Critique : Collection permanente au Main Street Theatre

En 2002, la Fondation Barnes, une organisation basée en Pennsylvanie, est devenue la parler du monde de l’art lorsque sa nouvelle direction s’est heurtée aux souhaits de son fondateur décédé, Albert Barnes. Barnes a laissé des instructions claires sur la manière dont son art devait être présenté – des instructions qui ne pouvaient pas résister à l’insécurité économique à laquelle la fondation était confrontée. Qui aurait pu prévoir que la décision du conseil de modifier l’exposition et de déplacer la collection dans une galerie du centre-ville de Philadelphie entraînerait des poursuites judiciaires, des luttes intestines et une pièce de théâtre, jouée partout aux États-Unis et même dans Corée du Sud.

Librement basé sur ces événements, Collection permanente, écrit par Thomas Gibbons, a fait son chemin au Main Street Theatre. Dans cette production, dirigée par le directeur artistique associé Andrew Ruthven, l’histoire du cadeau d’adieu d’un millionnaire excentrique et exigeant au monde – sa fondation – expose les préjugés raciaux sous-jacents dont son fondateur était inconscient. Des performances bien équilibrées et des conversations pertinentes et perspicaces sur l’impact de l’art et le rôle de l’art dans la formation de la perception élèvent cette histoire au-dessus du match de cris d’idéologue qui peut affliger des histoires comme celle-ci.

Les décors sont sortis et montés sur scène. une activité pas toujours sans effort en préparation de certaines scènes. L’utilisation de clips d’interview dans les transitions était très utile pour faire avancer l’intrigue en attendant la scène suivante. Mais parfois, la musique d’intermède arrivait plus comme une musique d’ascenseur que comme des sons pertinents pour l’histoire. Parfois, les transitions ont bercé l’action plutôt que rythmé le drame.

Malgré les transitions maladroites et le changement palpable d’élan de l’acte un à l’acte deux, l’expérience de regarder ce spectacle ravive l’amour pour l’art. Il attire l’attention sur l’importance de l’art et sur ce qui est privilégié d’être exposé et sur l’art qui languit au sous-sol.

Des peintures de Van Gogh, Cézanne, Renoir et d’autres artistes européens sont suspendues au plafond, entourant la scène de l’arène sur les quatre côtés. Les noms des artistes les plus connus sont suspendus tandis que l’art africain anonyme est assis. Sterling North, joué de manière convaincante par Steven J. Scott, est le nouveau directeur noir de la Morris Foundation. Après avoir parcouru les archives, North découvre l’art africain non exposé et lance une initiative visant à ajouter huit pièces africaines à l’exposition de la galerie. Il veut plus de visibilité africaine et noire dans la galerie.

David Harlan comme Dr Morris
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David Harlan comme Dr Morris

Photo par Pin Lim / Photographie de la forêt

Le problème est que le fondateur Alfred Morris a stipulé dans son testament que l’affichage ne doit jamais être modifié. Avant que North n’apporte sa proposition au conseil d’administration, il la partage avec le directeur de l’éducation blanc, Paul Barrow ( Dwight Clark ), qui rejette avec véhémence la proposition en disant qu’elle irait à l’encontre de la volonté de Morris.

La fondation devient un champ de bataille où deux hommes négocient les pouvoirs de leur propre ego. Faisant appel à des idées comme l’intégrité institutionnelle ou l’inclusivité pour étayer leurs positions, les deux hommes s’appuient sur des abstractions pour masquer leur propre désir de transcender leurs pouvoirs limités. Au fond de lui, Paul pense qu’il a été oublié pour ce poste. Il combat le choix du successeur de Morris tout en répétant qu’il se bat pour la vision et la volonté de Morris pour la fondation.

Sterling, tellement habitué au racisme de par son expérience antérieure dans les entreprises américaines, veut enfin montrer son autorité et l’impact qu’il aurait dû avoir depuis le début. L’ego de Sterling aurait été plus prononcé si la direction s’était davantage penchée sur son éclat. Il conduit une Jaguar. Lui et sa femme vivent dans une banlieue huppée. Son style de vie était un gros doigt d’honneur pour le monde blanc.

Steven J.Scott comme Sterling North
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Steven J.Scott comme Sterling North

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Une plus grande concentration sur les aspirations professionnelles de North aurait pu démontrer que cette histoire concernait à la fois la politique raciale de ce qui est présenté dans les espaces artistiques et la confrontation de deux hommes à ce conflit à travers leurs propres rêves non réalisés. Il est possible que Ruthven ne veuille pas que la richesse ou la classe de Sterling éclipse le plaidoyer racial.

Cette pièce excelle sur le plan narratif lorsque Sterling et Paul verrouillent les cornes. Scott et Clark se construisent brillamment et leurs points communs remontent à la surface bien qu’ils se tiennent dans leurs coins opposés. Aucun d’eux ne permet à l’argument de l’autre d’atterrir. Chacun d’eux s’est fixé sa propre droiture morale. Tous deux placent leurs propres désirs sur la longévité de la fondation.

Alors que Paul est coincé dans la version idyllique de sa fondation comme un terrain d’entente neutre sur le plan racial et politiquement neutre où l’art est de l’art, Sterling ne peut s’empêcher de demander pourquoi il n’y a pas plus d’art africain montré? Placer dans un testament que l’exposition ne devrait jamais changer, c’est affirmer définitivement que l’art africain au sous-sol ne pourra jamais être exposé. L’offre du musée ne pourra jamais inclure plus de diversité. N’est-ce pas discriminatoire ? N’est-ce pas un motif d’action en justice pour contester cette partie du testament?

Shannon Emerick comme Gillian Crane
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Shannon Emerick comme Gillian Crane

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La journaliste locale, Gillian Crane ( Shannon Emerick ) rend compte du drame à travers diverses interviews qu’elle tient et des citations de seconde main qu’elle utilise pour bouleverser la vie des deux combattants. Emerick donne une performance subtilement astucieuse de Crane. Elle se glisse dans et hors d’être un défenseur de la vérité ou le pourvoyeur de commérages et d’accusations salaces. Qui sait si elle vient en méchante ou en héroïne lorsqu’elle arrive sur scène ?

Dans l’un des derniers instants de la pièce, Kanika (Krystal Uchem), l’ancienne assistante de Sterling, raconte à Paul comment c’était pour elle de visiter une Black Expo. Paul l’avait éduquée sur tout l’art expressionniste blanc exposé dans la galerie. Lorsqu’elle observe l’art noir, elle se rapporte aux femmes de la toile et à leur peau, mais on a le sentiment que l’art de la galerie est meilleur. Ce qu’elle et Paul avaient initialement pensé être une éducation amusante était en fait une sorte de lavage de cerveau. En apprenant l’art blanc, il lui a été difficile de se voir et de se connecter à elle-même dans l’art noir. Les graines de l’infériorité culturelle étaient plantées. Ce n’était l’intention directe de personne.

Krystal Uchem dans le rôle de Kanika Weaver
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Krystal Uchem dans le rôle de Kanika Weaver

Photo par Pin Lim / Photographie de la forêt

L’art est un bien fédérateur. Il a la capacité de nous relier d’un endroit à l’autre alors que regarder une pièce de théâtre se déroulant en Pennsylvanie nous emmène en Pennsylvanie. Il nous relie à travers le temps en regardant une pièce de théâtre se déroulant en 2003 et nous emmène en 2003. Surtout, il nous relie à travers les perspectives comme une pièce écrite par Thomas Gibbons, un homme blanc, nous emmène dans la perspective de Gibbons. Tout ce que Sterling demandait, c’était huit perspectives noires supplémentaires pour lesquelles il devait endurer des poursuites, des protestations et de l’obstruction.

Les représentations se poursuivent jusqu’au 5 mars à 19 h 30 du jeudi au samedi et à 15 h le dimanche au Main Street Theatre – Rice Village. 2540 fois. Pour plus d’informations, appelez le 713-524-6706 ou visitez mainstreettheater.com 35 $ – 54 $.