Fin de l’avant-garde : le problème ethno-kitsch de l’art

Ce fut l’un des nombreux moments tristes de l’exposition principale de l’actuelle Biennale d’art de Venise : une tapisserie pratique et abstraitement tissée dégageait l’aura doucement patinée de l’art qui semblait venir d’Amérique du Sud dans les années 1960.

L’étiquette à côté révélait qu’il s’agissait d’une œuvre de l’artiste textile Claudia Alarcón, originaire d’une communauté indigène d’Argentine, et qu’elle avait été créée en collaboration avec 13 autres artistes – mais en 2023. En dessous se trouvait la note triomphale indiquant qu’il s’agissait d’une œuvre c’est pour la première fois que l’artiste et ses collaborateurs étaient exposés à la Biennale.

Il n’est pas seulement triste que le commissaire de l’Exposition universelle d’art contemporain, Adriano Pedrosa, né à Rio de Janeiro et formé à Los Angeles, s’érige en explorateur pour enfin rattraper cet oubli – qui a décidément quelque chose néocolonialiste. Ce qui est également déprimant, c’est que le public de la Biennale (pas seulement dans le cas d’Alarcón) regarde l’art qui ressemble à ce qu’il croit que l’art indigène devrait ressembler – et a toujours regardé.

Régression à la Biennale de Venise

L’exposition « Foreigners Everywhere » de Pedrosa remet l’art dans les tiroirs – art queer, indigène, étranger ou populaire. Il est également problématique que l’exposition se concentre sur le « Sud global », c’est-à-dire sur les pays colonisés de l’hémisphère sud qui ont été exploités par les systèmes capitalistes, ignorant le fait qu’il y avait aussi une oppression au Nord, à l’Est et à l’Ouest, et pas seulement par les systèmes capitalistes. le capitalisme, mais aussi par les dictateurs communistes et fascistes.

Ce qui est fatal, cependant, c’est que l’art de cette biennale semble si ancien – et sert ainsi et reproduit les clichés sur ce « Sud global » au lieu de surprendre les gens par son potentiel créatif. De tous les pays dans lesquels Internet et les smartphones contribuent de manière extrêmement créative à améliorer considérablement la qualité de vie de base, nous ne voyons pas une seule œuvre créée à l’aide des technologies les plus récentes.

Bien que les jeunes artistes les plus passionnants du monde travaillent aujourd’hui avec des animations numériques, des algorithmes, l’intelligence artificielle (IA) et l’esthétique du jeu et transforment, avec un esprit ludique, leurs connaissances techniques en de nouvelles idées sur notre monde, la plus importante biennale d’art agit comme si la science la fiction n’existait pas, « le Sud global » n’existait pas.

Progrès avec Pierre Huyghe

Pour découvrir à quoi ressemblera l’art du futur, il n’est pas nécessaire d’aller à la Biennale de Venise, mais de visiter la Collection Pinault, la collection privée de l’une des personnes les plus riches du monde. À Punta della Dogana, l’une de ses deux salles d’exposition, l’artiste français Pierre Huyghe montre des hommes-machines dotés de masques métalliques dans lesquels sont installés des capteurs d’IA, qui développent leur propre langage au fil des rencontres avec les pièces et les visiteurs et apprennent ainsi à communiquer de manière autonome.

Les masques chuchotent et, en tant que visiteur, vous ne savez pas si les personnes derrière eux sont de vrais ou des robots et si le sifflement vient réellement d’eux. Une salle plus loin, un film montre comment deux bras robotisés analysent un squelette humain dans un désert d’éboulis. Leurs mouvements sont à leur tour contrôlés par une IA qui mesure la météo à Venise et le nombre de visiteurs du spectacle.

Les artistes d’aujourd’hui peuvent difficilement éviter l’IA : l’artiste turc Refik Anadol installe ses nuages ​​de couleurs décoratifs, flottants et se développant de manière autonome sur de grands écrans et par projection dans le monde entier ; ils semblent soudain remplacer la peinture abstraite. Les générateurs de texte en image offrent aux artistes des moyens complètement nouveaux d’extraire des images hyperréalistes générées artificiellement à partir d’Internet. De tels programmes apprennent à interpréter et recréer des informations visuelles en évaluant et en reliant d’innombrables données.

Jon Rafman et Hito Steyerl utilisent des installations cinématographiques bizarres pour démontrer étrangement comment les réalités virtuelles en ligne sont créées. Une œuvre clé est “Female Figure” de Jordan Wolfson de 2014, présentée pour la première fois à la foire d’art Art Basel : un robot humanoïde doté de 48 moteurs intégrés danse devant un miroir et recherche le contact visuel avec les visiteurs, rendu possible par un logiciel. qui réagit à leurs mouvements.

Cyborgs, Ordinateur, Kraftwerk

L’idée du cyborg, mélange d’homme et de machine, auquel Donna Haraway a consacré son célèbre manifeste féministe en 1985, a été reprise par Lynn Hershman Leeson dans les années 1960 et transformée en têtes de poupées respirantes. Lillian Schwartz a conçu des films d’animation par ordinateur aux Laboratoires Bell.

Rebecca Allen a développé des processus tels que la capture de mouvement et la modélisation 3D et a conçu la vidéo futuriste de Kraftwerk « Musique Non Stop » en 1986. Aujourd’hui, ce sont Lu Yang, Jacolby Satterwhite et Danielle Brathwaite-Shirley dont les univers fictionnels sont issus des jeux et qui négocient des sujets tels que le genre, le corps et l’histoire dans des visions techno immersives.

Ces plantes sont souvent coûteuses à produire. Les artistes dépendent donc de fondations puissantes et de collectionneurs privés pour financer le progrès de l’art. Outre François Pinault, il s’agit également de la Fondation Julia Stoschek de Düsseldorf, l’une des plus grandes collections de médias temporels, et de la Fondation Light Art Space de Berlin, qui se consacre à de somptueuses expositions personnelles d’art utilisant les nouvelles technologies.

La grande galerie Sprüth Magers (Berlin, Londres, Los Angeles) compte dans son portefeuille un nombre particulièrement important d’artistes médiatiques et technologiques. Mais les galeries de programmes plus jeunes comme la Société à Berlin offrent également aux artistes innovants un espace pour se pencher sur l’avenir des médias.

La Tate Gallery expose des rêves électroniques

Dans sa grande section historique, la Biennale de Venise aurait bien fait de montrer que l’innovation technique n’était pas seulement chez elle dans l’art du « nord global ». Mais là aussi, il n’y avait aucun signe d’artistes ayant travaillé très tôt avec les médias numériques. Le Vénézuélien Carlos Cruz Diez, par exemple, utilisait des projecteurs cinétiques pour les environnements dès les années 1970.

Depuis le milieu des années 80, le Brésilien Eduardo Kac expérimente les terminaux Minitel en réseau pour son art textuel poétique, qui anticipe Internet. L’artiste palestinienne Samia Halaby était représentée à la Biennale, mais pas avec ses images abstraites en mouvement, qu’elle créait sur ordinateur à New York, alors que ce n’était pas encore une pratique courante. Le musée londonien Tate Modern comblera cet angle mort de la Biennale d’automne avec l’exposition « Electric Dreams ».

Mais qui sont les artistes les moins connus ou ignorés du « Sud » qui ont travaillé avec les médias du futur ? Et quelle créativité artistique émerge chez les jeunes générations, férues de technologie et connectées à l’échelle mondiale ?

Les commissaires des prochaines biennales ont une tâche majeure pour répondre à ces questions, tout comme les galeristes et les collectionneurs qui inspirent par leur goût personnel et leur sens des affaires. Car si l’art veut montrer de nouvelles perspectives, il doit être en avance sur son temps et non un trophée pour les maîtres coloniaux du système d’exposition.

„Pierre Huyghe. Liminal“jusqu’au 24 novembre 2024, Punta della Dogana, Venise ; « Rêves électriques. L’art et la technologie avant Internet »à partir du 28 novembre 2024, Tate Modern, Londres