L’art féminin investit le Guggenheim

2025 sera une année de changements au Guggenheim Bilbao, à commencer par le remplacement de la direction générale, que Miren Arzalluz prendra en charge le 1er avril. Juan Ignacio Vidarte, son directeur général depuis l’inauguration en 1997, s’est présenté ce vendredi pour avancer la programmation annuelle. Onze expositions qui réunissent “ambition, qualité et variété, destinées à un large public”, avec lesquelles le musée espère franchir la barre des 1,3 million de visiteurs, un chiffre dépassé trois fois dans toute son histoire, y compris l’année dernière.

Parmi ces onze expositions, sept sont nos propres productions et quatre sont organisées en collaboration avec d’autres institutions. Une tentative a été faite pour rechercher la diversité de genre, de moyens et d’origine. On ne peut pas parler d’exposition star en raison de sa propre particularité ou parce qu’elle est dédiée à un artiste populaire. Se distinguent les quatre artistes, toutes des femmes, qui figureront dans les expositions les plus importantes : la Brésilienne Tarsila do Amaral, la Portugaise Maria Helena Vieira da Silva et les Américaines Helen Frankenthaler et Barbara Kruger. Parmi les nouveautés, la série In situ exposera deux fois par an des sculptures, des installations et des œuvres multimédias créées spécifiquement pour les salles 204 et 208. Le Turk Refik Anadol, basé à Los Angeles, qui utilise l’Intelligence Artificielle comme outil de création, et le Britannique Marc Leckey, qui explore la relation entre culture populaire, nostalgie et technologie, sont les deux artistes sélectionnés cette année.

Voyageuse, audacieuse et cosmopolite, Tarsila do Amaral (1886-1973) s’installe à Paris pour s’imprégner des nouveaux courants artistiques. À son retour à Sao Paulo, il devient la figure centrale du modernisme brésilien. Le Guggenheim expose des peintures peintes des années 1920 aux années 1960, dans lesquelles l’imaginaire indigène et populaire côtoie le cubisme et le primitivisme. Tarsila, son nom de scène, était une femme émancipée et indépendante, qui savait se contaminer avec le populaire et le local et qui, dans les années 1930, s’est tournée vers le réalisme après un voyage à Moscou qui a rempli ses toiles d’ouvriers et d’opprimés. Le MoMA a acheté sa toile « A lua » en 2019 pour 20 millions de dollars, la plus grosse somme jamais payée pour le travail d’un artiste brésilien.

En 1998, le Guggenheim consacrait déjà une exposition à Helen Frankhentaler (1928-2011), une artiste new-yorkaise qui brillait dans l’expressionnisme abstrait et dont la figure est souvent associée à celle de son contemporain Jackson Pollock. Le créateur a adopté la technique de l’artiste consistant à poser le tableau au sol et à étaler la peinture sur la surface de la toile. Une technique révolutionnaire de « trempage et teinture », utilisant des pinceaux, des éponges ou même un seau. Les résultats furent très différents : lyriques chez Frankenthaler et sauvages chez Pollock. Pour certains, il peignait sans contrôle ni idées directrices, il utilisait des couleurs pastel et péchait par excès de poésie ; Pour d’autres, son art représente la spontanéité et la complexité de l’image.

Barbara Kruger (New Jersey, 1945) a travaillé comme graphiste dans des magazines et a emprunté dans son travail l’esthétique iconique du langage des médias et de la publicité. Un langage concis et provocateur, avec des slogans tels que « Votre corps est un champ de bataille », l’une des devises du féminisme international. Genre, identité, désir et consumérisme sont les thèmes de la première exposition anthologique de l’artiste en Espagne, dans laquelle les visiteurs pénétreront dans des environnements recouverts de vinyle, d’installations vidéo et d’écrans LED grand format. Un art politique copié par des marques de vêtements et dans des clips vidéo, qui a battu en 2011 un record chez Christie’s lorsqu’une de ses photographies a été vendue aux enchères pour plus de 900 000 $.

Les sentiments peuvent-ils être évoqués avec un langage éminemment abstrait ? En témoigne le travail de Maria Helena Vieira da Silva (Lisbonne, 1908-Paris, 1992), dont l’analyse a toujours eu tendance à mettre en évidence sa dette envers divers mouvements et styles, au lieu de louer l’originalité de son vocabulaire. Installée dans la capitale française depuis l’âge de 20 ans, Vieira da Silva est une peintre fidèle à une mémoire obsessionnelle, qui fusionne sa vision du paysage lisboète avec l’expérience culturelle de Paris. Ses paysages non naturalistes sont stylistiquement français et poétiquement portugais. Épouse du peintre Árpád Szenès, avec qui il a fui à Rio de Janeiro pendant la Seconde Guerre mondiale, dans ses toiles minutieuses, réalisées à petits coups de pinceau, on peut tout voir, de la géométrie décorative des carreaux hispano-arabes aux formes abstraites et aux illusions d’optique.

Rubens, Van Gogh, Rembrandt… Les collections de la Galerie nationale de Budapest contiennent des dizaines de milliers de dessins et plus de 100 000 gravures, dont la fragilité empêche leur exposition prolongée. C’est pourquoi la sélection que présentera le musée de Bilbao est si pertinente, avec des œuvres sur papier datant d’environ 1400 et jusqu’à nos jours.

Deux artistes ont relevé le défi de créer des installations spécifiques pour les salles 204 et 2028 du Guggenheim. Turk Refik Anadol, basé à Los Angeles, utilise les données de l’IA pour ses sculptures, vidéos et performances, tandis que le Britannique Mark Leckey fait dialoguer passé et présent en s’appuyant sur la nostalgie et la culture populaire.

Le commissaire Manuel Cirauqui souligne l’importance d’une exposition de sculptures, d’installations, de dessins et de performances, qui rassemble des œuvres historiques de 1970 à nos jours. Des œuvres éphémères réalisées avec des matériaux durables – feuilles, champignons, bois, terre – qui nous obligeront à modifier les conditions environnementales du musée et nous amèneront à réfléchir sur la crise climatique que nous subissons.

Artiste visuel, écrivain, photographe et cinéaste et vidéaste expérimental, Sky Hopinka (Washington, 1984) est un descendant des Indiens Pechanga Band de Luiseño Mission, en Californie. Son œuvre « Desmayos » médite sur la tradition et la mythologie de la « xqwjska » ou pipe indienne, une plante médicinale utilisée par les indigènes pour faire revivre les gens.

Vito Acconci (1940-2017) n’a jamais peint de tableau. Il s’agissait d’actions dont son corps, souvent nu, était la toile. Le légendaire performeur, vidéaste et architecte pouvait se mordre les bras et les jambes, se brûler les cheveux ou transmettre ses fantasmes sexuels aux visiteurs de la galerie pendant qu’il se masturbait caché. L’un de ses disciples était Sergio Prego, de Saint-Sébastien, qui dialogue avec son professeur.

Un dépôt à long terme de 54 œuvres de la collection Rodenstock enrichira la collection permanente du Guggenheim à partir de l’automne. Des peintures, entre autres, de Lucio Fontana, Yves Klein, Cy Twombly, Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Anselm Kiefer, Cindy Sherman, Jeff Koons et Damien Hirst, qui pour la première fois seront exposées en groupe.