duel d’adversaires à Aix-en-Provence

« Pelléas » et « Papillon » coïncident dans le temps avec à peine deux ans de différence depuis la composition du premier en 1902. A cette époque, il était très à la mode de parler du « sentiment de l’âme », en essayant d’évoquer un principe poétique avec limites diffuses et dont la solution artistique était très diverse. Ces œuvres et les propositions scéniques immédiates présentées à Aix l’expliquent. De là naît le monde imaginaire de ‘Pelléas», si différente de l’évidence avec laquelle est présentée la « tragédie japonaise ». L’extraordinaire force du travail de Katie Mitchell, chargé d’une énorme complexité intellectuelle et scénographique, replie les événements dans une superposition narrative dans laquelle coïncident les personnages et leurs évocations. La génération écrasante d’espaces que le spectateur observe dans un réseau de cellules qui apparaissent et disparaissent à la vue de tous, est loin de l’espace unique et apprivoisé, la salle des tatamis à la structure légère et aux murs de papier, avec laquelle Breth justifie la référence spatiale de l’œuvre de Puccini. opéra. Le caractère délicat prévaut ici, plus proche des manières exquises de la jeune fille Butterfly que de la profondeur de sa tragédie.

Le travail de Breth implique une finesse de style basée sur une volonté essentiellement décorative, qui se matérialise dans des luminaires et divers objets accessoires comme des bougies ou des grues articulées qui traversent la scène. Il est curieux que l’action tende vers une lenteur renforcée par le rythme lent d’un couloir glissant qui entoure le périmètre de la scène. Les deux propositions coïncident en cela, ce qui dans le cas de « Pelléas » amène les interprètes à marcher à des moments précis au rythme d’une musique qui définit l’âme humaine comme une créature de silence, comme l’explique l’œuvre. Le rêve d’une Mélisande perturbée par une grossesse non désirée, qu’elle veut simplement raconter, c’est le relier à l’inexplicable et amener l’histoire dans un état d’excitation typique du cauchemar. Il y a donc une excitation constante dans cette production, très éloignée de la vertu la plus marquante de « Butterfly », qui est la construction d’un espace capable de plaire par l’anesthésie du sens critique. Ce Japon idéalisé, soigné, soigné et quelque peu fastidieux est un exemple clair d’une scène construite pour la plus grande gloire des interprètes. En ce sens et malheureusement, Breth s’est trouvé face au pire scénario possible, puisque ‘Butterffly’ a volé très bas le jour de sa première, avec Rustioni portant péniblement l’orchestre démembré de l’Opéra de Lyon et un groupe de chanteurs qui pourraient représenter l’Amérique. le ténor Adam Smith, dans sa première interprétation du rôle de Pinkerton et ce jour-là avec une voix délavée.

‘Madame Butterfly‘n’est pas un titre qui appartient au répertoire naturel du Festival d’Aix-en-Provence peu importe combien depuis quelques années, édition après édition, nous nous aventurons sur quelque titre de la grande ligue de l’opéra. « Tosca » a été entendue en 2019 comme la première de Puccini et maintenant « Madama Butterfly » est jouée, soutenue par la soprano d’origine albanaise Ermonela Jaho. Le meilleur de la représentation lui est dû du simple fait que sa vérité est tangible et finalement profondément contenue. La voix est petite et atteint le délicat ; Il chante avec plaisir et excelle dans les aigus et les inflexions intentionnelles. C’est un Papillon qui contient beaucoup de naïveté et qui marche avec conviction vers sa propre mort. Un nombre important de followers ont applaudi avec effusion sa performance alors qu’elle revenait lentement à la vie, toujours soumise au choc d’une expérience aussi déchirante. Parce que “Madame Butterfly” et son sang versé sont un “Pelléas et Mélisande« à quoi ressemble le ciel la nuit où la grandiloquence se fond dans une atmosphère de mystère et de nostalgie. Si le phénomène et non les faits comptent dans cet opéra, alors le travail de certains interprètes résolument remarquables méritera de rester longtemps dans les mémoires. A commencer par Susanna Mälkki, capable, par l’action de ces miracles difficiles à comprendre, de transformer l’orchestre de l’Opéra de Lyon lui-même en une brume sonore capable de s’étendre et de circuler avec une clarté insoupçonnée. Sa proposition musicale atteint le miraculeux et frise l’inouï, à la limite de l’évanouissement à de nombreux moments et soutient toujours l’action, en prenant soin des voix et de cette structure « sans forme » qui dérangeait tant de contemporains de Debussy.

Laurent Naouri construit un Golaud puissant, à la voix ronde, puissamment émise et à la diction impeccable. Le baryton britannique Huw Montaghue est un beau Pelléas vibrant et expressif, dédié à une ligne vocale dessinée avec une musicalité soignée. Chiara Skerath convainc par sa jeunesse subtile et son utilisation facile de la voix moyenne qui la place dans une position de lyrisme élevé. Il y a décidément peu de points communs entre Butterfly et Mélisande, du moins en l’état. comme on le voit à Aix-en-Provenceau-delà de la rencontre vulnérable de deux chanteurs capables de surmonter les artifices et de transcender vers des sphères plus abstraites, que ce soit entre les mains de l’ornementale Andrea Breth ou de la psychologique Katie Mitchell, dans l’exécution brute de Daniele Rustioni ou dans la proposition sublimée de la brillante Susanna Malkki.