Même si je le pouvais, j’essaierais de distinguer ce qu’est Lars Norén, texte, et Suzanne Osten, metteur en scène, dans la performance au titre Norén “Temps mort”.
Ils ont fusionné comme sur l’affiche de l’émission : deux grands amoureux et concurrents, qui ont tous deux créé des ondulations plus importantes et plus profondes dans la culture, la psychologie et l’image de soi suédoises que toutes les autres dans ce qui est encore notre présent.
Norén ne serait peut-être jamais devenu dramaturge si Suzanne Osten ne l’avait pas vu en lui, ne l’avait pas attiré sur la scène. Et peut-être qu’elle-même n’aurait pas franchi le pas dans le drame contemporain lourd sans lui comme inspirateur et challenger.
Le résultat ici est un danse macabre sinueuse et vertigineuse avec des motifs, des images, des tons et des individus issus de leurs deux énormes productions. À une musique qui éblouit et apaise et qui mériterait son propre chapitre. Une performance de remerciement et d’adieu à Lars Norén, avec même un petit café funéraire prudent présenté au tout début de la pause.
L’impression de départ demeure : tout le monde sur scène est maladroit, perdu et facilement offensé. Mais nous sommes dans le royaume des morts
En tant que memento mori, Osten place d’abord le public sur des chaises à l’intérieur de la scène – car au final, tout tourne autour de nous. Dans le prologue d’Erik Uddenberg, les maladroits d’Unga Klara de la pièce du même nom entrent dans le salon vide devant nous, bruyamment et égocentriques, choqués qu’eux, rien qu’eux, puissent désormais jouer Lars Noréeen ! Il faut mentionner Ann Petrén, de retour dans le rôle de Måna Klagshamn de 1999, fragile comme une feuille et furieusement sûre d’elle, ainsi qu’Andreas Kundler en tant qu’ordonnateur très prudent du prologue.
Après la pause, maintenant que le public est à sa place dans le salon, “Temps mort” commence pour de vrai. L’impression de départ demeure : tout le monde sur scène est maladroit, perdu et facilement offensé. Mais nous sommes dans le royaume des morts.
Les chaises sur lesquelles le public était assis a été empilé dans le fonds. Un monument enchevêtré est désormais le seul souvenir de notre passage sur scène. De grands nombres sur les couvertures en toile de jute de l’ensemble indiquent l’âge auquel chacun s’est retrouvé ici. Personne n’a de nom, mais tout le monde a des opinions bien arrêtées sur une chose ou une autre. C’est drôle, et parfois triste. La fille avec “13” sur son sac, Thora Möller Jensen fait un portrait d’adolescent brutal et émouvant. Per Sandberg se délecte d’une vulgarité provocante. Ann Petrén encore : sataniquement primitif et confiant.
Simon Norrthon est celui qui porte les ténèbres autrichiennes, dans la tension du corps, dans les poussées anguleuses
Ils discutent, et bien quoi ? La vie, comment c’était, ce qui s’est perdu, le chien qui est mort aussi… Simon Norrthon est celui qui porte l’obscurité autrichienne, dans la tension du corps, dans l’emphase anguleuse, les exagérations équilibrées : toujours avec un œil sur le soi. Un beau vaisseau pour les blessures d’enfance d’Osten qui ont façonné son art.
C’est lorsque Lars Norén lui-même entre silencieusement, un homme gracieux plutôt petit – le danseur Rasmus Ölme est comme un portrait dans un t-shirt noir, une veste en cuir et un jean – alors qu’il volette à travers le public. Il s’assoit un moment au bureau du directeur dans le salon, puis se glisse de temps en temps dans le jeu, sans participer mais avec une présence qui devient d’un autre monde à travers la réaction du public.
Il est impossible de saisir tout ce qui s’entrevoit dans l’agitation de la scène. Parfois, c’est à la fois un peu long et trop mouvementé dans la première, qui dure une demi-heure de plus que promis, mais en retour, le jeu regorge d’intermezzos comiques et de lignes pleines d’esprit pour que l’attention ne se repose jamais.
Et il y a là des points importants : l’apparence d’inspiration juive d’Ann Petrén après la pause, avec de longues boucles sous la coiffe en forme de kippa, renvoie à la fois à l’histoire de Suzanne Osten – “l’enfance d’Hitler” par exemple, et à celle de Norén, qui, outre le corps cadré et douloureux “Sju trois” contient aussi et surtout “Si c’est une personne” de Primo Levi.
La musique s’entend aussi ici. Il participe à presque toutes les scènes, avec des éléments rythmiques et des sonorités folkloriques, du jazz moderne, des solos de violon pétillants, des voix chantantes incomparables, mais est particulièrement poignant et déchirant dans la scène probablement la plus belle du spectacle, qui défile si vite qu’il est à peine perceptible, quand aux tons klezmer excités et désespérés, l’ensemble bouge en quelques pas ensemble dans l’image classique de la danse macabre qui, menée par Lars Norén, nous entraîne tous dans l’oubli.
