Entre lutte et beauté : collectif et temporalités à la 35e Biennale de São Paulo

Intitulée Chorégraphies de l’impossible, l’exposition reflète les luttes et les célébrations de la dissidence

Qu’est-ce qui définit le verbe « chorégraphier » par rapport au mouvement du corps ? La chorégraphie est-elle strictement un ensemble ou une séquence de mouvements corporels dans le but de danser ? Y aurait-il des chorégraphies de corps non humains – objets, faune et flore, technologies artificielles et plastiques ou encore immatérielles ? Que serait la chorégraphie en dehors des études et des expériences de danse ? Le mouvement des corps dans le cadre d’une revendication politique peut-il être compris comme une danse ?

Em chorégraphies de l’impossibleconservation de Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes et Manuel Borja-Villel à la 35ème édition de la Biennale de São Paulo, le action du corps – individuelle ou collective – est au cœur d’un réseau de connexions qui dépasse les notions fondamentales de chorégraphie, à travers les œuvres et documents de 121 participants.

L’édition de la Biennale de São Paulo, qui met en vedette trois commissaires noirs et la plus grande représentation de participants non blancs de l’histoire, affirme ces présences non seulement comme une occupation physique mais aussi comme une ouverture symbolique de l’espace à diverses visions du monde.

Les impossibilités abordées dans l’exposition concernent dans une large mesure les conditions sociales imposées à certains groupes historiquement minoritaires – les noirs, les indigènes, les LGBTQIAPN+, entre autres croisements de corps qui s’écartent de la norme. Dans une grande diversité d’approches et de poétiques retrouvées dans l’exposition, il est possible d’affirmer que pour chaque logique de domination, il existe de multiples formes de déviation et de résistance.

La chorégraphie en tant que système de mouvements configurables collectivement – ​​avec des veines sociales et pas seulement artistiques – prend voix dans l’exposition à travers les mouvements sociaux ou les archives et les œuvres qui en découlent. UN Occupation de la cuisine le 9 juillet, par exemple, est installé au premier étage du pavillon avec un restaurant qui peut être fréquenté par tous les visiteurs et collaborateurs tout au long de l’exposition. Partie de Mouvement des sans-abri du centre-ville – MSTCla Cuisine expose également ses affiches sur la lutte pour le logement et le droit à une alimentation de qualité.

Suite aux photographies du Archives photographiques Zumví Afro, il existe des témoignages de la vie quotidienne et politique des noirs au Brésil – plus précisément à Bahia. Fondée en 1990 par Lázaro Roberto, Ademar Marques et Raimundo Monteiro, les archives basées à Salvador comptent plus de 30 000 photographies – en plus des documents -, et leur extension va de l’intimité des foyers brésiliens aux enregistrements des manifestations politiques. On note également la présence de Front du 3 févrierdans une installation multimédia avec narration et archives retraçant ses interventions dans des espaces très circulés, dénonçant à plusieurs reprises le racisme et faisant écho à la lutte du mouvement noir.

Entre espace public et privé, avec mouvements individuels et collectifs, politiques et artistiques du mouvement noir, l’exposition met en lumière l’une des principales forces de résistance et de résilience face à la violence subie par la majorité de la population brésilienne depuis la formation coloniale du pays. .

Mais les chorégraphies impossibles ne se contentent pas de mettre en valeur le combat. L’exposition évoque surtout la beauté du collectif. La création d’espaces pour le libre et plein exercice des affections est aussi une forme d’organisation politique. L’un des faits saillants à cet égard est le Sauna lesbientravail de Malu Avelar en collaboration avec Ana Paula Mathias, Anna Turra, Barbara Esmenia e Marta Supernova. Présenté pour la première fois en 2019 dans la ville de Santos, le Sauna lesbien retrace un espace imaginé et construit temporairement par des artistes où la subjectivité des femmes – notamment noires et lesbiennes – est célébrée. À la Biennale, l’œuvre consiste en une installation avec des projections, des rideaux et des lumières spéciales, ainsi que des tabourets et une plate-forme, composant une structure conçue pour la participation du public à une série d’actions, parmi lesquelles des tables de débat et des ateliers, visibles à ordre du jour de la Biennale.

Les photographies de Rosa Gaudiano réalisées en 1979 au Ferro’s Bar de São Paulo, elles remontent à la coexistence de femmes lesbiennes pendant la période de la dictature militaire, témoignant du rôle de ces espaces dans des contextes d’oppression. Les photographies commandées à l’époque par le magazine Veja n’ont jamais été publiées, mais elles offrent aujourd’hui une reconnaissance du passé de ce type d’espace et de son ouverture sur le présent.

La mémoire en tant que célébration de la vie et outil de projection de l’avenir est l’un des aspects qui Mémoire de transmission de fichiers (AMT) s’agite dans votre nuage de souvenirs. Conçu par Maria Belén Correa e Claudia Pia Baudracco En Argentine, le projet naît du partage de médias et de documents dans un réseau composé de personnes trans de plusieurs pays. Face aux tentatives constantes d’effacement et de négation de leurs expériences, les archives collaboratives renforcent une mémoire collective du transgenre, établissant une généalogie affective, qui imprègne les batailles – de pertes et de réussites – et les moments de fraternisation.

Retrouver la mémoire de Xica Manicongo, le premier travesti non autochtone à vivre sur notre territoire, est également un repère de l’exposition. Amenée contre son gré de la région du Congo, Xica a été confrontée à diverses formes de violence, du travail forcé au déni de sa performativité de genre, forcée de se conformer aux codes de genre masculins pour survivre – faits rapportés dans un document reproduit dans l’exposition. Pourtant, sa mémoire affirme le droit à la vie et au corps, ancêtre d’une corporéité qui transperce de plus en plus les espaces de pouvoir, comme le démontre le pourcentage d’artistes trans dans cette édition de la Biennale.

Parmi les propositions les plus intéressantes apportées par la curatelle figurent les possibilités de penser et d’expérimenter le temps au-delà de la conception occidentale d’une temporalité continue et linéaire. S’appuyant sur la réflexion de Leda Maria Martins, l’équipe de commissariat et d’éducation de la Biennale travaille avec le concept de temps en spirale. Outre la conception d’un passé qui conditionne et détermine le présent, il est possible de comprendre le présent comme une forme de transformation temporelle, dans laquelle le passé peut être revisité et lui donner un nouveau sens.

Il est intéressant, en ce sens, de réfléchir au rôle de la mémoire et de l’ascendance dans les processus artistiques de nombreux artistes présents dans l’exposition. Dans Forêt sans finune installation qui reconstitue une bambouseraie dans le pavillon, Ayrson Héraclite e Tigana Santana ils évoquent les forces et les énergies qui gardent les forêts. Sur un parcours à grande stimulation sensorielle, il est possible de se perdre dans une forêt où émergent des objets et apparaissent des images de gardiens honorés par des artistes, comme Chico Mendes et sa mère Stella de Oxóssi. Dans cet espace, la nature et ses énergies sont rappelées comme des éléments essentiels à la vie humaine, dans une relation qui va au-delà de la notion d’entrée dans la forêt, vers l’appartenance à la nature.

Concernant les liens entre les corps humains et la nature, d’autres artistes présentent des œuvres qui voient aussi ces liens à travers le corps et la spiritualité. Il est vrai que Rosana Paulino, l’une des présences les plus importantes dans l’art contemporain, tant pour sa production artistique cohérente que pour sa recherche et son influence sur les artistes, conservateurs et agents de l’art brésilien. La vie des femmes noires est au centre de ses recherches, dans lesquelles elle déconstruit les stéréotypes d’hypersexualisation et de service bâtis sur leur corps depuis la colonisation. Paulino apporte à la Biennale une série de peintures à grande échelle de Femmes des mangroves, vif et plein, enraciné et en harmonie avec la faune. Dans ces œuvres, ces femmes sont aussi des êtres spirituels et intégrées aux forces de la nature.

Un autre exemple de ce lien humain-sacré est le travail de L’image de Sasmita, une artiste qui enquête sur le féminin à travers une connexion avec le spirituel. Donnant un nouveau sens au style de peinture traditionnel Kamasan, utilisé par le peuple indonésien entre le XVe et le XVIIIe siècle, l’artiste remplace l’ancien rôle masculin par de nouveaux récits. Au centre de ces représentations se trouvent des femmes dans de multiples états de renaissance et de souffrance, liées à la nature dans des scènes d’intense continuité.

Le mouvement et la transmutation inévitable de la vie sont également présents à travers des éléments non humains, comme dans l’œuvre de Daniel Lié. Em Outres, installation monumentale développée pour la Biennale, l’idée de chorégraphie est réalisée par des agents naturels tels que les champignons et la terre, ainsi que par le processus de dégradation des fleurs au cours des trois mois d’exposition. Dans cette œuvre, le tissu change de couleur en réponse à la lumière du soleil, les plantes se décomposent, les champignons se multiplient et les odeurs prolifèrent dans tout l’espace. Il est alors possible de rappeler que de l’accueil aux environnements les plus hostiles, il existe une résistance naturelle et une pulsion de vie qui échappe à la volonté humaine.

Le projet expographique développé par le cabinet d’architecture Vão est également un élément marquant et fortement intégré au discours, réfléchissant aux détours effectués par les visiteurs lors de la visite du Pavillon traditionnel conçu par Niemeyer. Enveloppant l’ouverture du deuxième étage, l’exposition est insoumise, suggérant des parcours jamais imaginés (impossibles) pour cet espace. Ainsi, toute pensée curatoriale acquiert une spatialité correspondant à ses propositions.

Il s’agit d’une exposition mettant en vedette des vies et des poétiques qui ont créé des stratégies de possibilité et de reconstruction à partir de l’impossibilité. Une alliance de mouvements et de mesures s’est construite qui, en réseau, parlent de luttes et d’insistance pour la vie face à des systèmes basés sur la violence. Mais sans oublier la beauté d’être ce que l’on est, irrémédiablement, ensemble, de plus en plus.