Comment transformer les émotions personnelles en musique authentique, combinant l’introspection, les techniques instrumentales et l’expérimentation sonore.
Après avoir commencé le thème de l’écriture Dans le dernier article, aujourd’hui, je voudrais poursuivre le sujet en portant mon attention sur un aspect particulier, c’est-à-dire comment rendre notre musique personnelle et raconter une histoire qui parle de nous.
Je déclare en dis que, pour des raisons évidentes, rien de ce que je ne serais pas sur le point de vous dire et ne peut pas non plus être considéré comme un absolu. En fait, chacun de nous est unique, il est donc très probable que, bien que certains sujets puissent vous éclairer, d’autres peuvent être complètement indifférents à vous. Mes parents veulent être juste des conseils simples, le Faire la réflexion Ce qui, avec un engagement et un pincement de chance, vous aidera à trouver votre chemin.
Cela dit, je voudrais diviser cet article en deux parties, en traitant avant les concepts qui m’ont aidé à entrer en contact avec le mien plus individualité Et puis des techniques stylistiques et de guitare qui m’ont permis de m’exprimer au mieux.
Peut-être que vous vous demandez ce que j’entends par “entrer davantage en contact avec mon individualité” … eh bien, je me réfère à cet état dans lequel, grâce à une pensée, une image ou une mémoire, nous entrons en contact étroit avec nos émotions.
Une fois que vous avez entré cette «taille» particulière de notre moi, nous devons simplement collecter les sensations que nous trouvons et essayer de les transmettre au monde extérieur, de les concrétiser dans notre art.
Dans mon cas, l’expédient que j’ai le plus utilisé pour l’atteindre était la réaction dans mon esprit d’un épisode passé qui me tient particulièrement à cœur ou qui m’a marqué considérablement.
La question suivante pourrait être quelque chose comme: “Mais je ne sais pas comment entrer en contact avec mon ego! Comment puis-je faire?».
Ainsi, au fil du temps, j’ai trouvé deux alternatives qui semblent m’aider à atteindre ce but en temps relativement court, c’est-à-dire en marchant au milieu de la nature et en méditant. Évidemment, je ne fais pas référence à des promenades au kilométrage ou à des méditations d’une heure ou plus (bien sûr, je n’ai rien contre ceux qui font cela, en fait, s’ils sont remarqués que cela vous aide dans ce processus mieux comme ça!), Mais suffisamment pour marcher environ vingt minutes ou fermer les yeux pendant un court laps de temps pour libérer l’esprit et essayer d’écrire.
Malheureusement, ce processus n’est pas infaillible et il ne m’aide pas toujours à entrer dans l’état souhaité, mais j’ai remarqué deux conditions dans lesquelles, inexplicablement et pour être indépendamment de tout, je peux composer de manière plus efficace: il doit y avoir peu de lumière et je dois me retrouver dans un environnement relativement silencieux.
Parfois, même, il y a des cas dans lesquels vous entrerez en contact avec vous-même avant même de le réaliser: cela se produit dans les rares cas dans lesquels, après un événement particulier, nous changeons complètement et soudainement notre état émotionnel.
Ces quelques fois où je m’arrivais, cela suivait des événements négatifs, mais je connais des gens qui, plutôt, parviennent à réaliser cet état qu’après avoir vécu des moments d’euphorie complète.
Quant à l’aspect technique, c’est-à-dire la transformation de l’idée dans la musique, j’ai trouvé dans l’accord-mélodie de ce qui, pour le moment, représente le moyen le plus réaliste et le plus libre d’extérioriser mes idées. Pour ceux qui ne savent pas le moins de quoi ils parlent, c’est une technique dans laquelle l’harmonie et la mélodie sont jouées simultanément, consistant en l’utilisation de l’expression des accords dans lesquels la voix du chant, également définie comme “Notes Top”, reproduit le motif de la chanson.
Certains des artistes auxquels je m’inspire sont Mateus Asato, Scott Henderson e Casper Hejlesenmais aussi le très italien Icardi et Massette chrétienne.
Cependant, il y a un “mais” car cette technique présente des limitations par rapport au “single qui ne joue pas”: devoir jouer les accords, nous nous trouvons souvent impossibles d’utiliser des techniques expressives, telles que la flexion et vibrer, pour enrichir notre mélodie et, bien que dans les chansons lentes, dans lesquelles le thème présente principalement 1/4 notes ou plus de notes.
Mais ne désespérez pas, car il existe des solutions qui pourraient vous aider à soutenir la mélodie, sans avoir à jouer à 3 ou 4 éléments obligatoirement:
- Cela ne semble que deux notes: Dans une approche de la mélodie d’accords, il y a deux notes principales qui donnent le caractère souhaité au thème de la chanson, ou la note supérieure et la note la plus sérieuse. Tout le reste contribue à enrichir l’harmonie, mais sans ces deux-là, nous n’allons nulle part, donc, si je devais vous trouver en difficulté avec l’interprétation de la mélodie, essayez cette approche et voyez où elle vous apporte.
- Utilisez les troisième et sixième intervalles: En réalité, ce conseil s’étend à tous les intervalles, mais j’ai remarqué qu’en particulier les troisième et sixième sont très utiles par rapport aux autres dans les passages les plus rapides, car ils vous permettent de faire ressortir les notes de tête sans perdre la douceur des mouvements.
- Utilisez des cordes vides: Là où l’ombre le permet, la corde jouée vide, en plus d’avoir à mon avis un son clairement plus beau et défini des notes, est utilisable comme un Joker, car il vous permet de trouver des solutions plus riches sans avoir à utiliser un doigt de la main gauche (ou à droite, pour l’accident).
- Expérimentez les effets de retard: La réverbération et le retard sont excellents pour donner à l’auditeur un sentiment de remplissage même si vous ne jouez qu’une note et, en outre, ils créent un beau “halo” de son qui enveloppe la mélodie, lui donnant un personnage plus mélancolique ou rêveur, basé sur le personnage de la chanson.
- Alterna il unique jouant à la mélodie de la chorde: Parfois, la meilleure alternative à enrichir une ligne est … Ne l’enrichissez pas du tout! Les moments alternés dans lesquels la mélodie s’accompagnent des accords avec les moments où il reste isolé, aide non seulement à faire ressortir les thèmes les plus importants, mais peut être utilisé pour changer son intensité et rendre la pièce que nous jouons plus dynamique.
Pour conclure que je voulais partager avec vous “Mind Soumis”La seule chanson de mon album en ligne et que j’ai eu le plaisir d’enregistrer le conteneur de salle audio avec Leonardo Fortini et Angelo Camasso, respectivement basse et batterie, dans laquelle vous pouvez trouver certains des conseils ci-dessus.
Je vous rappelle que tout ce que j’ai dit dans cet article est le résultat de mon expérience personnelle et ne doit pas être considéré comme l’oracle, donc expérimentant, expériences et expériences jusqu’à ce que vous ayez trouvé votre chemin!
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