2024-04-26 23:14:52
Festival annuel de trésors restaurés, Cinema Reborn revient pour sa sixième année avec une plus grande sélection de films, deux restaurations qui sont des premières mondiales et beaucoup d’entre elles seront projetées en Australie pour la première fois. En 2024, le festival étend également sa portée en étant projeté pour la première fois à Melbourne. Il propose une sélection abondante et éclectique qui récompense la curiosité, tout en embrassant des noms familiers et des titres classiques.
La soirée d’ouverture dans les deux villes est Minuit (1939), une comédie loufoque élégante et effervescente de tromperies et de doubles standards. Claudette Colbert incarne Eve Peabody, une showgirl américaine pleine de ressources qui se réveille dans un wagon par une nuit pluvieuse à Paris avec à peine plus que la robe en lamé doré qu’elle porte, un sac contenant 25 centimes et un billet de pion de Monte-Carlo. Pragmatique et optimiste, elle se réfugie dans un salon rempli de riches et bien connectés de la ville où, presque comme par magie, elle se transforme d’intrus en épouse d’aristocrate. Et ce n’est que le début.
« Chaque Cendrillon a son minuit », dit Eve, mais son heure de jugement ne semble jamais arriver : les réveils brutaux ou les retournements soudains semblent perpétuellement différés. Au salon, elle rencontre une sorte de parrain féerique, le riche français Georges Flammarion (John Barrymore), qui a une raison particulière de la cultiver – non pas pour la courtiser, mais plutôt pour l’incorporer dans ses propres projets, confiant qu’elle viendra. avec moi pour la balade.
Minuit a été réalisé par Mitchell Leisen, un costumier devenu réalisateur dont la longue carrière n’a sans doute pas reçu l’attention critique qu’elle mérite. Le scénario est de Billy Wilder et Charles Brackett, ce célèbre duo de talents complémentaires dont les collaborations d’écriture de 1938 à 1950 englobent le film noir, le mélodrame, la comédie sophistiquée et loufoque. Minuit est plein d’esprit et savamment structuré, mais c’est aussi un portrait sardonique de la haute société. Les commérages, la méchanceté et l’infidélité sont à l’ordre du jour et se faire prendre est le faux pas ultime.
Dans son livre Comédie romantique à Hollywood, James Harvey appelle Colbert « la plus amorale de toutes les grandes héroïnes loufoques ». Dans le rôle d’Eve, Colbert interprète avec fluidité et élasticité un personnage qui n’est pas à proprement parler un escroc mais plutôt un improvisateur entreprenant : une jeune femme bon enfant qui surfe sur la vague des opportunités là où elle la mène. Barrymore, star légendaire de l’ère du cinéma muet, était un acteur doué qui pouvait avoir une présence irrégulière sur le plateau, mais il est le partenaire de scène idéal pour Colbert dans Minuit. Son personnage est un repoussoir plus intéressant pour Eve que son intérêt amoureux putatif, le chauffeur de taxi Tibor Czerny (Don Ameche) – un homme fidèle, absent d’une grande partie du film, qui essaie vaillamment de suivre ses machinations inventives.
Si le Paris de Minuit est une construction de Paramount Pictures, le Paris de La Captive (2000) de Chantal Akerman est la réalité.
Une remarque : Hedda Hopper a un petit rôle en tant qu’hôtesse de la société. Hopper allait bientôt abandonner complètement le métier d’actrice alors qu’elle se réinventait en tant que chroniqueuse de potins de droite, l’une des pom-pom girls et des facilitateurs de la liste noire hollywoodienne de Joseph McCarthy.
Si le Paris de Minuit est une construction de Paramount Pictures, le Paris de Chantal Akerman La Captive (2000) est la chose réelle – mais aussi un lieu de l’imagination du cinéaste, un lieu changeant, intemporel et hanté. Au générique, Akerman dit La Captive est « inspiré par » La Prisonnièrele cinquième volume de Marcel Proust À la recherche du temps perdu (In Search of Lost Time), publié à titre posthume en 1923. Elle déplace le décor de la belle époque vers un Paris contemporain à la fois moderne et anachronique. Une source d’inspiration supplémentaire et cruciale est celle d’Hitchcock. vertigel’histoire d’un homme contrôlant et d’une femme qu’il essaie de remodeler et de contenir, le récit d’un amour mêlé à la mort.
Les relations obsessionnelles et jalouses sont un élément récurrent chez Proust. Akerman se limite à un seul, changeant les noms et les détails mais conservant l’intensité suffocante et l’ambiguïté de l’original. Le narrateur à la première personne devient Simon (Stanislas Merhar), un jeune homme riche vivant dans un appartement avec sa grand-mère et entretenu par un chauffeur et une femme de ménage. Albertine, objet du désir du narrateur, devient Ariane (Sylvie Testud), une jeune femme qui remplit ses journées d’un régime de divertissements et d’activités artistiques, de cours de chant, de visites de musée et de sorties entre amies.
Ariane vit avec Simon, qui oscille entre des tentatives de possession et de contrôle différentes mais tout aussi imparfaites. Il est plus excité par elle lorsqu’elle dort (ou peut-être qu’elle feint de dormir). Il soupçonne Ariane de le trahir avec des femmes. Sa suspicion devient une contrainte, sa vie un rituel de surveillance, d’interrogation, de répétition, d’humiliation, le doute se nourrissant de lui-même. Ariane est aussi insaisissable pour le spectateur que pour Simon.
« Si Proust est un rêve fébrile, un enchevêtrement de langage dans lequel on s’égare, le projet d’Akerman est de nous faire attendre », écrit Christine Smallwood dans une nouvelle étude du film. En distillant Proust, Akerman crée une œuvre qui lui est bien propre. Son adaptation, co-écrite avec Eric de Kuyper, est économe en mots mais riche d’images dessinées avec précision et de sons évocateurs, qu’il s’agisse de l’impact percussif des pas ou du thème maussade et récurrent du poème symphonique de Rachmaninov. Île des Morts. Une sonate de Schubert – un enregistrement mettant en vedette la violoncelliste Sonia Wieder-Atherton, la partenaire d’Akerman – est utilisée avec plus de parcimonie. Akerman s’appuie également – de manière inhabituelle et singulière – sur Carmenl’histoire de Bizet sur l’obsession masculine meurtrière, et C’est ce qu’ils font tousl’examen ostensiblement léger de Mozart sur la fidélité des femmes mise à l’épreuve par leurs hommes.
Le cinéaste égyptien Tewfik Saleh aborde également une adaptation littéraire dans Les dupes (1972), une exploration fascinante et multiforme de la dépossession, de la masculinité et de la perte. Son film est encadré par une citation du poète palestinien Mahmoud Darwish : « Mon père a dit un jour : un homme sans pays n’aura pas de tombe sur terre. » Les dupes suit les contours et le langage de sa source, l’histoire de Ghassan Kanafani de 1962 Les hommes au soleil, mais l’étend de manière vivante et cinématographique. Kanafani, romancier, éditeur et porte-parole du Front populaire de libération de la Palestine, a été tué dans un attentat à la voiture piégée la même année. Les dupes a eu sa première cannoise.
L’adaptation diffère de l’original vers la fin sur un détail crucial qu’il serait injuste de révéler. Selon Hilary Kilpatrick, la traductrice anglaise du livre de Kanafani, la modification légère mais significative apportée par Saleh reflète l’évolution des circonstances et la croissance du mouvement de résistance palestinienne depuis la rédaction de l’histoire.
Les dupes se déroule 10 ans après la Nakba de 1948, le déplacement violent et l’expulsion du peuple palestinien après la création de l’État d’Israël. Il présente trois personnages masculins un à un, d’une manière distinctive qui oscille entre perspectives intérieures et extérieures. Il y a des transitions abruptes entre et au sein de chaque histoire. De brèves scènes qui pourraient être des souvenirs, des rêves, des allusions, des représentations symboliques de la vie d’autrui sont intégrées dans des représentations naturalistes et tactiles de la vie et des circonstances des individus.
« Pour chacun des personnages palestiniens, 1948 est un traumatisme non résolu, la cause profonde d’une situation personnelle à laquelle on n’affronte jamais directement », explique Nadia Yaqub dans un essai sur le film. Tous trois ont atteint un point de désespoir et sont convaincus que leur seul espoir est de se rendre au Koweït pour trouver du travail, en utilisant les services d’un passeur. Ils incarnent différentes générations et expériences, mais ce sont aussi des figures individualisées et nettement dessinées. Abou Keïss (Mohamed Kheir-Halouani), l’aîné, a des souvenirs d’un passé rural idyllique ainsi qu’un sentiment de reproche – « Je suis un paysan, tout ce que je sais, c’est labourer » – et ses flashbacks incluent des images de ailleurs des séquences de combat et d’actualités. Assaad (Bassan Lofti Abou-Ghazala), un homme plus jeune, est un militant et subit des pressions pour qu’il se marie. Marouane (Saleh Kholoki), 16 ans, qui avait l’ambition de devenir médecin, est contraint d’abandonner l’école et de subvenir aux besoins de sa mère et de ses frères et sœurs lorsque son père et son frère aîné abandonnent la responsabilité du reste de la famille.
Les hommes arrivent séparément à Bassora mais finissent ensemble. À ce stade, le film subit une transformation. Un compatriote palestinien, Abou Kheizarane (Abderrahman Alrahy), propose de les faire entrer clandestinement au Koweït. Nous apprenons, à travers un flash-back de souvenirs qu’il ne partage jamais avec les autres, qu’il a sa propre histoire compliquée. Les dupes se transforme en un thriller tendu et troublant qui conserve sa perspective politique et culmine dans une image finale dévastatrice et inoubliable.
JOURNAL DES ARTS
DANSE L’autre côté de moi
Théâtre Heath LedgerWhadjuk Noongar Country/Perth, du 30 avril au 2 mai
L’ART VISUEL Canal unique
Centre artistique GoldfieldsPays de Wangkatja/Kalgoorlie, jusqu’au 10 mai
MUSICAL Guide de guerre pour filles
Théâtre de CrémorneMeanjin/Brisbane, 2-4 mai
BALLET La belle et la Bête
Maison de théâtre DunstanKaurna Yarta/Adélaïde, 3-4 mai
L’ART VISUEL grande tournée
quarante-cinqen basNaarm/Melbourne, jusqu’au 4 mai
DERNIÈRE CHANCE
EXPOSITION Louise Bourgeois : Le jour a-t-il envahi la nuit ou la nuit a-t-elle envahi le jour ?
Galerie d’art de la Nouvelle-Galles du SudGadigal Country/Sydney, jusqu’au 28 avril
Cet article a été publié pour la première fois dans l’édition imprimée de Le journal du samedi le 27 avril 2024 sous le titre « Trésors déterrés ».
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