Plutôt efficace, estime le quotidien Junge Welt du 28 mai 2024

Pendant un certain temps, il a semblé que la Symphonie n° 7 en do majeur, op. 60 de Chostakovitch, allait être victime de la guerre d’Ukraine en Allemagne. Une symphonie soviétique de 1941 axée sur la défense de Léningrad et la lutte contre le fascisme ? Par exemple, les responsables du Konzerthaus de Berlin ont découvert cette offensive peu après l’extension des combats en Ukraine en février 2022. Ils ont remplacé l’œuvre par la 5e Symphonie, moins délicate.

Mais la « Symphonie de Leningrad » est désormais de retour dans les salles de concert. Les organisateurs sont plus sensés que ces politiciens qui, le jour anniversaire de la libération, le 9 mai, ont fait arborer à leurs policiers des symboles soviétiques. Le programme de la Philharmonie de Berlin énumère les problèmes auxquels Chostakovitch a été confronté à l’époque stalinienne. Cependant, il présente correctement la symphonie comme une œuvre qui représente sa contribution à la défense en temps de guerre, et renonce à la réinterprétation courante et commode selon laquelle elle est généralement contre le totalitarisme. Quatre-vingts ans après la libération de Leningrad du blocus allemand, le magazine évoque également le million de morts de faim qui ont été victimes du siège.

L’œuvre a été conçue pour le moment. Chostakovitch l’a terminé après son évacuation de sa ville natale. La première à Kuibyshev fut suivie par la première à Leningrad en août 1942 par un orchestre d’urgence qui avait utilisé des rations spéciales pour rassembler des forces pour ce travail de grande envergure. En signe de résistance, le concert fut diffusé par haut-parleurs non seulement dans toute la ville, mais aussi dans les tranchées des assiégeants allemands. Peu de temps après, l’œuvre fut entendue en Grande-Bretagne et aux États-Unis et renforça l’alliance anti-nazie déchirée par le conflit.

Cela s’accompagne d’un pathétique qui a du sens pour ceux qui sont directement impliqués, mais qui peut paraître étrange de loin. Le livret du programme cite le magazine d’information américain Temps, qui disait en juillet 1942 que l’informe de la symphonie correspondait aux masses russes sans structure pendant la guerre. Cette déclaration prouve le racisme des Alliés à l’époque et est également un non-sens musical : la symphonie a une structure claire et compréhensible. Cependant, cela souligne un problème réel : Chostakovitch a conçu le temps musical sur de vastes espaces. Interpréter ce qui est de loin sa plus longue symphonie n’est pas facile.

Yannick Nézet-Séguin utilise diverses méthodes pour structurer le temps. En plusieurs endroits, Chostakovitch compose des agglomérations qui imitent musicalement le bruit de la guerre. Nézet-Séguin, avec l’orchestre, réussit à classer avec précision les volumes et à mettre ainsi l’accent sur les points culminants réels au lieu d’un vacarme constant. Le travail sur les détails instrumentaux est également réussi. Vous n’avez presque jamais entendu autant de détails aussi criards, colorés au point d’être diaboliquement grotesques.

Le choix des tempi est moins convaincant. Même si la durée globale de la représentation est restée dans la fourchette habituelle, les fluctuations au sein des mouvements individuels ont été très importantes. Dans le premier mouvement, Nézet-Séguin a pris si rapidement l’épisode de marche prolongée qui marque les destructions croissantes causées par la guerre que les détails sont devenus flous. Dans le final, après de nouvelles descriptions de la bataille, Chostakovitch ramène la tristesse dans une sarabande presque inaudible afin de transformer ce mouvement en une percée dans la défiance combative. Nézet-Séguin saute le point bas, comme s’il se méfiait d’un passage où il ne se passe presque rien, puis ralentit jusqu’à atteindre un tempo approprié quelques mesures avant la fin.

C’est assez efficace ; et en fait, le public a presque éclaté de joie à l’accord final. Chostakovitch n’a pas rédigé une victoire claire, mais a plutôt fait entendre l’effort qui serait nécessaire en 1941 pour parvenir à cette victoire. Il est à craindre qu’en 2024, de nombreux auditeurs perçoivent encore l’effort comme un spectacle.

La composition avec laquelle le concert a commencé était complètement différente. Le concerto pour piano que Clara Schumann, alors âgée de seize ans, acheva en 1835 est bien plus qu’un simple test de talent. Même si l’instrumentation peut être maladroite par endroits, la forme est originale et le compositeur a destiné le piano à des passages virtuoses et poétiques. Béatrice Rana a illustré ces qualités avec une grande transparence.

Mais aussi beaux que soient le travail et la performance, ils ont été mis de côté par le travail principal de la soirée. En 1835, Schumann aurait pu encore s’appuyer sur la sensibilité humaine et bourgeoise – Chostakovitch dut faire face à la pratique de l’impérialisme un bon siècle plus tard. Quatre-vingts ans plus tard, nous ne sommes pas différents. Clara Schumann décrit les espoirs du passé et – en cas de survie – les possibilités d’un avenir lointain. La puissante « Symphonie de Leningrad », en revanche, est plus contemporaine que jamais.