“Emilia Pérez” n’a peur de rien dans son ridicule

Intrépide dans son ridicule, le film de Jacques Audiard Émilie Pérezun croisement entre Mme Doubtfire et Sicaire réimaginé comme une comédie musicale, a frappé Cannes comme un raz-de-marée samedi soir, suscitant de longs applaudissements non seulement lors de sa première de gala (où les ovations debout sont courantes) mais aussi lors de ses projections de presse (où elles ne le sont pas). Reste à savoir si ce premier élan d’adoration pour le film ambitieux d’Audiard se traduira par des récompenses du jury du festival, mais il a certainement réveillé une compétition jusqu’alors quelque peu endormie. La plupart des gens semblent l’aimer, et ceux qui le détestent, vraiment le detesté; cela garantit que nous en parlerons, et probablement nous en crierons dessus, longtemps après la fin du festival.

Audiard (Un prophète, Rouille et os, Les frères sœurs) a déclaré qu’il avait initialement envisagé Émilie Pérez comme un opéra, qu’il s’est inspiré très librement de l’un des personnages du roman postmoderne de 2018 de l’écrivain français Boris Razon Écoute. Il a toujours l’énergie d’un opéra : tout n’est pas chanté, mais tout semble devoir être chanté, avec des voix de fond chantant en rythme, apparemment toujours sur le point de créer une mélodie. Dans les scènes d’ouverture, nous entendons des marchands chanter sur le sombre horizon de Mexico alors que nous suivons Rita Mora Castro (Zoe Saldaña), une avocate qui travaille dur dont les clients ont tendance à être des barons de la drogue, des meurtriers et de riches abuseurs. Faisant ses courses au magasin, elle met en pratique le discours qu’elle prononcera devant le jury, plaidant pour l’exonération d’un homme clairement coupable du meurtre de sa femme. Elle sort dans la rue animée, tandis qu’une armée de manifestants pour la justice la rejoint en chantant, soulignant le mélange constant et délibéré de tons du film. Au cours de ce numéro particulier, Audiard coupe un gars au hasard qui se fait poignarder dans la rue, s’assurant que nous comprenons qu’il n’a pas peur de danser à la limite du mauvais goût (et parfois de se lancer à fond).

Une nuit, Rita est kidnappée et emmenée rencontrer le chef du cartel Manitas (Karla Sofía Gascón), qui a une étrange demande à son égard. Ce puissant baron de la drogue, qui suit déjà des traitements hormonaux depuis deux ans, souhaite subir une opération de confirmation de genre. Il y a un scepticisme initial à l’égard de cette demande – après tout, un certain nombre de cartels et de gangsters ont eu recours à la chirurgie plastique pour échapper à la loi – et Audiard se rend en ville avec des numéros musicaux mettant en vedette des patients en fauteuil roulant et des bandages et des médecins chantant et dansant sur diverses procédures et sur comment changer les os et la peau ne peut pas changer ce qu’il y a à l’intérieur. En plaidant pour l’opération, Rita répond avec ses propres paroles : « Changer le corps change l’âme/Changer l’âme change la société/Changer la société change tout ! »

Oui ce est que genre de film – le genre d’œuvre déclamatoire et sincère sans vergogne qui ressemble sur le papier à la chose la plus stupide jamais réalisée. Le genre avec des paroles qui riment avec diverses opérations. («Nanoplastie ! Vaginoplastie ! Laryngoplastie ! Chondrolaryngoplastie !») Qui plus est, Audiard intègre ces séquences musicales dans son propre style, et non l’inverse. Bien qu’une grande partie du film ait clairement été tournée sur scène sonore, le réalisateur n’a pas abandonné le grain de poche qui caractérise ses films. La caméra dérive autour des danseurs et des chanteurs, en restant proche, comme si leurs mouvements rythmiques à l’unisson étaient une sorte de coïncidence et non des numéros musicaux chorégraphiés ; dans ce film, les gens n’éclatent pas tellement en chanson qu’ils y tombent par hasard. C’est Audiard qui est Audiard, mais on se demande aussi si le malaise tonal est censé incarner formellement les crises d’identité des personnages.

Une fois que Manitas fait la transition et devient Emilia Pérez, elle demande à Rita de l’aider à retrouver ses enfants et sa femme Jessi (Selena Gomez). Les enfants peuvent sentir la familiarité (« Tu sens comme papa », chantent-ils), mais Jessi accepte qu’Emilia soit une tante perdue depuis longtemps ici pour aider à la suite de l’absence et de la mort présumée du puissant patriarche de la famille. Aujourd’hui, libérée de son passé de violente dirigeante d’un cartel, Emilia devient une militante pour les « disparus », les milliers de victimes portées disparues de la brutale guerre contre la drogue dans le pays. Après tout, non seulement elle a tous ses anciens contacts politiques et financiers, mais elle sait littéralement où sont enterrés les corps. Rita devient son partenaire principal dans cette entreprise, se retrouvant enfin autonome après une carrière de défense des monstres.

Les chansons ont été créées par le duo français Céline et Clément Ducol, et la musique a une qualité dure et chargée, qui reflète le style du film. Émilie Pérez est une comédie musicale honnête à Dieu, mais ses rythmes et ses mélodies donnent l’impression d’avoir émergé de ce milieu cinématographique au lieu d’être transportés par avion pour animer et adoucir une histoire sombre. Et le casting est à la hauteur du défi de faire fonctionner cette folie. Sofía Gascón, une actrice trans espagnole connue en grande partie pour ses rôles dans des telenovelas, fait des merveilles avec les rôles les plus difficiles. Avant la transition de son personnage, elle est une menace pure et pierreuse. Ensuite, une douce confiance émerge ; elle semble vraiment libérée et heureuse. Saldaña, une très bonne actrice qui s’est souvent retrouvée soit enterrée sous un maquillage CG, soit perdue dans des rôles faibles, a une férocité bienvenue dans le rôle de Rita, presque comme si elle aussi avait été libérée. Selena Gomez chante moins que prévu, mais elle apporte une réelle ambiguïté au rôle de Jessi, dont les motivations et les actions deviennent une grande partie de l’acte final du film. (Ce dernier acte, qui met également en scène Édgar Ramírez dans un rôle assez ingrat vu par bribes, devient en fait incontrôlable – mais Gomez fait de son mieux pour le maintenir.)

Émilie Pérez, le film, ne lâche jamais vraiment sa colère. Récoltant des fonds lors d’un gala pour les disparus, Rita se lance dans un numéro de voguing parmi les paillettes rassemblées, soulignant leur hypocrisie meurtrière. Emilia Pérez, le personnage, ne lâche jamais vraiment sa colère non plus. Même si elle fait maintenant du bien dans le monde et qu’elle s’est retrouvée transformée en une personne plus ouverte émotionnellement, elle dirige toujours les gens et juge Jessi, sa femme soi-disant veuve et maintenant célibataire, pour rester dehors tard. Un soir, ils parlent de ce qu’était le mari de Jessi. Jessi dit qu’elle était folle de son ex, mais admet aussi avoir eu des liaisons. Lorsqu’Emilia demande comment Manitas aurait pu réagir à cela, Jessi répond : « Il nous aurait coupés en morceaux et nous aurait donné à manger aux chiens. » C’est un rappel du sombre passé d’Emilia et cela laisse entendre qu’elle ne pourra peut-être jamais y échapper complètement.

Écoutez, ce film est rempli de pièges géants de guerre culturelle. Au-delà des batailles politiques si souvent menées sur les questions trans, c’est aussi un film – un putain de film. musical — réalisé par un groupe d’étrangers sur les guerres dévastatrices contre la drogue au Mexique, un film dans lequel un numéro entier est construit autour d’un groupe de soldats chargeant leurs fusils. Il sera intéressant de voir comment le monde en dehors de la bulle du festival y réagira. Et quand il sortira enfin, nous serons probablement tous trop occupés à essayer de nous annuler pour ceci ou cela, en partie parce que, malgré le fait qu’il fasse des films grandioses et bourrés, Audiard nous tient rarement la main quand il s’agit de nous dire comment penser ses personnages ; il a un œil maximaliste et un cœur minimaliste, ce qui est une tension fascinante à introduire dans une comédie musicale. Mais c’est aussi ça le charme du genre, quand ça marche. Peu importe à quel point l’histoire est improbable ou compliquée les personnages, aussi bizarre que soit le concept, si cela vous fait taper du pied, cela vous conquiert.