Le design d’Alice Aroeira : le féminin, la terre et le pouvoir créateur

Bien qu’elle soit entrée dans le monde de la céramique et du design il y a quelques années, Alice Aroeira se distingue par son travail sophistiqué et délicat. Née à Rio de Janeiro et formée en design industriel, elle a découvert ce domaine presque par hasard. Mais le lien qu’Alice a ressenti avec la terre, avec l’artisanat et avec l’histoire de la technique est admirable.

Depuis ses débuts, son nom est apparu dans des salons et des publications spécialisées, en plus de faire partie de la curatelle de designers brésiliens de Conception artistique. Pour mieux comprendre sa trajectoire, ses influences et ses sources d’inspiration, nous avons discuté avec Alice Aroeira, qui a aimablement partagé les détails de son parcours et les concepts qui guident son expression artistique.

L’intérêt d’Alice pour l’art, la culture et la créativité a des racines difficiles à dater. Issu d’une famille d’artistes, le designer a grandi au milieu de diverses stimulations créatives. « J’ai toujours été en contact avec l’art. Mon père est dessinateur, caricaturiste, et ma mère est animatrice, productrice d’animation. Nous avons inventé beaucoup de jeux pour stimuler la créativité. J’ai pris leurs restes de matériaux et j’ai créé diverses choses : des collages, des découpages, des dessins, des sculptures en argile », se souvient-il.

J’ai toujours été en contact avec l’art, mes parents sont artistes et nous avons inventé beaucoup de jeux pour stimuler la créativité.

Cette atmosphère a aidé Alice à façonner sa capacité à s’exprimer dès son plus jeune âge. Quand est venu le temps de tracer son destin professionnel, elle a cherché quelque chose qui alimenterait sa flamme créatrice. C’est à ce moment-là que m’est venue l’idée d’étudier le design industriel à la PUC-Rio, avec une spécialisation dans la mode. Pendant plus d’une décennie, Alice a suivi ce chemin sans trop se poser de questions. «J’étais sûr que je travaillerais dans la mode. Mais aujourd’hui, je pense que la seule certitude que nous avons, c’est que cela ne durera pas. Je pense que nous sommes des êtres multiples. Nous le découvrons et avons aussi le courage d’être multiples. Ce qui est génial, non ? » commente le designer.

Le chemin d’Alice a commencé à changer lorsqu’elle a reçu un cadeau spécial d’un ami : une initiation à la céramique. Les cours, débutés en 2017, avaient un but thérapeutique. Pourtant, le contact avec la terre, les sculptures et les pratiques ancestrales associées à la technique ont immédiatement captivé Alice.

Les pièces résultant de ces cours ont trouvé refuge dans le magasin de la marque de vêtements Alice, où elles ont été achetées par différents clients. Avec l’arrivée de la pandémie, ce qui avait commencé comme une passion passagère s’est consolidé en tant que métier. « Et puis est arrivée 2020. Je suis tombée enceinte et la pandémie est arrivée. Mon fils est né la première semaine du confinement, nous étions tous coincés à la maison. Cela a été pour moi un tournant décisif. J’ai repris le travail de la céramique chez moi et j’ai commencé à créer des sculptures plus grandes, ce qui m’a conduit à cette autre phase de production. Tout se déroulait de manière très organique, très rapidement. Et j’ai eu le courage de mettre fin à ce cycle de mode. C’était libérateur parce que ce n’était plus mon chemin », ajoute-t-il. Depuis, Alice Aroeira se consacre à différentes créations design utilisant la céramique.

« L’époque de la céramique est unique. Cela ne sert à rien de vouloir fixer notre propre rythme. Il faut être conscient de ce processus de temporalité matérielle »

Toujours sur la méthode créative, les sentiments puissants qui lient Alice à cette pratique deviennent bien clairs. Plus qu’un simple métier, la céramique semble s’entremêler à d’autres domaines, intégrant les démarches et les réflexions du designer. « La céramique est là, dans notre histoire, j’y pense beaucoup, à la façon dont les femmes effectuaient des travaux essentiels dans l’agriculture, développant des pièces et perfectionnant des outils avec des éléments naturels. La poterie est ancienne. Je ressens une connexion profonde lorsque je suis là, en train de modeler une pièce. Je suis transportée dans un autre endroit, un espace de paix, de connexion et de calme », raconte Alice.

Le lien émotionnel est encore plus évident lorsqu’elle explique la création étape par étape. « Chaque phase demande beaucoup de soin, beaucoup d’attention, car la pièce est complètement transformée. Il commence par être mou, dans un état plastique, puis devient ce qu’on appelle « l’état osseux », complètement dur. Il existe toute une méthode pour le passage d’un état à un autre, il faut être serein pour éviter les fissures. Ensuite, la pièce passe par la première cuisson, appelée « biscuit », puis est émaillée et passe à la cuisson finale », explique le designer.

Toute cette saga, depuis l’esquisse jusqu’au séchage complet de la pièce, peut prendre environ 1 mois. Ainsi, l’espace de calme et de détente, tant mis en valeur par Alice dans sa réflexion sur la pratique, est fondamental car il fait partie de l’essence même de la céramique. « L’époque de la céramique est unique. Cela ne sert à rien de vouloir fixer notre propre rythme. Il faut être conscient de ce processus de temporalité matérielle», ajoute-t-il.

Lorsqu’on découvre les coulisses, il est naturel de s’identifier aux pièces, comme celles de Série « Híbridos », qui fait partie du catalogue de design Artsoul. Aux formes organiques et aux courbes enveloppantes, ces créations sont issues d’une des premières œuvres d’Alice, les matriarches. « C’est une continuité, une évolution de mon travail, peut-être de manière plus abstraite. Ce sont des formes très féminines, très organiques », commente-t-il.

En plus des courbes, la série Híbridos attire l’attention sur les couleurs et le traitement apporté aux pièces. Alice explique que la dernière étape, l’émaillage, s’effectue uniquement à l’intérieur pour rendre l’œuvre imperméable, tandis que l’extérieur conserve la texture et la couleur naturelle de la terre, lui conférant une caractéristique distincte avec une texture naturellement douce et organique, contrastant avec le rigidité habituelle associée à ce matériau.

« Je ne voulais pas créer un univers avec des milliers de pièces identiques. J’ai voulu conserver cette caractéristique de l’objet de collection issu du monde de l’art”

Un autre aspect unique du travail d’Alice est sa pratique consistant à numéroter ses créations en tirages, ce qui est courant dans le monde de l’art, mais rare lorsqu’on parle de design. Ainsi, chaque pièce assume une singularité, même lorsqu’elle est intégrée à une série d’œuvres similaires. En clarifiant la raison de cette approche, Alice entremêle création artistique et design.

« Je viens d’un milieu artistique, de parents artistes. Mais j’ai également étudié le design industriel à l’université, où l’on apprend à produire à grande échelle. Donc, je le fais de cette façon qui me permet de recréer mes pièces, tout en conservant l’essence artistique. Je ne voulais pas créer un univers avec des milliers de pièces identiques. Je voulais amener l’univers de l’art. En gravure par exemple, il s’agit d’une édition limitée. J’ai voulu conserver cette caractéristique de l’objet de collection issu du monde de l’art», souligne-t-il.

Comme Alice l’a souligné dès le début, elle se perçoit comme un être en constante évolution. En plus de la série « Híbridos », elle révèle qu’elle est plongée dans la création d’une nouvelle série. La créatrice a repris le travail sur ses matriarches, mais d’une manière différente des figures qui ont marqué ses premiers pas dans sa carrière. « La capacité de notre corps à générer la vie est quelque chose qui m’impressionne. Donc c’est toujours lié à mon travail », commente-t-il.

Ce n’est pas un hasard si le lien d’Alice avec la céramique s’est renforcé après la naissance de son fils et on peut ainsi voir le thème féminin comme un élément récurrent dans ses créations. Selon le point de vue d’Alice, la création de la vie et la puissance créatrice peuvent être associées à la fois au féminin et à la terre, et cela devient pour elle une profonde source d’inspiration.

De là naît la volonté d’incorporer des éléments de ces deux univers, exprimés par le coloris terreux dans sa diversité de tons et par la fluidité et l’organicité des formes. En plus de raconter le point de vue d’un designer, ses pièces parviennent également à raconter une partie de l’histoire d’une pratique ancienne, liée aux débuts de l’humanité et perpétuée entre les mains et les expressions contemporaines.