Fondation artistique d’Eggleston et David Zwirner
William Eggleston : »Sans titre« (1971–1974)
Il est rare qu’un développement de l’histoire de l’art soit aussi clairement nommé. La première grande exposition d’art avec des photographies en couleur a été présentée en 1976 au Museum of Modern Art de New York. C’était aussi la première grande exposition pour l’inconnu William Eggleston. L’émission a attiré beaucoup d’attention – et beaucoup d’annonces. Mais l’effet a été durable. » L’exposition de William Eggleston en 1976 au MOMA a été une étape importante et un point de référence parmi les positions photographiques couleur de son temps. Elle a eu une influence décisive sur l’histoire de la photographie couleur – également avec son langage pictural et ses thèmes sans précédent », résume l’historienne de l’art Elena Skarke dans un essai pour la publication interne de c/o Berlin.
William Eggleston n’est certainement pas le premier à utiliser la photographie couleur à des fins artistiques. Stephen Shore et Joel Meyerowitz ont également utilisé la pellicule couleur dans les années 1970, Saul Leiter depuis les années 1950. Le film diapositive Kodachrome était disponible aux États-Unis depuis 1936, mais était considéré comme un support pour les amateurs et l’industrie de la publicité. Le noir et blanc dominait non seulement la photographie artistique, mais aussi le journalisme, il représentait l’esthétique et l’authenticité. Dans la vaste rétrospective »Mystery of the Ordinary«, que c/o Berlin présente actuellement, certaines des premières photographies en noir et blanc d’Eggleston peuvent également être vues. La première salle est consacrée à « Avant la couleur » (1963-1968). Ce sont des plans bruts et spontanés, parfois particulièrement granuleux, suggérant un film sensible à la lumière, qui était encore plus grossier à l’époque qu’il ne l’est aujourd’hui. Les images montrent ce qui caractérise le travail d’Eggleston au-delà de la couleur. L’accent est mis sur les choses du quotidien issues de la société de consommation, les perspectives sont insolites et parfois tournées vers le banal.
La partie principale de l’exposition montre des photographies en couleur des années 1965 à 1974 intitulées “Los Alamos”. Le Eggleston classique a été essentiellement formé avant la première exposition. Des panneaux publicitaires, des façades, un cinéma porno. Lors de la sélection de ses sujets, Eggleston adopte une approche égalitaire ; même le profane vaut la peine d’être photographié. « Democratic Camera » était le titre d’une émission d’Eggleston. En plus du contenu et de la composition, l’effet de la couleur est important pour Eggleston. Depuis le milieu des années 1970, il utilise une technique d’impression complexe qui permet des tirages aux couleurs très saturées et lumineuses. Le procédé dit de transfert de colorant a été utilisé ici pour la première fois pour l’art.
Les images ne sont pas seulement impressionnantes en raison de la technologie utilisée. Eggleston réussit à capturer la lumière et à créer des ambiances dans de nombreuses photos. La plupart du temps, il avait probablement eu un temps clément : un ciel bleu éclatant, des ombres fortes, une lumière merveilleuse lorsque le soleil était bas. Pour le public berlinois, qui vit la plupart du temps sous un voile gris, c’est de la vitamine D esthétique. À la fin de l’exposition, quelques photos de Berlin seront également présentées. Ce sont des sujets similaires, mais ils n’ont pas un effet comparable.
Eggleston aborde son environnement avec une vision ethnographique et photographie le familier comme l’étranger. Les images suggèrent des histoires derrière des situations quotidiennes. Certaines photos incitent à la spéculation. Une femme vêtue d’une robe bleue est assise à côté d’une chaîne épaisse – une indication des processus d’émancipation ? Que nous dit l’enseigne au néon d’un drapeau confédéré (connu sur la pochette de l’album “Give Out, But Don’t Give Up” de Primal Scream) ? Eggleston ne commente pas la société et ne parle pas beaucoup de son travail. Les contradictions de la société américaine et du mode de vie sont pourtant présentes.
La plupart des photos de l’exposition ont été prises dans les États du sud. Eggleston est né à Memphis, Tennessee en 1939 dans une famille aisée. Elle possédait plusieurs plantations de coton et il y avait plusieurs “domestiques”. Une photo montre l’oncle d’Eggleston et un travailleur domestique noir. Eggleston a étudié l’art pendant six ans mais n’a pas obtenu son diplôme. Il mène une vie dissolue de dandy, collectionne les Leica vissés et les armes à feu. A-t-on affaire ici à un conservateur qui nous montre une vieille Amérique déjà révolue, en pleurant peut-être sa perte ? Les photos d’Eggleston sont-elles une sorte de phénomène rétrospectif précoce ?
Une photo montre une Chevrolet bleue du point de vue d’une grenouille. Le break, déjà un peu cabossé, domine les bungalows unifamiliaux en arrière-plan. Il y a un autocollant sur la vitre arrière : « Enregistrez les communistes, pas nos armes à feu ! » L’image fonctionne encore aujourd’hui comme un commentaire critique. Il provient d’une série d’images d’archives pour la plupart inédites (“The Outlands”, 1969–74). Les stations-service et les centres commerciaux sont souvent mis en scène ici sous forme de longs plans avec une grande profondeur de champ et sont bien présentés avec des tirages grand format. La lumière est écrasante ici aussi. Eggleston ne prend qu’une seule photo à la fois, puis passe au sujet suivant. Une pratique qui semble absurde lorsqu’il s’agit d’appareils photo numériques. Mais c’est l’une des raisons pour lesquelles les photos d’Eggleston se démarquent du flot d’images d’aujourd’hui.
