Le cinéma parallèle indien : 5 réalisateurs incontournables de la révolution cinématographique indienne

2024-09-18 17:22:35

Le cinéma parallèle indien, premier mouvement cinématographique postcolonial d’Asie du Sud, a pris son essor à la fin des années 1960. Il y avait eu des précurseurs dans la tradition bengali de Satyajit Ray et Ritwik Ghatak qui ont émergé au milieu et à la fin des années 1950, avec le drame réaliste de Ray Pather Panchali (1955) qui a trouvé un public international dans les festivals. Mais c’est à la fin des années 60 que l’accélération des sociétés cinématographiques, la prise de risque de la Film Finance Corporation (FFC) et la publication d’un manifeste cinématographique appelant à un nouveau cinéma ont donné naissance à un élan inexorable d’énergie créatrice. Cela a déclenché une nouvelle vague de cinéastes et de films innovants, qui ont représenté une rupture nette avec l’esthétique, la politique et les thèmes provinciaux du cinéma indien. Plus rien ne serait comme avant.

S’étalant sur quatre décennies, le cinéma parallèle indien a produit plus de 200 films et a eu un impact régional considérable, fusionnant l’indigène avec l’international. Le cinéma parallèle a communiqué de nouvelles vérités sur les femmes, les castes et la religion, racontant une histoire vue d’en bas et menant à l’un des moments les plus riches et les plus créatifs de l’histoire du cinéma mondial.

Voici cinq cinéastes qui ont façonné le mouvement.

Shyam Benégal

Films clés : Bhumika / Le rôle (1977), Manthan / Le barattage (1976), Suraj Ka Satvan Ghoda / Le septième cheval du soleil (1992), Mammo (1994)

Au cours de ses premières années, le cinéma parallèle a connu un succès commercial limité. Ce sont les films de Shyam Benegal, en particulier sa trilogie sur la révolte des années 1970 – Ankur (1974), Nishant (1975) et The Churning (1976) – qui ont réussi à percer dans les salles de cinéma. Les films de Benegal continuent d’être scrutés pour leur prétendue capitulation devant ce que l’on appelle aujourd’hui le « cinéma moyen », une sorte de compromis trouble entre cinéma grand public et cinéma alternatif. Mais l’étiquette de « cinéma moyen » nuit à ce qui a été une carrière tout à fait extraordinaire pour Benegal.

Bhumika (1977)

Bien que ses premiers films aient fait preuve d’une esthétique néoréaliste, le style était interchangeable. Des films comme Bhumika (1977) et Suraj Ka Satvan Ghoda (1992) ont mis en évidence la capacité de Benegal à changer de style en fonction du sujet. Basé sur la vie de la célèbre actrice marathi Hansa Wadkar et explorant les luttes auxquelles elle a été confrontée au sein d’une culture patriarcale, à la fois chez elle et dans l’industrie cinématographique, Bhumika fusionne harmonieusement des éléments du cinéma indien classique avec le biopic hollywoodien.

La trilogie sur le soulèvement a fait preuve d’un style plus didactique, mieux illustré par le réalisme social et l’activisme politique de The Churning, qui raconte l’histoire de l’autonomisation politique grâce aux efforts collectifs des agriculteurs pauvres d’un village du Gujarat, qui créent une coopérative laitière. Le plus grand triomphe de Benegal est peut-être sa trilogie ultérieure sur les femmes musulmanes indiennes – Mammo (1994), Sardari Begum (1996) et Zubeidaa (2001) – réalisée à une époque où le nationalisme hindou gagnait du terrain.

En fin de compte, ce sont souvent les femmes qui sont au centre de beaucoup de ses meilleurs films – que ce soit devant l’écran (comme l’actrice Shabana Azmi) ou derrière (comme l’écrivaine Shama Zaida) – et même si l’on peut se demander dans quelle mesure les représentations à l’écran étaient véritablement féministes, le choix continu de détailler la vie des femmes et les problèmes auxquels elles étaient confrontées dans l’Inde contemporaine a contribué à redéfinir la manière dont les femmes devraient être représentées dans le cinéma indien.

Monsieur Sen

Films clés : Entretien (1971), Ek Din Pratidin / Et l’aube silencieuse (1979), Akaler Shandhaney / À la recherche de la famine (1980), Khandhar / Ruines (1983)

Mrinal Sen, figure centrale du cinéma parallèle, a fait ses débuts avec Raat Bhore / The Dawn (1955), sorti la même année que Pather Panchali de Satyajit Ray. Alors que Ray a rapidement trouvé son style humaniste, Sen a passé plus d’une décennie à expérimenter, pour finalement percer avec Bhuvan Shome (1969), un film phare qui a marqué l’émergence du cinéma parallèle. Tourné avec un petit budget, il Le film a innové avec son esthétique innovante de techniques mixtes, avec des images fixes, un montage elliptique, une voix off incongrue et un ton satirique prononcé. Le sujet était tout aussi peu conventionnel : un bureaucrate rigide est transformé pour le mieux par une brève rencontre avec une villageoise à l’esprit libre.

Aux côtés de personnalités comme Arun Kaul, Sen a plaidé pour un système alternatif de distribution et d’exploitation afin de soutenir les films indépendants. L’engagement de Sen dans les troubles politiques de Calcutta au début des années 1970 a marqué le début de sa période la plus créative, à commencer par Interview (1971), une exploration non linéaire du chômage et des troubles de la jeunesse, qui allait donner naissance à un quatuor de films politiques dissidents.

Entretien (1971)

Interview marque le début d’une phase hautement expérimentale, mêlant réalisme documentaire et techniques d’avant-garde, qui deviendra le style hybride caractéristique de Sen. Ses films de cette époque rompent souvent avec les formes narratives traditionnelles, défiant à la fois les conventions cinématographiques et la complaisance politique. Un thème récurrent dans l’œuvre de Sen est sa critique de l’hypocrisie de la classe moyenne, explorée de manière incisive dans The Absence Trilogy – Ek Din Pratidin (1979), Kharij / The Case Is Closed (1982) et Ek Din Achanak / Suddenly, One Day (1989).

Le critique de cinéma britannique Derek Malcolm a été l’un des rares à défendre les films de Sen en Occident, contribuant ainsi à une plus grande reconnaissance de son travail dans les festivals de cinéma internationaux.

Jean Abraham

Films clés : Agraharathil Kazhutai / Un âne dans un village brahmane (1977), Amma Ariyan / Rapport à sa mère (1986), Cheriyachante Kroora Krithyangal / Les mauvaises actions de Cherian (1979)

Dans un mouvement cinématographique, il faut toujours quelques rebelles pour secouer les choses et tenir tout le monde en haleine. Heureusement, John Abraham a pris le relais de Ritwik Ghatak, en se servant de ses films pour peindre à plusieurs reprises des critiques accablantes d’un système putride et pourrissant dans lequel toutes sortes d’orthodoxies comme la caste, la religion et le féodalisme restaient inconfortablement ancrées. John Abraham, cinéaste né au Kerala, a suivi une formation au prestigieux Film and Television Institute of India et a fait partie d’une nouvelle vague de réalisateurs à l’esprit d’auteur. Il n’a réalisé que quatre films, chacun d’eux singulier et définitif à part entière. Le long métrage révolutionnaire, Donkey in a Brahmin Village (1977), était une satire allégorique innovante qui visait les préjugés de caste, et est aujourd’hui un film culte très apprécié en Inde.

Rapport à la mère (1986)

Le collectif d’Odessa, fondé en 1984 par John et ses amis, était une tentative de subvertir la structure hégémonique de distribution et d’exploitation. Le budget de leur premier film, Report to Mother (1986), a été réuni grâce à l’argent collecté lors des projections de films dans les villages. C’était le dernier film d’Abraham avant sa mort, un chef-d’œuvre politique et – par son style quasi documentaire et son financement et sa distribution entièrement indépendants – sans doute le cinéma parallèle le plus proche de la reproduction de l’esthétique radicale du « troisième cinéma » latino-américain.

Gouvernement d’Aravindan

Films clés : Uttarayanam / Le Trône du Capricorne (1975), Kummatty / Le Croque-mitaine (1979), Thampu / Le Chapiteau du cirque (1978), Esthappan / Stephen (1980)

Les films du sud de l’Inde ont toujours été en avance sur leur temps. Même avec la naissance du cinéma parallèle, ce sont les succès régionaux du Bengale occidental, du Karnataka et du Kerala qui ont donné au mouvement sa véritable identité en termes d’innovation. Govindan Aravindan était probablement le cinéaste visuel le plus accompli du mouvement du cinéma parallèle ; ses films étaient résolument poétiques, lyriques et techniquement astucieux, mais ils communiquaient aussi quelque chose d’élémentaire sur les communautés, les gens et les paysages dans lesquels il nous enveloppait. La sensibilité picturale d’Aravindan était finement peaufinée par l’œil pictural de son directeur de la photographie habituel, le talentueux Shaji N. Karun.

Effrayé (1979)

Des films comme Kummatty (1979), Esthappan (1980) et The Circus Tent (1978) ont l’allure de documentaires semi-observationnels, mais ils sont tout aussi métaphysiques, tactiles et rythmiques. The Circus Tent, l’un des meilleurs films d’Aravindan, récemment restauré en 4K, est un régal visuel pour les yeux, mais ce qui rend le récit épisodique tout à fait touchant, ce sont les vies solitaires de la troupe de cirque. Les désirs silencieux et les luttes inexprimées de chaque personnage sont tissés dans le rythme de leur existence transitoire. Les films d’Aravindan se distinguent par leur portrait calme et honnête de la vie, où la beauté des moments quotidiens parle plus fort que les mots.

Mani Kaul

Films clés : Duvidha (1973), Mati Manas / L’esprit d’argile (1983), Siddheshwari (1989), Satah Se Uthata Aadmi / L’homme surgit de la surface (1980)

Le réalisateur Mani Kaul n’a jamais approuvé les étiquettes « expérimentales » ou même « avant-gardistes » qui ont été associées à son travail. En fait, Kaul était bien plus favorable au terme « cinéma parallèle », car il impliquait une égalité avec le cinéma grand public plutôt qu’une relégation dans un ghetto cinématographique marginalisé. Le style cinématographique de Kaul se caractérise par des récits non linéaires, une esthétique visuelle poétique et un profond engagement envers l’art indien, notamment la peinture et la musique. Ses films défiaient la narration conventionnelle, se concentrant plutôt sur l’ambiance, le rythme et l’expérience sensorielle.

Duvidha (1973)

Plusieurs des meilleurs films de Kaul, comme Uski Roti / Our Daily Bread (1969), Duvidha et Siddheshwari, mêlent abstraction et minimalisme, s’efforçant de proposer une sorte d’enquête philosophique sur les domaines de ce qu’il qualifie de cinéma sensuel. Duvidha est l’une de ses œuvres les plus acclamées, une histoire de fantômes subversive qui déploie de longues prises et des compositions picturales saisissantes pour évoquer une atmosphère envoûtante.

Comme de nombreux cinéastes du cinéma parallèle, Kaul s’est inspiré des écrivains indiens contemporains, mais aussi de l’art et de la culture européens tels que Matisse, Dostoïevski et Bresson. L’œuvre la plus remarquable de Kaul est sans doute Satah Se Uthata Aadmi (1980), un film métaphysique audacieux qui explore l’émergence d’un homme de la surface de son monde extérieur vers des domaines plus profonds de conscience et de pensée.

UN restauration de Manthan / Le Barattage écrans au 68e BFI Festival du film de Londres.

Réécrire les règles : le cinéma indien pionnier après 1970 se déroule au Barbican du jeudi 3 octobre au jeudi 12 décembre 2024.

Le prochain livre d’Omar sur le cinéma parallèle indien sera publié par Bloomsbury en février 2025 et est disponible en pré-commande.

The Circus Tent est disponible en Blu-ray chez Second Run.

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