« Anna Bolena » de Donizetti au Deutsche Oper Berlin

FL’opéra éministe existe depuis longtemps. Il a prospéré dans le bel canto italien du début du XIXe siècle, comme en témoigne le grand nombre d’héroïnes féminines de Donizetti, par exemple – en fin de compte, elles étaient généralement mortes ou folles, mais restaient les centres de pouvoir de ses pièces. Le fait que cela ait mieux fonctionné à l’époque que certains efforts qualifiés de féministes aujourd’hui est peut-être dû au fait que le terme et l’étiquette existent aujourd’hui, mais il n’existe pratiquement aucune personnalité convaincante capable de susciter et d’inspirer la moitié masculine de la planète. la population, tant dans le monde de l’art qu’en dehors ; mais certainement à l’époque.

L’une de ces figures déterminantes de la culture du premier romantisme italien était Giuditta Pasta, la première Norma de Vincenzo Bellini en 1831 et la protagoniste d’« Anna Bolena » de son concurrent Gaetano Donizetti un an plus tôt. Cinq générations plus tard, ce rôle « anglais » à double sens – car il fait référence à Anne Boleyn, la seconde épouse d’Henri VIII, décapitée sur ses ordres sous des prétextes hypocrites –, incarné par Maria Callas, devient un point de départ marquant pour la renaissance du bel canto qui se poursuit depuis lors façonne les programmes d’opéra du monde entier.

C’est désormais l’opéra allemand de Berlin Federica Lombardi qui s’inscrit dans cette tradition – avec succès : une reine de la tête aux pieds, qui apparaît aussi jeune qu’elle a confiance en sa sensibilité et sa dignité. En termes de chant, il lui manquait encore la souplesse de la colorature dans l’air de la performance et aussi cette aura lyrique de douce douleur derrière tout l’éclat, qui émergeait de plus en plus à mesure que la tragédie avançait et finalement, malgré quelques faiblesses physiques, dans le monstrueusement long et culminant avec une scène d’adieu poignante qui n’a été ramenée à la vie que par la chanson finale « Götterdämmerung » de Brünnhilde.

Un nanisme inhabituel

Lorsqu’elle avait précédemment formé un duo avec Vasilisa Berzhanskaya dans le rôle de sa rivale et successeure intérieurement déchirée, Jane Seymour – plus sèche et plus cassante en timbre, mais peut-être encore plus intense en termes d’explosivité émotionnelle – réglant leurs comptes, se pardonnant mutuellement, se désespérant mutuellement. : alors vous pourriez avoir le sentiment d’assister à un grand moment de l’histoire de l’opéra dans une incarnation authentique.

Il y avait plusieurs raisons pour lesquelles des moments aussi enflammés et entraînants n’avaient pas duré toute la soirée. Tout d’abord, il y a un éclipsement des rôles masculins, ce qui est inhabituel même pour l’adorateur de la voix féminine Donizetti, qui est encore accentué par la mise en scène de David Alden (essentiellement un remake de sa production zurichoise de 2021 avec le jeu d’ombres simple et imaginatif de Gideon Davey). , mais au moins un équipement acoustiquement avantageux).

Le grand théâtre fonctionne différemment

Ainsi, Percy, l’ex-mari d’Anna et désormais un facteur perturbateur dans le plan royal visant à se débarrasser de l’ancienne épouse le plus rapidement possible en faveur de la nouvelle, apparaît dès sa première apparition comme une sorte de clochard noble avec un cartable lacé dans un sac. Tenue Biedermeier, dont il froisse ensuite la cape de pluie dans le coin en boudant . Peut-être qu’il – rempli vocalement par René Barbera d’un geste mélodieux de langueur et de soumission – dans cette figure abattue et douloureuse, serait-il un de ces vagabonds schubertiens qui finissent toujours là où le bonheur vient de disparaître au coin de la rue, mais même avec les moyens les plus somptueux. Il ne s’agit certainement pas d’un fantasme érotique ou d’une compétition politique pour le roi.

Heinrich, quant à lui, qui est respectablement fringant comme présence scénique, est infantilisé d’une autre manière encore : avec des gestes simiens, indécis entre gestes machistes omnipotents et disparition pusillanime, et dans son chant aussi, il n’y a pas de frontière claire entre des éclats de gueule et des retraites dans le discret. Dans la finale du premier acte, tout ce à quoi il peut penser comme forme d’action pour ses attitudes de pouvoir gonflées et exagérées est de jeter des oreillers autour de lui. Le grand théâtre fonctionne différemment.

Avec tout mon respect

En tant que troisième personnage masculin – le crooner courtois Smeton – la mezzo-soprano Karis Tucker a joué selon les spécifications de Donizetti, exagérément caricatural, avec une voix faible et, comme Barbera, un costume peu flatteur. Sinon, des chapeaux hauts et des costumes croisés, des parapluies, des bougies et une réflexion rituelle troublante sur les actions : un peu comme si le monde des personnages de Spitzweg s’était introduit par effraction dans la maison Tudor, certes recouverte d’une poussière sombre et mortelle – même le Meyer du jeune Holbein Madonna, qui servait d’accessoire, semblait grise et recouverte de toiles d’araignées. La dernière génération a également voulu contribuer à la scène.

Bien sûr, cette consolation Biedermeier et peu dramatique ne correspondait pas si mal au talent musical d’Enrique Mazzola, qui préférait la transparence et la discrétion nobles à la plasticité pointue. Dans cet opéra, il est devenu clair à quel point les influences du noble mélodiste Bellini étaient fortes sur Donizetti (les lignes se sont inversées à nouveau en reprenant la rivalité féminine confiante dans « Norma » de Bellini) ; Mais compte tenu des tempos très défensifs et de l’amortissement dynamique, même dans les fins de Stretta, de telles expériences n’ont entraîné que peu de plaisir d’écoute immédiat.

Le fait que le chef d’orchestre ait explicitement mis l’accent sur la partition intégrale, y compris tous ses récitatifs confortablement étalés, a parfois mis de la curiosité et du plaisir dans le tableau soliste passable ainsi que dans le chœur différencié, conduisant à des épreuves sévères, en particulier dans la seconde moitié du soirée (en fait plus dense sur le plan atmosphérique). Avec tout le respect que je dois à la fidélité historique philologique, moins aurait été plus ici.