Exposition « Nus » au LWL Museum Münster

WLorsque Gottfried Benn titre un poème « Belle jeunesse » et décrit dans les vers suivants un cadavre de tourbière qui ne présente que des restes perforés de ce qui étaient autrefois des organes, c’est alors un exemple de la laideur dans l’art, mais surtout pour jouer avec l’attendu. Une exposition qui s’intitule apodictiquement « Nus » – et abandonne ainsi la séparation sémantique entre « nu » et « image nue » en allemand – laisse espérer qu’elle racontera une vaste histoire du genre. Les conservateurs du LWL Museum for Art and Culture de Münster ne déçoivent pas cette attente, bien au contraire : avec des œuvres de la Tate de Londres, dont la plupart sont exposées en Allemagne, ils proposent une approche riche en thèses et en bravoure du histoire de l’art de la nudité.

Il fallait s’attendre à ce qu’une émission consacrée aujourd’hui à ce sujet n’évite pas la découverte postérotique du subordonné, même si les taches de sang menstruel de Jo Spence ou le ventre d’homme vieillissant de John Coplans ne promeuvent pas une esthétique intrinsèque de la laideur. Mais la fin de l’exposition est probablement inattendue ; elle rappelle au moins au spectateur la place de la cathédrale de Münster : une vidéo de la performance d’Ana Mendieta “Untitled (Blood and Feathers #2)” de 1974, qui montre l’artiste dans une sorte de scène primale vulnérable, la façon dont elle se couvre nue de sang au bord d’une rivière et se roule dans des plumes rejette toute signification explicative.

Ces délimitations du genre ont une histoire qui remonte à l’Antiquité, même si l’exposition débute au XIXe siècle – à une époque où la peinture de nu faisait partie du canon académique. Le corps nu était toujours enveloppé dans un contexte d’idées biblique ou historique, toujours peint de manière naturaliste, toujours désindividualisé, comme Cupidon et Psyché, comme Adam et Ève, comme Saint Antoine. Le fait que le spectacle soit organisé de manière plus thématique et stylistique et pas seulement chronologique, permet de comprendre de manière synoptique le passage du général à l’intime et à l’érotique et plus tard au vulnérable.

L’exposition aime résumer. « Nus intimes », c’est le nom du cabinet, au milieu duquel se dresse « Le Baiser » d’Auguste Rodin, œuvre phare de l’exposition. L’« Olympia » d’Édouard Manet de 1863, déspiritualisée et individuelle, est l’éléphant de l’histoire de l’art dans la pièce. En termes d’iconographie, ce qui s’en rapproche le plus est la “Femme nue drapée” d’Henri Matisse de 1936, et en termes d’histoire de réception, “La Fille qui lit” de Théodore Roussel de 1887 : une jeune femme aux cheveux noirs assise nue sur un rocking chair. et en train de lire, un kimono posé nonchalamment sur le dos, elle est enfin chez elle.

Cela suffit pour le moment olympique de Roussel, lorsqu’en 1887 un critique britannique qualifie sa peinture de « honte pour l’art ». Vous êtes maintenant nu et faites ce que vous faites. La différence atmosphérique ne pourrait pas être plus grande : d’Adam et Ève et la pomme interdite à une femme nue caressant un chat noir dans l’intimité de son appartement parisien dans « Un studio à Montparnasse » de Christopher Nevinson de 1926.