La série Designers of Brazil présente à l’écran le meilleur de la créativité brésilienne

Ô J’aime la chaîne !chaîne indépendante dédiée aux documentaires sur l’art, la culture et les sciences humaines, a lancé la série Les designers font le Brésil. Composé de deux saisons, le programme, organisé par Adélia Borges et dirigé par DJ Dolores et Pedro Gorski, met en lumière la créativité nationale et les processus derrière les pièces emblématiques de 20 noms importants du design brésilien, couvrant différents domaines tels que la mode, le design produit, le graphisme. , meubles, entre autres. Plus que des biographies, le Canal Curta ! est une enquête sur la manière dont les spécificités de la culture brésilienne stimulent, de multiples façons, des créations belles et inventives.

En commentant les œuvres de Rico Lins, connu pour incorporer l’énergie et les bruits des rues et des foules dans son travail, Adélia Borges cite une métaphore du designer emblématique Aloísio Magalhães. Selon lui, le design est comme une fronde : plus on remonte loin, plus le résultat sera grand et complet. Cette analogie permet de comprendre non seulement le travail de Rico Lins, mais aussi l’héritage de plusieurs des professionnels présentés au cours de la série, comme, par exemple, Ronaldo Fraga. Né dans le Minas Gerais, Ronaldo a émergé dans la mode brésilienne dans les années 90. Lors de ses premiers défilés, il a présenté sur les podiums des vêtements inspirés de grands noms de la littérature, comme Carlos Drummond de Andrade et Guimarães Rosa. Au fil des années, ses influences se font plus subtiles, mais toujours en référence au contexte national, comme dans les collections inspirées du fleuve São Francisco ou de la vie nocturne de l’arrière-pays. Un processus similaire est réalisé par Lino Villaventura, un professionnel couvert lors de la deuxième saison. Egalement créateur de mode, Lino crée, en utilisant une grande variété de techniques manuelles, des textures et des constructions textiles typiquement brésiliennes. Cependant, le plus intéressant est d’observer comment chaque pièce est transformée par la vision unique du designer, célèbre pour son drame surprenant.

La plongée dans la culture nationale continue d’être explorée dans d’autres moments de la série, comme dans l’épisode sur Renato Imbroisi, un designer connu pour sa collaboration avec les communautés artisanales. En évoquant le travail de Renato, Adélia rappelle qu’au Brésil, l’institutionnalisation du design se produit dans le monde universitaire, sans incorporer ni référencer l’artisanat traditionnel. Ainsi, pendant de nombreuses années, ces deux pratiques ont été comprises séparément. Renato et d’autres artistes jouent un rôle crucial dans le rapprochement des deux univers. Le designer est l’un de ceux chargés de promouvoir l’appréciation de l’artisanat en herbe dorée, une tradition de la communauté quilombola Mumbuca, à Jalapão.

Un processus similaire est réalisé par le designer Marcelo Rosenbaum. Bien connu pour sa présence dans les grands médias, Marcelo utilise sa projection pour agir comme porte-parole de productions périphériques, dont beaucoup sont issues de pratiques et de savoirs ancestraux. Pour y parvenir, elle travaille souvent en partenariat avec les communautés autochtones et riveraines. A titre d’exemple, la série montre le cas des cobogós de la Communauté de Vergel, à Alagoas. Marcelo a profité de sa position de premier plan pour présenter aux grandes entreprises des cobogós fabriqués à partir d’écorce de sururu, un matériau abondant dans cette région. Cela a permis à la communauté de créer de nouveaux partenariats et d’élargir ses possibilités.

L’artiste et designer J. Cunha, qui ouvre la deuxième saison, présente une nouvelle couche à ce mouvement de plongée dans le passé. Noir et né à Bahia, J. Cunha apporte avec lui d’importantes influences issues de ses propres ancêtres. Ses créations sont imprégnées de références africaines, ainsi que d’une profonde spiritualité qui se manifeste dans ses pièces de différentes manières.

La réalisation la plus connue de J. Cunha est peut-être sa collaboration avec la chanteuse Daniela Mercury. Depuis des décennies, il est responsable de la réflexion visuelle sur le travail de l’artiste. Lorsqu’il est invité à commenter l’héritage de J. Cunha, l’artiste Ayrson Heráclito déclare que le designer est le protagoniste de la création de la visualité pop afro-bahianaise, une identité reconnue au niveau national et international.

Dans la lignée de l’ascendance, la série montre comment Marina Sheetikoff, de São Paulo, mène également un processus de révision de ses origines, mais d’une manière différente. D’origine russe, la créatrice intègre les histoires de ses ancêtres dans sa création de bijoux. De ce fait, son œuvre, bien que très délicate, gagne en force. Interviewée, elle explique par exemple comment la création d’une de ses pièces s’inscrit dans le cadre de la migration forcée de ses grands-parents, motivée par la guerre. Cette histoire l’a amenée à réfléchir sur l’opposition de cette situation, dans laquelle d’un côté il y a une énorme hostilité extérieure et, de l’autre, l’amour et le confort trouvés dans le noyau familial.

Un autre épisode notable est celui qui aborde le parcours de Fred Gelli, responsable de l’Estúdio Tátil, l’une des plus grandes références du design brésilien. Parmi ses œuvres, se distingue celle réalisée pour les Jeux olympiques de Rio de Janeiro en 2016, dont le logo s’inspire des courbes du Pain de Sucre. Les œuvres de Fred ont toujours un caractère ludique, invitant souvent au toucher, au rire et au jeu. En parlant de son processus créatif, le designer explique que les liens humains impliquent invariablement des émotions et, selon lui, le rire est l’une des émotions les plus invitantes. En transportant cette idée dans le design, nous aboutissons à des créations qui sont le visage de l’Estúdio Tátil : provocantes, pleines de personnalité et très humoristiques.

Le même caractère ludique est présent dans l’œuvre de ,ovo, un studio de São Paulo connu pour ses meubles curieux et stimulants. Luciana Martins et Gerson de Oliveira, designers derrière le studio, expliquent que leur intérêt est d’explorer les limites de la fonctionnalité de l’objet. Ainsi, ils mettent souvent l’utilisateur au défi d’enquêter, de découvrir et, dans certains cas, même de renverser la fonction originale de leurs créations. De par sa recherche constante, dans laquelle l’utilité de l’objet finit souvent par passer au second plan, Adélia affirme que le travail de ,ovo, se situe à la frontière entre l’art et le design. Toujours sur les œuvres qui traversent cette frontière fragile entre les deux territoires, le commissaire explique comment, ces dernières années, on a assisté à une augmentation des collection de conceptionun mouvement dans lequel les collectionneurs acquièrent des pièces non pour leur fonction, mais pour des raisons telles que le prestige de l’atelier, la beauté esthétique ou simplement l’intérêt généré par cet objet.

Dans la deuxième saison, Adélia commente l’origine du mot design. Bien qu’il s’agisse d’un terme anglais, sa racine vient du latin : désigner, désigner. Ainsi, le conservateur affirme qu’il s’agit d’un domaine de connaissance qui pense nécessairement à l’avenir. C’est un commentaire intéressant car, pour de nombreux professionnels de la série, penser l’avenir repose sur une observation délicate du passé ou, comme dans la métaphore d’Aloísio Magalhães, sur un « retour en arrière ». Dans d’autres épisodes, cependant, la réflexion sur l’avenir apparaît plus clairement, notamment dans ceux qui abordent l’utilisation de la technologie combinée au design. En ce sens, le travail de Guto Requena se démarque. Le concepteur et architecte de São Paulo adopte une approche centrée sur la conception de systèmes et de logiciels, encourageant la participation du public à ce processus. Un exemple en est sa réinterprétation de la chaise « Girafa », une icône du mobilier brésilien créée par Lina Bo Bardi, que Guto a refaite en incorporant les sons et bruits des rues de São Paulo.

Dans l’épisode sur le studio Questtonó, la question de l’avenir devient encore plus présente. Peut-être le studio le plus « avant-gardiste » de ceux présentés, Questtonó a démontré, depuis sa création, une profonde préoccupation pour le design aligné sur la projection d’une société meilleure. Ce mouvement se reflète par exemple dans la préoccupation pour les questions environnementales qui caractérise le groupe. L’un des produits mis en avant démontre comment un simple changement dans l’emballage cosmétique a réduit les déchets, économisé les matières premières et amélioré l’utilisation du produit. La technologie est également fortement présente dans le travail de Questtonó, qui, à l’aide d’équipements de pointe, cherche des solutions à plusieurs problèmes actuels, tels que le transport et la locomotion. Ses créations vont des vélos personnalisés aux voitures autonomes. Il est intéressant de noter que, dans ce cas, le concept de design est assez complet et ne débouche pas nécessairement sur un produit final. Ce qui compte, c’est l’idée, le concept et les chemins empruntés par le groupe pour résoudre les problèmes.

En regardant les 20 épisodes, nous entrons en contact avec différentes perspectives, processus et visions du monde. Il existe cependant une constante : la réalité complexe dans laquelle les designers développent leur travail. Outre leur esthétique et leur fonctionnalité, les produits conçus par ces professionnels portent une profonde histoire. Et, lorsqu’ils achètent leurs pièces, les consommateurs n’achètent pas seulement un objet, mais tout le contexte, tout le chemin parcouru qui est, en quelque sorte, imprimé sur cet objet. En suivant ces récits, qui se déploient dans l’orthographe, les publications, le mobilier, les décorations, les logiciels et même les concepts et les idées, la créativité et le lien unique entre l’ascendance, la technologie et la nature sont révélés, caractéristiques distinctives du design national contemporain. Et dans la série « Designers of Brazil », ce pouvoir se révèle dans toute sa splendeur.