Il existe de nombreux récits concurrents sur ce qui s’est passé dans l’art américain après que le Pop Art a éclipsé l’expressionnisme abstrait au début des années 1960. Le recul nous dit que la scène new-yorkaise était plus désordonnée et plus diversifiée que ne l’indiquent la plupart des enregistrements de cette époque mouvementée. Quelques expositions en cours et récentes témoignent de cette diversité, comme les incontournables New-York : 1962-1964 au Musée juif (22 juillet 2022-8 janvier 2023), le dernier projet curatorial de Germano Celant, décédé en 2020. La liste variée d’artistes comprend Melvin Edwards, Chryssa, Harold Stevenson et Marjorie Strider, dont le travail est rarement, voire pas du tout, vu plus.
D’autres exemples sont Inventer le centre-ville : galeries gérées par des artistes à New York, 1952 – 1965 à la Grey Art Gallery (10 janvier-1er avril 2017), organisée par Melissa Rachleff, et, plus récemment, Créer une communauté : les artistes de la Cinque Gallery à la Art Students League (du 3 mai au 3 juillet 2021), organisée par Susan Stedman, avec l’aide de Jewel Ham et la curation du programme par Nanette Carter. Fondée par Romare Bearden, Ernest Crichlow et Norman Lewis, la Cinque Gallery a présenté plus de 450 artistes de couleur au cours de ses 35 ans d’existence.
Autant ces importantes expositions ont contribué à une vision plus large de ce qui s’est passé entre la mort de Jackson Pollock en 1956 et le soi-disant «retour de la peinture» en 1980, il reste encore beaucoup à faire pour reconnaître à quel point et divisé le monde de l’art new-yorkais pendant cette période, la plupart des actions se déroulant en dehors des projecteurs médiatiques sur les prix des enchères et les artistes célèbres. (Cela a commencé avec la vente aux enchères soigneusement organisée par le collectionneur Robert C. Scull de 50 œuvres d’art chez Sotheby Parke Bernet le 18 octobre 1973, qui, selon Doug Woodham, “a annoncé le début d’une nouvelle ère dans le monde de l’art : une hyper -marché de l’art commercialisé axé sur la promotion et la vente d’art contemporain. »)
Bien qu’il n’y ait pas de retour en arrière – ce que je ne souhaite pas promouvoir – je sais aussi qu’au cours de ce quart de siècle, de 1956 à 1981, il s’est passé bien plus de choses qui sont passées inaperçues. C’est pourquoi j’ai vu l’exposition Chefs-d’œuvre de la peinture de paysage américaine au Centre de peinture figurative (1er mars-31 décembre 2022), qui se compose d’œuvres d’un seul collectionneur, qui n’a jamais rien vendu aux enchères de sa collection. L’exposition est composée de peintures de paysages de 17 artistes, dont la plupart sont nés entre 1922 et ’34. Les trois exceptions sont Edwin Dickinson (1891–1978), Aristodimos Kaldis (1899–1979) et Fairfield Porter (1907–75). (Kaldis, qui est le moins connu des trois, a été le premier artiste américain vivant dont le travail a été collecté par la Fondation Albert C. Barnes à Philadelphie.)
L’exposition comprend des artistes distingués, des personnalités cultes et cette catégorie spéciale, des artistes aimés par d’autres artistes : Jane Freilicher, Philip Pearlstein, Neil Welliver, Paul Georges, Gabriel Laderman, Paul Resika, Wolf Kahn, Albert York, Lois Dodd, Louisa Matthíasdóttir, Seymour Remenick, Lennart Anderson, Albert Kresch et Rosemarie Beck. Beaucoup faisaient partie de l’Alliance of Figurative Artists, un groupe de discussion dirigé par des artistes qui se réunissait tous les vendredis dans le Lower East Side de Manhattan de la fin des années 1960 au début des années 1980. Alors que je n’ai assisté qu’à quelques réunions, au milieu des années 70, peu de temps après avoir déménagé à New York, je m’en souviens comme passionnées et animées. En 1976, de nombreux jeunes artistes du groupe ont créé le Artists ‘Choice Museum, qui a organisé plusieurs expositions jusqu’à sa dissolution en 1986.
Je me suis souvenu de cette histoire méconnue lorsque j’ai vu “Panhellenic Landscape” de Kaldis (1951), “Roses with Five Clouds” de Georges (1982), “White Echinacea and Butterflies” de Dodd (1977-78), “Tower and Moon” de Resika ( 2009–10) et «Monument Mountain from Ingleside Cottage» de Porter (1974), car ils faisaient partie des membres originaux de l’Alliance.
Un autre point important de cette réunion est que le terme « paysage » a été largement interprété, des observations minutieuses d’Anderson, Freilicher et Dodd aux réponses picturales de Georges, Welliver et Porter, à la précision de Laderman et Pearlstein, à la vue onirique de Resika.
Dans l’œuvre à grande échelle “White Echinacea and Butterflies”, Dodd dépeint son sujet en gros plan et agrandi. Un moment quelconque devient un monde entier ; la fugacité du moment est commémorée sans tambour ni trompette. Le tableau vaut vraiment le détour, tout comme de nombreuses autres pièces. Une autre œuvre remarquable est « Herring Cove Beach » (1930) de Dickinson qui, comme son titre l’indique, dépeint une large bande de plage de sable. Fabriquée il y a plus de 90 ans, la peinture discrète de Dickinson rend la peinture beige intéressante.
Avec seulement quelques éléments et un sens magistral de la couleur, “Figure in a Landscape” (1976) de Matthíasdóttir montre une silhouette blonde dans une tenue jaune vif au milieu d’un paysage aux multiples teintes de vert, bleu et marron. En plaçant le personnage à gauche et en divisant la composition au milieu par deux arbres, l’artiste juxtapose deux vues liées mais distinctes dans lesquelles prédomine une pudeur un peu froide et lumineuse. Toute exposition avec des œuvres d’Albert York vaut bien une visite, d’autant plus qu’il n’a pas été prolifique et qu’aucune de ses œuvres n’est actuellement exposée dans aucun musée de New York. “Farm Landscape” (1970), bien qu’il ne soit pas aussi dramatique que les peintures les plus connues de York, est discrètement convaincant.
Artiste qui a longtemps incorporé des motifs récurrents et a réalisé des œuvres radicalement différentes au cours d’une carrière qui s’étend sur huit décennies, « Tower and Moon » (2009-10) de Resika est aussi invitante et inquiétante qu’une œuvre de Giorgio de Chirico ou Arnold Böcklin, même s’il se rapproche de l’abstraction géométrique tout en aplatissant les formes.
Ce fut un plaisir de renouer avec des artistes tels que Welliver et Georges, qui sont rarement exposés, ainsi que de regarder de près des œuvres que je n’avais pas dans le passé (de Beck, Kresch, Laderman et Reminick, par exemple). À une époque dominée par la célébrité, je me suis rappelé ce que le grand écrivain anglais Jean Rhys avait dit à David Plante dans Femmes difficiles : un mémoire de trois (1983):
Toute l’écriture est un immense lac. Il y a de grands fleuves qui alimentent le lac, comme Tolstoï ou Dostoïevski. Et puis il y a des filets, comme Jean Rhys. Tout ce qui compte, c’est d’alimenter le lac. Je n’ai pas d’importance. Le lac compte. Vous devez continuer à alimenter le lac.
Chefs-d’œuvre de la peinture de paysage américaine se poursuit au Center for Figurative Painting (261 West 35th Street, Suite 1408, Manhattan) jusqu’au 31 décembre.
