Marché de l’art : « Peinture, peinture, peinture. Ensuite, rien ne vient pendant longtemps. »

L’art est « sans profit », avertissent les conseillers d’orientation depuis des décennies lorsqu’il s’agit de devenir artiste visuel. Mais la vocation de l’artiste inclut également la liberté d’ignorer tout conseil bon ou bien intentionné : entre 1999 et 2022, 200 000 personnes en Allemagne ont commencé à étudier dans une école d’art.

L’Université des Beaux-Arts de Hambourg en a réalisé une sur la question « qu’est-ce qui vient ensuite ? » Étudier parmi les diplômés des promotions de 2003 à 2019 et a également déterminé le revenu annuel moyen. Il était de 26 090 euros en 2020. Or, moins de la moitié provenait de l’activité artistique, et pour les artistes pas ou peu installés, même pas le quart.

Pour s’établir économiquement, il faut « avoir accès aux rares ressources des institutions du marché de l’art ». La réputation augmente particulièrement lorsque les artistes en herbe sont représentés par une galerie, notamment si elle participe également à des foires d’art, mais plus de 70 pour cent des diplômés n’étaient pas représentés.

Amener les artistes sur le marché est un talent

L’étude résume le risque de rester « béni » si l’on ne trouve pas de galerie. Ou qui est introuvable par un galeriste.

« Que se passe-t-il à ce moment-là quand on sort virginal de l’académie des beaux-arts, pour ainsi dire ? » C’est ce que se demandait Robert Grunenberg lorsqu’il fondait sa galerie à Berlin en 2019. « Qu’importe si vous êtes comme un cristal étincelant, mais pas encore durci par le monde de l’art et le public ? Découvrir ces personnalités artistiques dans le flot des diplômés des académies dont vous pouvez commercialiser le travail est un talent ?

Grunenberg cite trois noms qui font partie de son programme depuis le début. Jan Zöller, qui étudiait à l’époque à Karlsruhe ; Stefan Knauf, étudiant en master dans la classe de sculpture à l’UdK Berlin ; Sonja Yakovleva, qu’il connaissait depuis sa ville natale de Francfort. « Losing My Virginity » était le nom de leur exposition collective, ce qui a été le facteur décisif qui a poussé Grunenberg à devenir galeriste indépendant.

Issu d’une « famille bohème », d’un père peintre et d’une mère musicienne, il étudie l’histoire de l’art et la gestion des affaires, effectue des stages à New York, siège au MoMA et travaille pour des magazines. Au cours de nombreux voyages, il fait la connaissance d’artistes, mais aussi de collectionneurs comme le consultant en gestion Timo Miettinen.

Dans ses appartements, il réalise sa première exposition (sur les palmiers dans l’art), qui fait sensation au-delà de la scène berlinoise. Parce qu’il y avait de nombreux noms d’artistes connus, un catalogue sur papier glacé a été publié et aucun secret n’a été caché sur le fait qu’il y avait aussi des intentions commerciales derrière cela.

Créer une galerie à crédit

Robert Grunenberg, qui vient d’avoir 39 ans, aborde ouvertement des questions qui ne sont souvent délibérément pas posées dans son secteur. Par exemple, comment les jeunes galeristes se financent réellement. Sans un bon coussin, s’imposer sur le marché, qui permet non seulement aux artistes de gagner leur vie, est un défi. Il a contracté un emprunt privé pour démarrer son entreprise : 300 000 euros. La croyance dans le succès était-elle plus grande que la peur du risque ?

« Avec le recul, contracter un prêt aussi important était assez fou », dit-il dans une interview. D’autant plus qu’il ne pouvait pas savoir que Corona arriverait la deuxième année. Mais il s’est bien vendu dès la première exposition.

Notamment avec Jan Zöller et ses impressionnantes peintures entre abstraction et figuration. Mais les choses ont également bien commencé avec Sonja Yakovleva. Les travaux étaient bon marché, de l’ordre de 1 000 à 6 000 euros. Aujourd’hui, les grandes images coûtent jusqu’à 30 000 euros.

L’artiste possède ce que les économistes d’entreprise appellent USP ou « Unique Selling Proposition », un argument de vente unique : dans le secteur de l’art, la reconnaissance est un avantage. Yakovleva est très productive, elle réalise des découpages de papier qui rappellent les bandes dessinées, mais aussi des gravures sur bois. Ses motivations sont conflictuelles et révélatrices. Ornementalement aliénés par la technologie, ils ne semblent pas superficiellement pornographiques.

«Nous avons vendu de nombreuses séries», explique Grunenberg, «non seulement à des collectionneurs privés, mais aussi à des institutions telles que le Kunstmuseum Stuttgart et la Landesbank Baden-Württemberg. La réputation des jeunes artistes est particulièrement importante lorsqu’ils sont achetés pour des collections publiques.» .

Le galeriste Grunenberg : « J’ai très bien vendu Fetting »

La collaboration avec le peintre plus âgé et célèbre Rainer Fetting en valait également la peine. Pour les deux. Fetting était l’un des New Wild Ones dans les années 1970. Presque oublié, il a su reprendre la tendance actuelle de la figuration gestuelle avec sa peinture expressive.

“Pendant les années Corona, j’ai réussi à très bien vendre Fetting”, raconte Grunenberg, “les gens couraient après ses tableaux à des prix allant jusqu’à 100 000 euros”. Et l’artiste « a partagé cinquante-cinquante ». Il s’agit de l’accord traditionnel, mais rarement écrit, selon lequel 50 pour cent des recettes d’une œuvre d’art reviennent à l’auteur et 50 pour cent à la galerie.

Grunenberg est toujours en train de rembourser son prêt. La plupart de ses revenus sont investis dans la galerie. Après avoir déménagé il y a quelques semaines, il réside désormais dans la Kantstrasse à Charlottenburg, non loin de la sophistiquée Savignyplatz et du « Paris Bar », incontournable dans le monde de l’art berlinois.

La galerie a du succès, dit-il, et – inhabituelle par le charme discret de la bourgeoisie culturelle – elle le montre aussi : le nom du galeriste est inscrit en lettres de cuivre rétro-éclairées au-dessus des vitrines à travers lesquelles on peut actuellement regarder l’exposition du jeune peintre Filip Henin.

Le peintre américain Brandon Lipchik est une « vache à lait » – chaque galerie a besoin dans son programme d’artistes dont le produit des ventes sûr offre la liberté de montrer des positions risquées. Il a aussi clairement un USP. Ses motifs homoérotiques tendance, retouchés à l’aérographe, proviennent clairement de l’imagerie numérique. Et ils se vendent avec succès.

Cela permet également à Grunenberg de participer (et d’accroître sa réputation) à des salons tels que Art Brussels et Art Cologne, qui peuvent générer des coûts dans la fourchette élevée à cinq chiffres. A Cologne, il a pu vendre deux tableaux de Lipchik au couple de collectionneurs new-yorkais Susan et Michael Hort pour 40 000 euros chacun, ainsi que des œuvres de Yakovleva, Henin et de l’artiste Kensise Anders, qui crochete ses tableaux.

Les « peintures sur panneaux » formellement innovantes et décoratives dominent le programme de la galerie, même si elle a connu un succès sur Instagram il y a deux ans avec, entre autres, des sculptures en aluminium photogéniques de Stefan Knauf. « Je pense que le marché de l’art, c’est la peinture, la peinture, la peinture. Ensuite, rien ne se passe pendant longtemps.

Mais avec sa sélection, il a pris une décision personnelle et non stratégique, a déclaré Grunenberg. Cependant, des études sur le commerce de l’art, comme celles récemment présentées par Art Basel, prouvent que les galeristes ont raison dans cette optique.

«J’aime être un homme d’affaires. La galerie est une vente au détail. Nous devons et voulons réussir commercialement avec les artistes que nous soutenons et développons. » Les ventes sont une preuve d’émancipation sur le marché. “Mais en même temps, nous sommes une plateforme pour des choses qui ne sont pas marchandisées et pour des échanges culturels.”

C’est ainsi que Robert Grunenberg explique les deux facettes du métier de galerie. “C’est là que réside le sens.” Elle a le sentiment qu’elle – et les questions controversées qu’elle souhaite soulever avec son travail artistique – sont prises au sérieux depuis qu’elle a pu vendre ses œuvres.

Mourir Exposition avec des peintures de Filip Henin se déroule jusqu’au 21 décembre 2024.