Erica Jeal : “La performance m’a rappelé pourquoi le dernier mouvement s’appelle l’Ode à la joie”
Cette année, lors des soirées de fin d’été aux BBC Proms, deux orchestres m’ont montré de nouvelles choses sur de grandes œuvres que je pensais connaître à peu près par cœur. Les récents Proms de l’Aurora Orchestra ont été fascinants et musicalement enrichissants, j’avais donc de grands espoirs pour leur exploration dramatisée de la Neuvième de Beethoven – mais je ne m’attendais toujours pas à être aussi touché par leur portrait du compositeur, présentant le génie de son inspiration. aux côtés des banalités et des frustrations de sa vie quotidienne. Le spectacle lui-même, soutenu par les voix du Chœur national des jeunes, m’a rappelé pourquoi le dernier mouvement s’appelle l’Ode à la joie. Puis plus de joie quinze jours plus tard, lorsque Klaus Mäkelä dirigea l’Orchestre de Paris lors d’une soirée de Debussy, Stravinsky et Berlioz, avec en son centre une interprétation électrisante de Petrouchka. Quelque chose s’est déclenché : Mäkelä nous a tous accrochés à chaque note en quelques secondes, et l’orchestre a joué comme une équipe de stars.
Rian Evans : “Tout simplement inoubliable”
Ian Bostridge dans la rivière Curlew de Britten au festival d’Aldeburgh. Photographie : Britten Pears Arts
No Fit State est le titre évocateur de la compagnie de cirque qui a collaboré de manière si mémorable avec le Welsh National Opera pour sa production spectaculaire de La Mort de Britten à Venise. Il est donc ironique que le WNO – dont le financement vital a diminué – ne soit plus en mesure de soutenir le type de travail sans compromis pour lequel il a toujours été admiré. Compte tenu de la colère et du chagrin qui entourent toujours les décisions des Conseils des Arts, il est désormais positivement nostalgique de revenir sur cette nuit et, aussi, sur Il Trittico de Puccini, avec la glorieuse Natalya Romaniw chantant les rôles de Giorgietta et, plus émouvant, Suor Angelica.
La douleur et l’angoisse de Ian Bostridge chantant Winterreise de Schubert avec le pianiste Julius Drake au théâtre Ustinov Studio de Bath, puis le rôle de la Folle dans Curlew River de Britten au festival d’Aldeburgh sont tout aussi inoubliables. Tous deux réalisés par Deborah Warner, ce furent des expériences déchirantes. À l’autre extrémité du spectre, se souvenir du jeu fabuleusement expressif du violoniste Vilde Frang avec Arcangelo de Jonathan Cohen et la soprano Julia Doyle au festival de Tetbury est à nouveau transporté vers des sommets véritablement angéliques.
Andrew Clements : « Une performance d’une maîtrise musicale sans effort »
Au risque d’un biais de récence, c’est le récital presque parfait du Concerto Italiano de Rinaldo Alessandrini, consacré au quatrième livre des madrigaux de Monteverdi, au début du mois, qui se situe au premier plan des souvenirs musicaux de cette année. Il s’agissait de performances d’une maîtrise musicale totalement naturelle et sans effort, de la part d’un groupe et d’un chef d’orchestre qui vivent avec ces montures semblables à des bijoux depuis 40 ans.
Du côté orchestral, rien ne se démarque plus que le concert de Hallé sous la direction de Thomas Adès, mettant en vedette le propre Tevot d’Adès, une partition qui semble de plus en plus l’une de ses plus belles réalisations, aux côtés d’un chef-d’œuvre tardif de Tippett, son Triple Concerto. Mais c’est le jeu orchestral exceptionnel qui le rendait si spécial, preuve qu’en quittant son poste de directeur musical du Hallé, Mark Elder quittait un orchestre aussi remarquable que n’importe quel autre au Royaume-Uni à l’heure actuelle. Et, dans ce qui fut par ailleurs une année inoubliable pour la nouvelle musique aux BBC Proms, une première britannique s’est démarquée : le Concerto pour violoncelle de Francisco Coll, composé pour Sol Gabetta, est une réalisation scintillante, pleine de détails irisés entassés dans quatre mouvements concis.
Clive Paget : « Vaughan Williams pénétrant et aux multiples facettes »
Antonio Pappano dirige le London Symphony Orchestra. Photographie : Mark Allan
Il n’y a rien de plus gratifiant qu’une caisse de vieux vin dans des bouteilles neuves. C’était certainement le cas du récit fantastique de Simon Rattle sur la Quatrième Symphonie de Bruckner avec l’Orchestre Symphonique de la Radio Bavaroise lors des BBC Proms de cette année. Son interprétation fraîche et légère était empreinte d’une grâce et d’une lucidité rarement associées à ce compositeur. Tout aussi pénétrante était l’interprétation multiforme d’Antonio Pappano et du London Symphony Orchestra de la Cinquième Symphonie de Vaughan Williams, une œuvre qui apportait réconfort et baume à une Grande-Bretagne lasse du combat. En recherchant le grain dans l’huître, Pappano a transcendé ses références pastorales, exploitant à la fois la pitié de la guerre et la poésie de la pitié, comme l’a dit un jour Wilfred Owen.
En matière de théâtre musical, deux événements se sont démarqués. Le Grange Park Opera a offert un cas d’école selon lequel moins égale plus dans la mise en scène lucide et poignante de David Alden de Katya Kabanova de Janáček. Enfin, une rare sortie pour la symphonie chorale de Sibelius, Kullervo, a trouvé la Philharmonie et Santtu-Matias Rouvali en pleine forme dans une performance semi-scénique au bord du siège. Entre leurs mains, le géant biopic du compositeur s’est transformé en un chef-d’œuvre négligé.
Sarah Noble : « L’ovation debout a été bruyante et tout à fait méritée »
Ouverture bruyante du festival international d’Édimbourg de cette année, La Pasión según San Marcos d’Osvaldo Golijov a apporté autant de bruit, de couleurs et d’énergie féroce à l’Usher Hall que tout ce qui se passait simultanément sur le Royal Mile. Des chanteurs et des musiciens de tous âges et de traditions culturelles variées – sans oublier un capoeiriste étonnamment élastique – dégageaient une énergie qui a rapidement infiltré le public. Aucun silence respectueux n’a accueilli la conclusion de cette Passion biblique ; l’ovation debout a été instantanée, bruyante et tout à fait méritée.
Katie Bird dans le rôle d’Eliza Doolittle, parfaite dans My Fair Lady au Leeds Playhouse. Photographie : Pamela Raith
Tout aussi irrésistible à sa manière était My Fair Lady d’Opera North au Leeds Playhouse, une production joyeuse et réfléchie réalisée presque entièrement, et avec des résultats tout à fait idiomatiques, par le formidable chœur de la compagnie. J’avoue qu’Eliza Doolittle, parfaite de Katie Bird, m’a fait pleurer de joie en quelques minutes ; et la mise en scène de la fin par James Brining – douloureuse par son ambiguïté poignante – me donne encore la chair de poule six mois plus tard.
Flora Willson : “L’interprétation fulgurante du Csárdás de Monti m’a fait sourire jusqu’à en avoir mal au visage”
C’est drôle ce qui reste, longtemps après que les notes d’un an de concert se soient estompées. J’ai repensé à plusieurs reprises à la qualité sonore du Quatuor Belcea avec l’altiste Tabea Zimmermann et le violoncelliste Jean-Guihen Queyras alors qu’ils jouaient les deux sextuors à cordes de Brahms au Wigmore Hall : tour à tour francs et poids plume, toujours lucides – mais courtisant constamment le danger comme ils ont exploré les limites de la dynamique et du ton. Le crépitement d’énergie déferlant entre deux tabourets de piano imbriqués alors que Yuja Wang et Víkingur Ólafsson se précipitaient à travers Hallelujah Junction de John Adams au Royal Festival Hall reste également présent dans mon esprit. Dans un récital en duo où la virtuosité était la norme, cela s’est révélé irrépressiblement passionnant : rien que de penser à leur tempo d’enfer pour le cuir, mon pouls s’accélère à nouveau. A côté de ces grands noms de la musique classique, un concert bien différent a également marqué les esprits : une prestation de Fanfare de la ville de Kirkbymoorside pendant la Festival de Ryedale. Bien que professionnellement raffiné, il s’agissait incontestablement d’une affaire de communauté. L’interprétation fulgurante du Czárdás de Monti avec euphonium solo m’a fait sourire jusqu’à en avoir mal au visage. Un tel plaisir de faire de la musique est brillamment et mémorablement contagieux.
Tim Ashley : “La chose la plus excitante que j’ai entendue à Covent Garden depuis des lustres”
Mes moments forts de 2024 ont tous été l’opéra, à commencer en février au Barbican avec le double programme d’Il Pomo d’Oro de Jephte de Carissimi et Didon et Enée de Purcell, dirigé de manière ravissante par Maxim Emelyanichev. Joyce DiDonato était magnifique et déchirant dans le rôle de Dido, mais c’est la tragédie sacrée peu connue de Carissimi, chantée avec une intensité sans faille, qui m’a hanté toute l’année. Pendant ce temps, au Royal Opera, Antonio Pappano a clôturé son mandat de directeur musical avec Andrea Chénier de Giordano, la chose la plus excitante que j’ai entendue à Covent Garden depuis des lustres : Jonas Kaufmann et Sondra Radvanovsky ont été remarquables dans le rôle des amants rebelles détruits dans les convulsions de révolution. La place d’honneur revient cependant à la mise en scène de Suor Angelica par Annilese Miskimmon à l’English National Opera, déplaçant la tragédie de la foi et de la cruauté humaine de Puccini d’un couvent florentin du XVIIe siècle à l’une des blanchisseries irlandaises de Magdalene, un réquisitoire sobre mais dévastateur des abus institutionnels passés et présent. Sinéad Campbell-Wallace dans le rôle d’Angelica et Christine Rice dans le rôle de sa tante aigrie et moraliste ont toutes deux donné des performances inoubliables.
Morag Boyle, Claire Pendleton, Lea Shaw, Gaynor Keeble, Annabella Vesela-Ellis dans Suor Angelica d’ENO. Photographie : Geneviève Girling
Martin Kettle : « La seule présence de Barenboim était héroïque »
Deux concerts orchestraux étaient exceptionnels. Le premier fut le retour de Daniel Barenboim aux Proms avec le West-Eastern Divan Orchestra. La présence de Barenboim était à elle seule héroïque, défiant à la fois son propre déclin physique et les horreurs de la guerre entre Israël et Gaza. La grandeur de la vieille école de sa 9e symphonie de Schubert, au mépris total des pratiques d’interprétation modernes, était magnifique.
L’autre était la 9e symphonie Mahler d’Herbert Blomstedt, 97 ans, dans la salle des fêtes. L’ombre de la mortalité a de nouveau été affrontée par la création musicale, alors que la rigueur discrète de l’approche de Blomstedt s’est élevée aux hauteurs olympiennes et que l’Orchestre Philharmonique a répondu de son mieux. Les figures d’alto feutrées dans les mesures finales avaient une éloquence au-delà des mots.
Daniel Barenboim dirige le West-Eastern Divan Orchestra au Royal Festival Hall. Photographie : Pete Woodhead
Une médaille également pour la musique live dans des lieux spéciaux, en l’occurrence le Marble Hall de la Jacobean Hatfield House du Hertfordshire, qui abrite ce qui est devenu, sous la direction du violoncelliste Guy Johnson, un festival annuel de musique de chambre d’une qualité et d’une intimité particulières. Quoi de plus extraordinaire que la juxtaposition de l’interprétation par Claire Booth du Pierrot Lunaire de Schoenberg devant l’un des fabuleux portraits d’Elizabeth I de Hatfield ? Malgré cela, la performance exploratoire et brûlante de Mark Padmore et Julius Drake du Winterreise de Schubert à la Temple Church de Londres ce mois-ci a été proche.
#Déchirant #joyeux #irrépressiblement #passionnant #les #moments #forts #lannée #nos #critiques #classiques #Musique #classique