Sean Baker est ce que, dans la très lointaine décennie de 1940 – seulement 15 ans auront été il y a un siècle, quelle impression – les critiques de cinéma français auraient pu appeler un auteur. Leurs films ont une cohérence thématique notable dans laquelle l’obsession de dépeindre la classe, le sexe et la violence sexuelle alors que les entrepreneurs du patriarcat capitaliste américain se démarquent. Les caractéristiques stylistiques esthétiques photographiques et intérimaires sont répétées dans leur cinématographie – comment les films sont en particulier le look et la bouche des actrices, UF–; Son engagement envers l’expérimentation technique et formelle a réussi à laisser une marque d’époque dans le style de ses collègues générationnels. Le roi de la conscience de soi, s’est fait un personnage qui fuient la pop (dans les deux sens, l’esthétique et la nourriture) tenant son indépendance artistique sans perdre de l’humilité. Et aussi, comme dans ces cinéastes du XXe siècle, cette oscillation minutieuse entre la vie publique et le travail cinématographique a donné des résultats en termes de commercialisation: leurs films ont reçu une attention croissante et Aoravec son énorme nombre de critiques positives dans le monde et ses nominations aux Oscars – meilleur film, meilleure direction, meilleure actrice, meilleur acteur secondaire, meilleur script original et meilleur assemblée – semble être un nouveau point lumineux dans une carrière prometteuse.
Le fait est que, bien que la plupart de ces critiques de louange se concentrent – avec raison – sur la qualité des actions et dans le mélange de tons et de disques génériques que le film couvre, je crois que la chose la plus impressionnante dans Baker est la qualité est la qualité est la qualité Qualité de la mise en scène: comme dirait Jean-Louis Comolli, la relation entre le point de vue de la caméra, les personnages et le spectateur se sont organisés autour de l’assemblage. Parce que Aor Il commence par presque un clip vidéo: les scènes et les dialogues sont courts et superdinamiques et tout se concentre sur le passage des informations et la réalisation de la narration plutôt que de transmettre des émotions profondes ou en se sentir. Cette superficialité ostensible, qui est vertigineuse presque comme dans toute publicité sur Internet,
nous place dans un lieu de voyeurs dans lequel le film parvient à rester pour presque toute son extension. L’un demande: Qu’est-ce que c’est, Baker? Où était le garçon sensible capable de représenter avec une délicatesse tortueuse amitié féminine en Tangerine et dans Starletteou la relation mère-fille en Le projet de Floride? Ici, il y a de la beauté hégémonique pure, des culs qui sont pataugères, des mouvements de caméra pleins d’extras, de l’esthétique de Telo cool Les japonais, les gens qui parlent mais ne parviennent pas à communiquer, sautent des chotos pour voler de l’emplacement dans l’emplacement – combien d’emplacements, ils sont! -. Bref, pur montrer. Le défi semble être, au lieu de compter – pour compter, vous devez hiérarcher, arrêter, choisir – maintenir la tension dramatique sans compter.
Également éphémère est le sexe tout au long de la première escalade anecdotique de Aorune flèche indicative qui nous dit que les personnages prennent et rien d’autre. Il n’y a aucune volonté de raconter une rencontre spirituelle ou des conditions dramatiques ou des changements émotionnels de quelque nature que ce soit, comme si le sexe était une action aussi banale que de laver la cuisine ou de changer de vêtements. Et Ani fonctionne que, c’est sa vie quotidienne: Baker ne met pas les jetons pour raconter ses expériences sexuelles autour de son émotivité, mais parie sur le contraire et est joué par une pure dénotation. Voyez-vous, mon cher spectateur de classe moyenne? Ani prend un verre, Ani marche dans la rue, Ani organise sa logistique quotidienne, Ani Baila, Ani Cage. Ani connaît un petit garçon qui lui offre quelque chose de différent et oui, vous savez déjà qu’il va mal, mais pour elle suivre le jeu, il est capable de gagner beaucoup d’argent et sait qu’il ne perd rien qui tombe dans le piège .
Ainsi, l’interrogatoire susmentionné des stéréotypes d’amour de films tels que Jolie femme Ce boulanger effectue n’est pas simplement anecdotique, mais formel. Leurs options de gestion semblent exprimer que nous, de notre lieu de spectateurs de narrateurs, ne pouvons pas savoir ce que ressent ANI. Il n’est pas approprié de le représenter de façon spectaculaire comme s’il s’agissait d’un bourgeois, mettant en évidence son émotivité et son jubilage pour deviner leur plaisir ou leur douleur. Nous ne pouvons observer que de loin, de l’extérieur – le chemin, peut-être, par Martín Rejtman, mais avec un rythme beaucoup plus navigué – parce qu’elle est une travailleuse du corps et gère une autre langue dans laquelle ne pas même les pets. Baker respecte l’intersectionnalité entre le sexe et la classe refusant de générer de l’empathie avec une stratégie sentimentaliste, et c’est nouveau et dérangeant. C’est pourquoi la dérive de la seconde moitié est, encore une fois, vers le genre le plus insaisissable qui existe autour des Vericuetos émotionnels: le film de route. Parce que bien que le film ralentit beaucoup et, enfin, les hypothèses “narratives” des personnages commencent, la succession de scènes à la recherche des riches riches qui ont osé épouser Ani – dans un tel manque de responsabilité qu’il est stupidement dégoûtant – Empêche tout type de profondeur: l’enfant lui-même disparaît dans un champ de désinvolture inquiétant, les personnages qui le recherchent se déplacent en continu et se suivent, l’un après l’autre, des situations absurdes qui n’ont aucune conséquence. Parce qu’en lui montrer Les médias du rêve américain y ont de l’humour, il y a de la comédie, mais il n’y a pas de morale qui vaut la peine, ils envoient de l’argent et du plaisir, les riches utilisent des corps comme s’ils étaient des produits et ni l’art ni la religion n’ont rien à dire à ce sujet.
C’est pourquoi la fin du film est si choquante, car elle est au seul moment où cette logique est transformée, et le fait aussi par l’intervention d’un personnage secondaire et antagoniste, rien d’important, que le film est presque comme un supplément La plupart du temps, tout en laissant un espace croissant à cette fin pour afficher toute sa puissance dramatique. D’où l’éclat de la mise en scène de Baker: l’émotionnalité mpts à la fois dans le protagoniste et en nous, les spectateurs, en même temps, et est à la fois une désolation et un soulagement infinies. Là, vous étiez, béni indépendant New York. Dans cette ambiguïté, enfin humaniste, le cinéma de Baker est encouragé à affirmer qu’il est impossible de vivre sans ressentir. Et, en passant, cela nous montre que ce cinéma qui s’efforce trop de démontrer que “se sent” est mort et que, comme la beauté esclave de Vanya et Ani, ce n’est rien de plus qu’une peau vide.