L’acteur de Philadelphie Scott Greer parle de “Brilliant Things”, “Red Hot Lovers” et “The Whale” – Metro Philadelphia

Scott Greer est l’un des acteurs les plus occupés de Philadelphie et les plus récompensés par le prix Barrymore avec un CV aussi long que son cadre de plus de 6 pieds.

Après avoir terminé sa troisième participation à la pièce solo du dramaturge Duncan MacMillan “Every Brilliant Thing” au Arden Theatre, Greer aura à peine assez de temps pour dîner de Noël avant son début le 10 janvier en tant que chef de file dans “Last of the” de Neil Simon. Red Hot Lovers’ au Walnut Street Theatre.

Il est également important de noter que l’un des rôles les plus célèbres de Greer – son rôle de Charlie, lauréat du prix Barrymore 2015, dans “The Whale” du dramaturge Samuel D. Hunter au Theatre Exile – devient cette semaine la province de l’acteur Brendan Fraser dans ce qui est être salué comme un incontournable nominé aux Oscars.

Metro s’est entretenu avec Greer avant de clôturer “Every Brilliant Thing” – pour lequel il a remporté Barrymore en 2018 pour la performance exceptionnelle d’un acteur – avant de se lancer dans les répétitions de “Red Hot Lovers”.

Vous interprétez “Every Brilliant Thing” depuis 2017. Qui est ce personnage maintenant qu’il n’était pas lorsque vous avez commencé ?

Autant que possible, c’est moi, malgré le fait que ‘Every Brilliant Thing’ n’est pas mon histoire, et je n’ai pas de mère suicidaire. Le plus grand compliment que je reçois, c’est quand les gens viennent dire qu’ils pensaient que j’avais écrit ça. J’ai de l’aide dans ce département des dramaturges.

Êtes-vous encouragé à le faire vôtre?

Oui. Une grande partie vient de moi. C’est très personnel. Et, après toutes ces fois où je l’ai fait – je l’ai fait une quatrième fois à Milwaukee – deux choses ressortent : c’est tellement ancré en moi que j’ai beaucoup plus d’espace pour naviguer dans ses trucs d’improvisation. Je suis aussi beaucoup plus détendu. Nous abordons tous les problèmes de santé mentale de manière très différente dans la période post-pandémique. J’ai l’impression que les antennes des gens sont maintenant aiguisées d’une manière qu’elles ne l’étaient pas auparavant. Non pas que j’aie jamais pris cela pour acquis – j’ai toujours été béni – mais avant Covid, j’ai travaillé cinq spectacles par an pendant 25 ans ou plus. Qu’il soit enlevé, puis qu’il revienne maintenant, je me sens très privilégié.

Un changement d’ambiance par rapport à “Every Brilliant Thing” est la comédie de Neil Simon, “Last of the Red Hot Lovers”, et ses soi-disant dilemmes masculins. Parlez-nous de cela.

Pour moi, faire un spectacle commence avec le dramaturge, et Simon a un rythme très particulier, un style inspiré par son éducation des premiers emplois dans la salle des écrivains pour certains des premiers programmes de sketchs comiques de la télévision. Il a écrit des blagues. Une partie de son génie comique est de pouvoir apporter cela au théâtre. Simon écrit de vraies personnes en trois dimensions. Mon personnage est un gars compliqué, naviguant dans une crise de la quarantaine, se sentant coupable et frustré, et sur cela, Simon construit ligne après ligne, couche après couche de blagues – puis un topper. Il y a de la musique pour ça. Il faut être en phase avec les mélodies. Il y a aussi une grande différence dans la taille du Walnut et l’intimité de l’Arden, d’autant plus que, pendant « Every Brilliant Thing », toutes les lumières sont allumées et c’est plus communautaire. A l’Arden, on peut bouger un petit doigt et le faire voir, là où au Walnut, il faut bouger toute la main. Le défi consiste donc à apporter des nuances à quelque chose d’aussi important.

“Red Hot” a été créé à Broadway en 1969 et le langage de Simon peut être interprété comme misogyne de nos jours. Quelles sont les conversations concernant son politiquement incorrect ?

‘Red Hot’ est définitivement une pièce de son temps. La façon dont nous parlons maintenant des relations entre hommes et femmes est différente de ce qu’elle était en 1969. C’était une société plus manifestement patriarcale que celle que nous avons maintenant, et à cette époque, ces conversations commençaient – avec pas tellement de changement, malheureusement. Maintenant, avec mon personnage, nous avons parlé de la façon de naviguer dans tout cela tout en étant fidèle à la pièce et à la période. Il y a cependant un vrai cœur dans ces personnages.

Cette semaine, le film “The Whale” du réalisateur Darren Aronofsky, avec Brendan Fraser dans le rôle d’un homme torturé de 600 livres, sort en salles. Fraser a été franc sur la façon dont le rôle a fait des ravages. Que pouvez-vous dire sur le fait d’avoir à traverser cela, ardemment, nuit après nuit pendant votre course ?

Bien que je ne bougeais pas beaucoup, c’était physiquement exigeant en raison des limites et du poids de la combinaison qui pesait plus de 40 livres. Dans l’ancien théâtre Exile, il n’y avait aucun moyen d’accéder à la scène par cette seule porte. J’ai donc dû monter sur scène avant le spectacle et demander à mes habilleuses de me mettre dans la combinaison de poids avant que les lumières ne s’allument. Avec le rideau baissé, je m’asseyais et attendais sur scène pendant que le public entrait. C’était comme si j’étais dans le public, les entendant parler avant que le rideau ne se lève. C’était surréaliste.

“The Whale” a dû être dur avec vous en termes de vivre les chagrins de cet homme pendant deux heures, des mois d’affilée.

Le fret émotionnel de cette pièce, en particulier vers sa fin – sa dépression, le maintien physique qu’il est en insuffisance cardiaque congestive alors que ses poumons se remplissent, une respiration sifflante et qu’il a beaucoup de mal à respirer – a été un véritable défi. En fait, j’ai hyperventilé et je me suis évanoui juste pendant les répétitions. J’ai dû m’entraîner autant à respirer qu’à utiliser un déambulateur et à porter la combinaison. D’une certaine manière, cependant, il est heureux et soulagé à la fin de la pièce – il a une plus grande connexion avec sa fille, même après avoir discuté de la perte de son amant. Bien que sa santé se soit détériorée, à la fin de la pièce, il est comblé et joyeux. Heureusement, je n’ai rien ramené de tout ça chez moi.