Avec les salles de cinéma locales qui se raréfient – OK, ce n’est pas le pire des problèmes auxquels notre nation est confrontée aujourd’hui, mais quand même – vous pourriez faire votre devoir patriotique en passant plus tard le jour de l’indépendance à Smoke & Mirrors: un avantage du milieu de l’été pour les autres cinémas, lun/4. Cette dernière vitrine du « cinéma expérimental et personnel » a un besoin financier immédiat après 37 ans, donc l’atmosphère de fête habituelle de ses projections hebdomadaires du calendrier sera échangée contre une véritable fête unique mettant en vedette trois groupes live (The Clog, Combo , Vivian Panache) plus des “sélections de cinéma culte” de 16 mm.
Ce dernier comprendra l’original de 1975 de Paul Bartel Course à la mort 2000, dont les stars de la frappe et de la course incluent le post-Kung Fu, le pré-Kill David Carradine, le pré-Rocky Sylvester Stallone et la perpétuellement grande Mary Woronov. Il y a aussi Gamera l’Invincible, la purée de monstres japonais de 1966 sous sa forme américaine importée, avec des acteurs hollywoodiens manifestement affamés, une chanson à thème rock cool et de petites querelles entre les Murricains militaires indignés et les Soviétiques complices. C’était le premier véhicule pour la tortue géante volante cracheuse de feu (jouée par un homme vêtu d’un costume en caoutchouc, natch) dégelée de l’hibernation arctique par une explosion nucléaire, et la seule à avoir jamais été libérée aux États-Unis.
“L’événement de vacances hybride” promet également une “ambiance de cabaret excentrique” plus “des lumières stroboscopiques éblouissantes palpitant à travers les tourbillons délicieux de nos machines à fumée”, une désorientation sensorielle qui semble être une manière tout à fait correcte de conclure le 4 juillet de cette année. Les détails sur la fête d’accès à la télévision des artistes de lundi à 20 h sont ici
Les grandes ouvertures théâtrales cette semaine sont toutes dans le domaine de la fantaisie colorée. La liste de M. Malcolm offre une intrigue romantique en peluche de l’époque de la Régence dans un mode d’imitation de Jane Austen, bien qu’avec une diversité de casting de style Bridgerton donnant au passé de la classe supérieure une cure de jouvence inclusive. Cela répond certainement à ces jones de style de vie aristocratique avec des décors somptueux et tout, bien que le ténor arqué et artificiel vous fasse réaliser qu’une des raisons pour lesquelles nous apprécions encore Austen aujourd’hui est parce qu’elle rend un tel friperie facile – alors qu’en fait c’est très difficile à réaliser, et à défaut de le faire, la confiserie fantaisie voulue ressemble davantage à une hôtesse Twinkie. Ensuite, il y a deux ‘toons, la suite de la franchise Minions : L’Ascension de Gru et plus idiosyncratique Marcel le coquillage chaussé, une extension de fonctionnalité du short en stop-motion de la comédienne Jenny Slate.
Dans le domaine de l’action en direct en tenue moderne, il y a quelques films intéressants nouveaux dans les cinémas et/ou en streaming :
Compétition officielle
L’été offre au moins un répit à ce qui devient de plus en plus une «saison des récompenses» presque toute l’année, avec des spéculations, des campagnes et de véritables meilleures listes encombrant à peu près tout le reste du calendrier. Cette nouvelle coproduction hispano-argentine est une satire des personnes dont l’ego est devenu très, très dépendant de ce genre d’autosatisfaction du monde de l’art. Lorsqu’un magnat milliardaire vieillissant (Jose Luiz Gomez) décide qu’il doit laisser quelque chose à la postérité pour redorer sa réputation, il a plutôt arbitrairement l’idée de financer un film. Bien sûr, il doit s’agir d’un film très important, avec seulement les meilleurs éléments que l’argent peut acheter : un roman primé au Pulitzer comme source, un réalisateur impérieux acclamé par la critique, les deux plus grandes stars… enfin, la plus grande d’Espagne, au moins.
Le magnat a peut-être un ego de classe mondiale, mais son projet de vanité arbore désormais un «talent» qui le fera ressembler à un amateur à cet égard. Réunis dans un QG d’entreprise élégant et froid pour les répétitions, les participants sont, naturellement, bientôt à la gorge les uns des autres – même ces salles vides surdimensionnées ne sont pas assez grandes pour un «créatif» alpha, sans parler de trois concurrents. L’idole populaire vaniteuse et vide Felix (Antonio Banderas) et l’artiste sans humour Ivan (l’acteur argentin Oscar Martinez) prennent immédiatement à cœur leurs rôles de frères en conflit, cherchant l’approbation de l’autre tout en se plaignant en privé à quel point ils détestent, détestent, détestent ce type. La prestigieuse auteure Lola (Penelope Cruz) les dorlote et les manipule tour à tour, sa propre « démarche » artistique frisant souvent la perversité.
ConcurrenceMariano Cohn et Gaston Duprat, le duo argentin d’écriture et de réalisation de la vie réelle, dont la dernière collaboration sur grand écran était le commentaire social claustrophique-cum-thriller 4×4 (que nous avons examiné l’année dernière ici), ont évidemment fait le tour de ce bloc particulier plus de quelques fois. Leur représentation de la quasi-folie capricieuse sous le manteau de l’art se sent basée sur l’expérience réelle même lorsqu’elle est la plus extravagante, gérant l’astuce d’être souvent hilarant avec acide sans jamais se transformer en caricature. Cela aide certainement que les trois étoiles soient en grande forme, évoquant des personnages antipathiques en termes plus comiques concis que flamboyants.
De même, le ténor des cinéastes est drôle, leur mise en scène retenue même lorsque l’action (comme une séquence de test sonore de baisers ou une scène où de mauvaises choses arrivent à des récompenses précieuses) est proche du slapstick. Son acte d’accusation d’extrême privilège rappelle quelque peu celui de Ruben Ostlund (Le Carré, Force Majeure) dissections satiriques, Compétition officielle est un film sournois – un objet d’art élégant et apparemment détaché qui livre néanmoins certains des plus grands rires que j’ai eus toute l’année. il ouvre vendredi / 1 au Roxie, Opera Plaza, Albany Twin, Piedmont, Rafael Film Center et d’autres théâtres de la région.
Pommes
Un tout autre type de détachement est le sujet de ce long métrage grec léger, curieux mais engageant du scénariste-réalisateur Christos Nikou. Un jour, notre protagoniste barbu de 40 ans (Aris Servetalis) sort de son appartement, monte dans un bus, s’endort et, au réveil, ne se souvient plus qui il est ni où il allait. Apparemment, une telle amnésie soudaine et complète est une épidémie à l’heure actuelle, comme le personnel hospitalier étrangement désinvolte et inutile l’en informe bientôt.
Comme il n’y a pas de remède, sa seule alternative à l’institutionnalisation à long terme est d’entrer dans un « programme de nouvelle identité » dans lequel on lui donne un logement hors site et une vie, en quelque sorte. Mais cela s’avère en grande partie consister en l’exécution d’une série de tâches assignées qui pourraient théoriquement déclencher des souvenirs, mais ressemblent de plus en plus à une étrange expérience psychologique humaine-cobaye. En route, il rencontre une femme (Anna Kalaitzidou) qui est dans la même situation mais l’aborde avec un esprit un peu plus libre (parfois alarmant).
Nikou a été assistant réalisateur sur d’autres films, dont celui de Yorgos Lanthimos Dent de chien– clairement, il a été influencé par le penchant de ce talent pour la comédie noire surréaliste, bien qu’il prenne ici une forme plus douce et moins cruelle. Alors que nous sommes perplexes devant la réalisation que le héros ici peut délibérément éviter de retrouver son ancien moi, la passivité stoïque de Servetalis est en quelque sorte attachante, le film lui-même sous-estimé d’une manière qui semble originale bien qu’ambiguë. Apples ouvre le vendredi 1er à l’Opera Plaza et au Rafael Film Center.
Autoroute perdue
Il peut être surprenant de constater que David Lynch n’a pas réalisé de long métrage depuis 2006. Empire intérieur— et ni ça ni le précédent Mulholland Drive ont été initialement conçus pour cette forme. En fait, cela fait un quart de siècle qu’il s’est mis à faire un film direct et qu’il a terminé le travail. (Vraisemblablement, il a essayé plus récemment, mais il semble qu’on ne puisse plus trouver de financiers pour soutenir les idées d’anciens auteurs étranges.) Ce dernier effort était ce drame-rêve de 1997, qui ouvre Fri / 1 au Roxie dans un nouveau 4K restauration qui frappe vraiment à travers ses stratégies visuelles woozy – et une bande sonore qui, en plus de la partition d’Angelo Badalamenti, comprend de la musique de Nine Inch Nails, Smashing Pumpkins, Marilyn Manson, Rammstein, David Bowie et This Mortal Coil.
Co-écrit par Barry Gifford de Wild at Heart, Autoroute perdue a exaspéré de nombreux critiques (et a été ignoré par la plupart des publics) pour son désintérêt pour la cohérence narrative sur un cours de 2 heures et demie – bien qu’à cet égard, Lynch commençait à peine à s’échauffer. (Mulholland, Empire et le Pics jumeaux le redémarrage irait au moins aussi loin sur ce membre particulier.) Cela commence dans un territoire relativement familier de tropes noirs, avec Bill Pullman dans le rôle de Fred, un saxophoniste de jazz angoissé qui considère déjà sa femme Renee (Patricia Arquette) avec des soupçons vaguement menaçants avant qu’ils Ils sont tous les deux effrayés par une série de mystérieuses bandes vidéo indiquant que quelqu’un ou quelque chose les regarde, même pendant leur sommeil.
La paranoïa monte à un pic homicide, à quel point tout à coup Fred n’est plus Fred, mais le jeune garagiste Pete (Balthazar Getty) – et la brune Renee maintenant blonde Alice, une moll pour un client gangster (Robert Loggia) Pete serait très imprudent à la colère. Néanmoins, une affaire imprudente s’ensuit, dont la nature condamnée est scellée par cette incarnation d’Arquette qui s’avère ne pas être une victime noire de Dans un endroit solitaire-style psychose masculine jalouse, mais une femme fatale classique. (De toute façon, elle passe certainement beaucoup de temps à se déshabiller ou à se déshabiller – c’est un joint de Lynch dont la chair de poule a une teinte clairement objectivante et misogyne, remplie de scènes de sexe astucieusement rebutantes.)
Son maxi-minimalisme visualisé par des gros plans extrêmes, une mise au point floue, une décoration intérieure austère et d’autres dispositifs, Perdu Autoroute a été comparé à une bande de Mobius pour la façon dont sa (il-)logique narrative est à la fois oppositionnelle et circulaire. Peu peuplé pour la plupart, il trouve néanmoins de la place pour une galerie de casting bizarre comprenant Henry Rollins, Mink Stole, Gary Busey, Giovanni Ribisi, Natasha Gregson Wagner, Manson susmentionné, Richard Pryor (dans son dernier rôle au cinéma), Twiggy Ramiriez, et Eraserhead lui-même Jack Nance, même s’ils n’ont pas grand-chose à faire.
Certes, personne n’a la chance de faire une impression à moitié aussi vive que Robert Blake, dont le “Mystery Man” au visage pâteux est inexplicablement alarmant. (Bien que ce ne soit pas tout à fait surprenant, du moins pour moi : alors que Blake n’avait pas encore atteint la notoriété en étant jugé pour le meurtre de sa deuxième femme, je l’avais vu parler lors d’une marche des droits des homosexuels à l’époque du sida à Washington, DC. était un geste théoriquement agréable obscurci non seulement par la pensée “Qu’est-ce que Baretta de la télévision fait ici ?”, mais par la teneur très étrange et inquiétante de son court discours.)
Si Autoroute perdue semble mieux maintenant qu’en 1997, c’est peut-être simplement parce que nos attentes se sont ajustées – il peut être considéré comme un exercice d’humeur et de style purs et mal à l’aise, plutôt que de s’attendre à prendre une forme d’intrigue finie et explicative. Comme un bain chaud dans de l’eau limoneuse, c’est agréable à la fois parce que et même si on est mal à l’aise avec ce qu’il y a dans cette obscurité.
