artisan qui faisait des succès au box-office, mais les gens regardent ses films à plusieurs reprises, peut-être pour les comprendre, même s’ils ne peuvent pas être compris à un niveau intellectuel conscient. Lynch fait partie de ces classiques incontestés qui n’ont jamais remporté d’Oscar ni de Golden Globe. Même s’il était autrefois nominé, il était toujours un peu en avance sur son temps et n’a été récompensé que rétrospectivement – il a reçu un Oscar d’honneur pour l’ensemble de sa carrière en 2019.
Élevé à égalité avec le faible
Pourtant, lorsqu’il remporte pour la première fois la Palme d’Or à Cannes en 1990 avec le film Fury in the Heart, ce fut un scandale. Le film semblait si vulgaire, insipide et ringard que les traditionalistes ont ressenti le besoin de se définir contre lui. En même temps, son intention était de jouer avec le kitsch et le dégoût et d’y relier les catégories de haut et de bas, de dureté et d’ironie, exactement dans l’esprit du postmodernisme en cours. Cette romance de gangsters brutale et stimulante se termine bien dans l’esprit des comédies musicales Technicolor. Dans les années 1960 et 1970, le couple central aurait été anti-héroïque, abattu comme Bonnie et Clyde, dans Lynch ils s’embrassent dans un embouteillage avec une fée magique qui les surveille depuis le ciel, ce qui évoque un mélange si décousu de des sentiments qu’on n’a aucune idée de ce qui les entoure car il le regarde et se demande s’il doit être ému, ou rire, ou rejeter l’ensemble de l’œuvre. Bien sûr, le précédent film de Lynch, Blue Velvet (1986), dans lequel le personnage principal trouve une oreille humaine coupée dans la pelouse, faisait déjà allusion au fait que presque tout peut arriver dans ces histoires, mais ici l’auteur n’a pas complètement dérangé le genre et ne nous parle pas de fiction à ne pas prendre au sérieux. Blue Velvet était un thriller pervers dans la veine de ce qu’aurait filmé Alfred Hitchcock s’il était encore en vie. Le film peut être interprété directement à travers la psychanalyse et se concentre sur les fétiches et le côté obscur de l’âme humaine. Lynch travaille déjà ici avec le motif d’une petite ville américaine, qui brille en surface avec une apparente idylle, mais en dessous, des choses terribles se produisent.
Il a ensuite développé l’idée de combiner l’esthétique des feuilletons ringards avec un détective mystérieux et terrifiant dans la série révolutionnaire Twin Peaks (1992), qui a en fait lancé une nouvelle ère de la télévision et créé une couche de ce qu’on appelle la télévision de qualité – œuvre pour connaisseurs, où de nombreux épisodes permettent d’expérimenter le récit, son sérieux, les plans du réel et du temps.
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La série Twin Peaks a créé sa propre iconographie. Quelqu’un voit une photo ordinaire de l’annuaire. Un fan de Lynch entend probablement automatiquement la musique triste d’Angelo Badalamenti.
Totalité surréaliste
L’intérêt de Lynch pour les choses étranges n’est pas enraciné dans un traumatisme de l’enfance, mais plutôt dans une observation attentive et introvertie de son environnement et un penchant pour la dissection des tissus. Il a commencé avec les grenouilles et a fini par disséquer la structure même de l’univers. Sans doute était-il un peu bizarre, mais avant tout un enfant perspicace et toujours bien connecté à ses sentiments intérieurs et à ses expériences oniriques. Sa capacité à saisir la réalité de manière globale a également été approfondie par des années de pratique de la méditation transcendantale. Lynch n’a jamais eu besoin de consommer de drogues pour atteindre spirituellement là où la plupart des gens ne vont qu’en état d’ébriété.
Il affirmait lui-même qu’une grande partie de son art était basée sur le surréalisme et l’expressionnisme, mais il a commencé à créer à une époque où l’avant-garde devenait une banalité et faisait partie intégrante des publicités, des clips vidéo et de la culture pop. Lynch a donc intégré dans sa vision du monde précisément les éléments déchus de la culture pop et les a transformés en une sorte d’art ironique.
Comme l’un des premiers, il a compris le rétro non seulement comme une nouvelle mode, mais il s’est également rendu compte qu’il n’y avait plus de vraie mode, que tout n’était qu’un retour de l’ancien et qu’il y avait tellement de modes côte à côte que nous avons surmonté le concept même de mode et vivre dans la postmodernité. Il s’agit d’un état historique où le développement a cessé de fonctionner et où nous vivons dans une sorte de cycle et de souvenirs flous du passé, qui, bien sûr, ne reviennent pas dans sa gloire, son éclat et sa pureté, mais surtout sous une forme monstrueuse – un cauchemar d’horreur ou kitsch artificiel. Dans les films de Lynch, c’est comme si nous entrions dans le bon vieux temps, mais tout est plus sombre et plus flou. L’intrigue des films n’est pas franchement passionnante, mais la logique se perd dans une sorte de labyrinthe onirique. Passé, présent et futur fusionnent, les personnages changent d’identité, existent en double, souffrent de perte de mémoire et la remplacent par des substituts artificiels. Dans ses derniers films Mulholland Drive (2001) et Inland Empire (2006), on ne sait même plus quel est le niveau de base de l’histoire des actrices et quel est le tournage du film dans le film.
Ce n’est pas un caprice vide de sens
Une grande partie de ce que Lynch a créé peut apparaître à première vue comme une délibération égoïste ou un chaos indéchiffrable. Mais ce que fait en réalité l’auteur, c’est qu’à certains moments, là où le récit classique aurait fourni des informations plus précises, il invente quelque chose qui, au contraire, complique et ouvre l’interprétation. Ses films ne sont pas destinés à être lus, déchiffrés et attribués certaines significations à certains symboles. Les derniers films de Lynch (Fire with me come, Lost Highway, Mulholland Drive, Inland Empire et la troisième saison de Twin Peaks de 2017) nous aident à ne pas insister sur une logique simple pour des films qui sont une image de l’inconscient ou une image de tous. dimensions de l’univers, pour arrêter d’essayer de contrôler le monde. Ce n’est qu’alors que notre cerveau connaîtra l’illumination, la liberté et la paix. Bien sûr, les premiers films de Lynch demeurent – le terrifiant Greaser (1977), peut-être le récit le plus conventionnel de The Elephant Man (1980) et l’adaptation ratée du roman de science-fiction Dune (1984) – mais même dans ceux-ci, ils parlent de difformités corporelles. et des mutations, dont nous craignons qu’elles n’arrivent à nous, à nos enfants ou à nos descendants dans un avenir lointain. Dans de nombreux films de Lynch, nous trouvons des personnes atteintes de troubles mentaux, amputées de membres, sourdes, aveugles – il y a toujours un équilibre entre l’horreur et la compassion ; ces films nous apprennent de différentes manières à accepter l’altérité et à nous préparer à l’imprévisibilité de la vie.
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Tiré du film The Elephant Man (1980).
Pour nous purifier de l’obscurité en nous
Quiconque a déjà lu ou regardé une interview de David Lynch a toujours été fasciné par la façon dont cet auteur explorant les ténèbres humaines était une personne extraordinairement gentille et positive, complètement différente de ses héros, anti-héros et méchants. C’est vraiment lui qui a réussi à sublimer toute négativité interne dans l’art, qui s’est purifié à travers la création et a grandi spirituellement. Si Franz Kafka décrivait l’absurdité du monde bureaucratique moderne, David Lynch, qui projetait depuis longtemps de tourner La Métamorphose de Kafka, était un romancier de cinéma, un poète et un peintre de lumière d’un monde postmoderne dans lequel des formes infinies de distraction et de divertissement nous tuent. Comparé à l’époque moderne, où dans les romans policiers nous résolvons le mystère de manière rationnelle, dans les films de Lynch, le mystère reste absolu. Lynch lui-même n’aimait pas parler de ses films comme d’une critique sociale et n’y voyait rien de politique. Mais cela ne veut pas dire que la forme de ces œuvres n’est pas influencée par l’atmosphère de l’époque, et en même temps que leur puissance est totalement intemporelle.
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La blague dans laquelle nous vivons
Il est assez courant de voir Lynch décrire l’Amérique Reagan des années 1980, qui a vu son idéal dans les années 1950. Reagan lui-même a en fait inventé la politique rétro, et avec lui est revenue la poétique rétro, la compréhension de l’Amérique comme un monde de clôtures blanches et de pelouses tondues. Lynch a légèrement caricaturé ce monde comme une sorte de mensonge, et lorsque la transition vers l’ère numérique a eu lieu dans les années 1990 et 2000, des démons ont commencé à sortir des trous médiatiques de ses films – caméras vidéo, Internet, mais aussi autres boîtes noires. . La conspiration contre l’humanité est presque métaphysique, comme si Dieu lui-même nous suggérait qu’il a créé l’univers comme une erreur, une plaisanterie ou un piège. De nos jours, et avec une certaine distance, nous comprenons Lynch davantage comme quelqu’un qui donne de l’ordre à notre monde chaotique. Il est devenu le héros des mèmes et des blagues. Mettez un autocollant transparent « réalisé par David Lynch » sur votre fenêtre et tout prendra soudain un sens. Malheureusement, nous avons tellement évolué au cours des deux dernières décennies que « Lynch-like » n’est plus une exagération, mais nous vivons tous dans un film inachevé de David Lynch. Ce qui faisait peur est lui-même devenu rétro et nous réconforte plutôt. Avec la mort de ce réalisateur, les années 80, 90 et 2000 se terminent esthétiquement. Nous tous qui avons grandi en regardant ses films avons le sentiment que quelqu’un qui nous a appris à voir est mort.
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