Aventurière légendaire et icône féministe Amélie Earhart a établi deux records du monde en 1932 – traversant seule l’océan Atlantique en 15 heures, devenant ainsi la première femme et seulement la deuxième personne de l’histoire à le faire ; puis voler sans escale à travers les États-Unis, encore une fois la première fois qu’une femme réussissait cet exploit.
Ces magnifiques disques ont fait d’Earhart une sensation mondiale instantanée. Indépendante et aventureuse depuis l’enfance, elle savait dès son tout premier vol en décembre 1920 avec le pilote expérimenté Frank Hawks que sa place était dans les airs. “Dès que j’ai quitté le sol, j’ai su que je devais voler moi-même”, a-t-elle révélé.
La disparition d’Amelia Earhart
Sa dernière aventure à bord d’un Lockheed 10-E Electra, acheté pour elle par les bienfaiteurs de l’Université Purdue où elle a été professeur d’aviation invité, aurait facilement pu devenir son plus grand record à ce jour : être la première femme à effectuer un vol autour du monde. . Mais dans une tournure désastreuse des événements, Earhart et son navigateur Fred Noonan n’ont jamais terminé le voyage, échouant à localiser leur escale de ravitaillement sur l’île Howland, une minuscule bande de terre de trois kilomètres dans l’océan Pacifique, le 2 juillet 1937. L’avion ni son équipage n’ont été retrouvés au cours d’une recherche exhaustive dans les airs et en mer, et malgré de nombreuses théories farfelues entourant l’incident, il est présumé que les deux hommes ont manqué de carburant et se sont jetés dans le Pacifique.
Le concerto pour violon inspiré de la vie et de l’histoire d’Amelia Earhart
Entrez le compositeur Michael Daugherty, dont le concerto pour violon Électre bleue, basé sur la vie d’Amelia Earhart, a reçu sa première mondiale en novembre 2022 au Kennedy Center de Washington, à deux pas de son célèbre Vega 5B. Commandé par la violoniste Anne Akiko Meyers, qui a interprété l’œuvre pendant trois nuits consécutives avec l’Orchestre Symphonique National sous la direction de Gianandrea Noseda, le concerto est un hommage vivant et souvent magnifique à son sujet.
Ses quatre mouvements représentent chacun une période différente de la vie d’Earhart. La section d’ouverture, « Courage (1928) », est une réflexion musicale sur un poème écrit par Earhart avant son premier vol à travers l’Atlantique : non seulement cette femme étonnante a établi des records d’aviation, mais elle a également écrit trois livres et de nombreux vers, finalement donnés à l’Université Purdue par sa petite-fille. Daugherty répond au poème par une ouverture envolée et mélodieuse, encapsulant des idées d’héroïsme, d’ambition et la sensation de planer de manière passionnante au-dessus du banal.
Le deuxième mouvement, « Paris (1932) », change complètement de vitesse, dépeignant une soirée imaginaire « Hot Jazz » de la haute société dans laquelle Earhart, qui vient de recevoir la Légion d’honneur du gouvernement français, est l’invité d’honneur. Certainement le mouvement le plus amusant et le plus optimiste du concerto, cette tranche de jazz, bluesy La nostalgie donne au soliste et à l’orchestre la chance de briller dans des duos rythmiques compliqués et des syncopes claquant des doigts.
Dans le troisième mouvement, « From an Airplane (1921) », Daugherty remonte le temps via une « rumination musicale » sur un autre poème écrit par Earhart beaucoup plus jeune, « rêvant du jour où elle sera dans le siège pilote d’un avion ». alors qu’il tourne à travers les nuages. Ici, la musique est méditative et atmosphérique, soulignée par des harmoniques fantomatiques dans la partie de violon et des accords augmentés dans l’orchestre.
Et enfin vient la conclusion dévastatrice de l’œuvre, « Last Flight (1937) », une représentation programmatique effrayante de la tentative désastreuse d’Earhart de traverser l’océan Pacifique dans son Lockheed Electra, ses rythmes traversés par le signal indubitable du code Morse SOS et culminant avec un son répété. corde ouverte G dans la partie de violon solo, reprise progressivement par tout l’orchestre et crescendo jusqu’à un mur de sons déchirant, avant de s’interrompre brusquement dans un silence bouleversant.
Dans quelle mesure la description par Daugherty de la disparition d’Amelia Eahardt dans la musique est-elle littérale ?
Selon Daugherty, qu’est-ce qui se passe à ce stade ? Est-ce une représentation musicale de l’hélice bégayant et mourant avant que l’avion ne tombe silencieusement du ciel, ou peut-être que l’avion a déjà touché l’eau plus tôt dans le mouvement – dans une série de descentes entendues dans tout l’orchestre – avant le dernier signal désespéré d’Earhart. les tentatives sont perdues alors qu’elle coule sous les vagues ?
Sans surprise, Daugherty ne s’engage pas lorsque je le rattrape après la première. “Oui, un pourrait interprétez cela comme si l’avion s’écrasait puis devenait silencieux”, me dit-il timidement. Et en effet, étant donné le mystère entourant les dernières heures d’Earhart, un certain degré d’interprétation personnelle est peut-être préférable. Meyers aime également l’idée de « s’en remettre à l’imagination du public ». Mais elle précise : « Pour moi, Amelia s’est écrasée et l’eau monte. C’est incroyablement obsédant. J’ai demandé à Michael d’où lui était venue cette idée pour ces dernières mesures et il m’a répondu qu’il n’avait jamais rien écrit de pareil auparavant, mais que cela s’est simplement présenté à lui.
Le tirage au sort de l’histoire : pourquoi Amelia Earhart ?
Pour sa part, Daugherty a « toujours admiré l’histoire et la vie d’Earhart » et a exploré les archives de l’Université Purdue, où se trouvent la plupart de ses articles et photographies, en préparation à l’écriture de l’article. “Ces 30 dernières années, j’ai composé des œuvres inspirées par des icônes telles que Rosa Parks, Elvis, Jackie O, Paul Robeson, Stokowski, Georgia O’Keeffe et bien d’autres”, dit-il. “Amelia Earhart correspond à cette esthétique – et à bien des égards Électre bleue est une synthèse de ce que j’ai exploré musicalement au cours des dernières décennies.
Le symbolisme d’Earhart en tant que femme aventureuse, se tenant à l’écart de la foule, a des parallèles nets dans le rôle de violoniste soliste, éclairé par les projecteurs et devant la scène – quelque chose qui n’échappe ni à Daugherty ni à Meyers. «Le violon solo est toujours présent dans la texture musicale de cette œuvre», dit-il. «C’est un instrument capable de projeter de nombreux types d’expression musicale différents, du majestueux au tragique. Le violon peut atteindre de grandes hauteurs comme aucun autre instrument.
“Cette œuvre a une signification profonde pour moi”, ajoute Meyers, “et je pense toujours à Amelia pendant que je la joue.” Il y a beaucoup de résonances étranges pour moi, en tant que violoniste, dans le portrait de cette étonnante femme pilote.
Les défis techniques de la musique
Je me demande s’il est possible de penser à de tels parallèles philosophiques tout en se concentrant sur ce qui est parfois une partition profondément exigeante. “Faire chanter le tout est toujours un défi”, répond Meyers. « Vous ne voulez jamais vous sentir accablé par des détails techniques, mais simplement laisser couler les choses. Et c’est aussi ce que je souhaite pour mon public. Je ne veux pas qu’ils pensent : « C’est vraiment difficile ! ». Je veux qu’ils pensent : « Wow, c’était cool » ou « C’était émouvant ». Beaucoup de gens qui ont entendu cette musique ont dit qu’ils étaient en larmes à la fin.
Et finalement, en créant une œuvre nouvelle et passionnante – en particulier celle qui suscite une réaction instantanée et viscérale de son public – Meyers canalise une petite partie d’Earhart. La première fois que ces marques noires et innocentes sont traduites en son, le soliste et l’orchestre deviennent des pionniers de l’acoustique. C’est un sentiment que Meyers connaît bien, engagée, comme elle l’a été tout au long de sa carrière, à élargir le répertoire pour violon à travers de nombreuses créations.
Celui-ci, cependant, me semble spécial. « Monter sur scène pour la première répétition a été une expérience tellement excitante », s’enthousiasme-t-elle. « Les cuivres étaient magnifiques, ma cadence avec le joueur de marimba était vraiment merveilleuse et elle a pris vie. J’avais tellement faim de l’entendre – et cela n’a pas déçu.
Apprenez-en davantage sur Blue Electra de Michael Daughterty et consultez la partition ici.