Oscars, succès au box-office – et art et essai, cinéma de genre expérimental

En 1972, le cinéma américain s’embrasait de l’énergie de ce qu’on appellera plus tard “Le nouvel Hollywood”. Il s’agissait d’un groupe de réalisateurs qui apportaient une sorte de cinéma radical au cinéma grand public – des films avec de gros budgets, un contenu énervé et une politique transgressive, le tout pour un public de masse.

Certains d’entre eux – Francis Ford Coppola, Peter Bogdanovich, William Friedkin – ont même tenté de démarrer les leurs Studio d’art et d’essai américain à San Francisco au début des années 70, réalisant leurs films loin des dirigeants du studio.

Avec l’audace d’une jeunesse relative de leur côté, ils voulaient faire tomber l’ancien système et refaire Hollywood.

Au premier rang de ces réalisateurs se trouvait un jeune Friedkin, qui a fait irruption sur la scène hollywoodienne avec son drame policier brûlant, The French Connection. Sorti en 1971, le film a galvanisé le public, changé le paysage du réalisme de genre hollywoodien et remporté cinq Oscars, dont celui du meilleur film.

J’ai une affiche géante (un original de 1971) de The French Connection sur le mur de mon bureau. Outre les magnifiques affiches, cela me rappelle ce que cette ère du cinéma visionnaire a réalisé en si peu de temps.

Mais Friedkin était aussi ce quelque chose de spécial, même parmi les Jeunes Turcs du Nouvel Hollywood. Il est resté une quantité inconnue, même s’il a connu un succès au box-office grand public. Le réalisateur prolifique est décédé à 87 ans, un mois seulement avant son maintenant film final sera présenté en avant-première au Festival international du film de Venise.

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Fascination artistique durable

Le réalisme austère de The French Connection n’aurait pas dû fonctionner avec la procédure policière. Friedkin joue le thriller comme quelque chose de tiré de la Nouvelle Vague française, disons le glorieux Le Cercle Rouge de Jean-Pierre Melville de 1970.

The French Connection a été suivi par peut-être le film le plus notoire des années 1970 à Hollywood : L’Exorciste (1973). Le histoires racontées à propos de la course gargantuesque du film dans les chaînes de cinéma hollywoodiennes sont légendaires : des spectateurs fuyant des salles incapables d’en supporter le contenu, criant à propos de l’intensité des images du bien et du mal.

L’Exorciste reste l’apothéose de l’horreur chrétienne, mille fois imitée au cours des décennies qui suivirent. Lors de sa sortie originale, le film a pris plus de 190 millions de dollars américains avec un budget de 11 millions de dollars, cimentant la place de Friedkin dans le panthéon des cinéastes visionnaires du New Hollywood.

Alors que Spielberg, Coppola et Scorsese ont trouvé leur place dans l’industrie hollywoodienne grand public, Friedkin est resté le enfant terrible et quelque chose d’étranger.

Aux côtés d’autres réalisateurs tels que Brian De Palma et son ami de longue date Bogdanovich, Friedkin a assuré au public qu’Hollywood ne perdrait pas son emprise ténue sur l’art et essai, le cinéma de genre expérimental.

Le style de Friedkin était systématiquement non conventionnel. Son matériel a repoussé les limites du système hollywoodien classique, traversant cette frontière entre le courant dominant et l’indépendance.

Comme tant d’autres auteurs du New Hollywood, la production de Friedkin après le chef-d’œuvre de 1980, Cruising, est inégale.

Il y a eu des ratés, comme The Guardian (1990) et Rules of Engagement (2000), et Friedkin montre son malaise face à la contrainte esthétique et politique d’Hollywood dans le thriller érotique Jade (1995).

Mais il existe de nombreuses œuvres des 40 dernières années de fascination artistique durable : le synthé To Live and Die in LA (1985), qui sert de modèle à Collateral (2004) de Michael Mann ; Jade, la tentative de Friedkin en 1995 de surpasser Basic Instinct (1992) de Paul Verhoeven, un plaisir pervers précisément pour son irrégularité maniaque ; et le drame domestique stylisé et hyper-violent de 2011, Killer Joe.

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Mon top cinq personnel

Je veux clore cette réflexion avec mon top 5 de William Friedkin, que je revisiterai la semaine prochaine :

5. Vivre et mourir à Los Angeles (1985)

Si The French Connection est la quintessence du film New York Crime, To Live and Die in LA est du pur Los Angeles. C’est graveleux, oui, et violent; mais le film respire la fraîcheur et, malgré sa relative obscurité, a eu une influence majeure sur une nouvelle génération de cinéastes de genre.

4. Sorcier (1977)

De nombreux commentateurs sur la carrière de Friedkin considèrent Le Sorcier comme le dernier grand film d’auteur de Friedkin. Bien sûr, ce n’est pas mon avis (voir ci-dessous). Mais il est vrai que Sorcerer (une sorte de remake du merveilleux Salaire de la peur d’Henri-Georges Clouzot de 1953) reste un film étonnamment expérimental dans le Hollywood de la fin des années 1970.

Il a explosé au box-office (ouverture un mois après Star Wars !) et jeter Friedkin en tant que directeur peu fiable.

3. Croisière (1980)

Cruising – un film sur un tueur en série au sein de la sous-culture homosexuelle de New York – a-t-il été annulé ? Je ne sais pas. J’espère tellement désespérément que non.

Quel thriller renversant dans la tradition du cinéma urbain réaliste, mettant en scène l’une des performances les meilleures et les plus déjantées d’Al Pacino. Il est apparu pour la première fois avec une cote X et un gâchis de notoriété. Cela reste un film brillant de cette époque.

2. L’Exorciste (1973)

En termes simples, le jalon qui a apporté l’une des visions artistiques les plus distinctives à une histoire de genre de possession classique.

Adapté du roman de William Peter Blatty (son propre phénomène culturel du début des années 70), Friedkin démontre la manière dont la forme audiovisuelle peut dépasser son matériau source. Pas pour les gourmands !

1. La connexion française (1971)

Même si ce film n’était qu’une seule séquence – la poursuite en voiture/métro à travers les passages souterrains de New York – ce serait un chef-d’œuvre. C’est un montage d’action glorieux avant les excès des hijinks de post-production numérique. Le film suinte un lieu et un temps comme aucun autre film tourné à New York dans les années 1970.

L’un des meilleurs films jamais réalisés par un studio hollywoodien.