Fais attention. Une exposition tonitruante et passionnante du grand peintre américain Robert Colescott (1925-2009) débarque au New Museum, à délecter et décortiquer. “L’art et la race comptent: la carrière de Robert Colescott” est la première exposition muséale de l’œuvre implacablement provocatrice de cet artiste à être vue à Manhattan depuis Exposition de 1989 (également au New Museum) et le plus complet à ce jour. Il révèle un homme qui a finalement réussi à fusionner ses propres démons privés sur la race avec les démons publics de son pays, créant ainsi l’un des corpus d’œuvres les plus convaincants, à la fois personnels et socialement pertinents de la peinture américaine du XXe siècle.
Tendu et soigneusement façonné, le spectacle retrace la trajectoire héroïque de Colescott du début à la fin, un mélange nerveux d’abstraction et de trompe-l’œil pendant ses années de premier cycle à un humanisme sardonique à la fois accusateur et optimiste.
En tant que Noir américain à la peau claire qui a été élevé pour passer pour un Blanc – voulant, dira-t-il plus tard, «appartenir au mauvais club» – Colescott n’a embrassé sa noirceur artistiquement qu’au milieu des années 1960, à 40 ans.
Après 1968, il a réalisé très peu de peintures qui ne faisaient pas référence à la race et au racisme de manière à surprendre, séduire, élucider, amuser et horrifier. Adoptant un expressionnisme burlesque, il a trafiqué les stéréotypes et la caricature des Noirs et des Blancs, reformulant souvent des chefs-d’œuvre occidentaux avec des sujets non blancs. Ils étaient antiques et sauvagement satiriques. En eux, la race était la première parmi les sujets égaux qui comprenaient le genre, l’histoire américaine, le sexe, la religion, le consumérisme et le jazz, ainsi que de grandes doses de culture populaire – c’est-à-dire la publicité, la littérature, les films, les produits comestibles et leurs mascottes, comme le colonel Sanders. .
Ses points ont été mis en avant par sa palette brûlante (rose vif, magenta et un bleu céruléen vibrant) et son coup de pinceau vigoureux, à la fois magistral et bâclé. En 1990, il écrivait qu’il faisait « de grands tableaux sensuels. C’est le premier impact que les gens obtiennent. Ils entrent et disent : ‘Oh wow !’ Et puis, ‘Oh [expletive]’ quand ils voient ce qu’ils ont à traiter dans le domaine. C’est un coup de poing « un-deux » intégré ; ça les attrape à chaque fois.
Peut-être plus important encore, Colescott a contribué à la résurgence de la peinture figurative qui a commencé dans les années 1970 et se poursuit à ce jour, en particulier chez les artistes noirs. Il s’est d’abord fait connaître en tant qu’appropriateur en série au milieu des années 1970 – devant les artistes de la Pictures Generation et les néo-expressionnistes.
Il est né à Oakland, où ses parents (qui se sont identifiés comme créoles) ont déménagé de la Nouvelle-Orléans en 1919, au début de la Grande Migration. Il a obtenu son diplôme de premier cycle à l’Université de Californie à Berkeley en 1949, et après avoir vécu brièvement à Paris et étudié avec Fernand Léger, il est revenu pour son diplôme d’études supérieures. En 1955, il a accepté un poste d’enseignant d’art au collège à Seattle, puis au Portland State College en 1957. (Il a enseigné dans des collèges et des universités pendant la majeure partie de sa vie, prenant sa retraite en 1995). Au cours de ces années, il a trié autour des influences des peintres figuratifs de la Californie du Nord – Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff et surtout Joan Brown.
L’éveil racial de Colescott a commencé par deux séjours au Caire, une résidence en 1964 et un poste d’enseignant en 1966-67. Vous pouvez voir l’effet de l’art égyptien antique dans le premier grand tableau de cette exposition, “We Await Thee” (1964), dans lequel des nus féminins semblent émerger d’un talus de pierre. Leurs tons de peau variés, ainsi que leurs corps et leurs visages littéralement divisés, moitié noirs et moitié blancs, deviennent fréquents dans le travail de Colescott, reflétant peut-être ses tensions autour de l’identité raciale ainsi que de la nation dans son ensemble.
Ensuite, Colescott a revendiqué les couleurs saturées du peintre figuratif noir Bob Thompson dans ses «Nubian Queen» (1966) et «Dr. Ehrlich’s Magic Bullet » (1968), qui semblent peuplés de fantômes rouges ardents. Colescott s’est taillé une place dans le Pop Art avec des peintures comme “Bye, Bye, Miss American Pie” (1971), qui met en scène une blonde nue au-dessus d’un GI noir avec un fusil M16 fumant.
Ses deux peintures les plus célèbres, toutes deux de 1975, sont ses appropriations les plus simples : “Eat Dem Taters”, un envoi en noir de “The Potato Eaters” de van Gogh et “George Washington Carver Crossing the Delaware : Page From an American History Textbook”. qui transforme la représentation d’Emanuel Leutze de George Washington, se dirigeant vers la victoire, en une réalisation noire, rendant hommage à l’un des grands éducateurs américains. (En 2021, le Peinture de sculpteur vendue aux enchères pour 15,3 millions de dollars à George Lucas pour son Lucas Museum of Narrative Art à Los Angeles.)
De Carver, Colescott a observé en 1990, “La subversion de cette icône, une image quasi religieuse à laquelle tout le monde s’incline et croit – mais à laquelle personne ne pense – semblait être une bonne idée, une nouvelle vie pour une vieille chaussure.”
Les deux œuvres sont accrochées dans la galerie centrale de cette exposition, charnières cruciales entre les premiers efforts de recherche de l’artiste et ses magnifiques œuvres tardives. Ces peintures jettent un gant à la fois au monde de l’art et au monde universitaire, mais ne sont que le début. S’il y a une chose que Colescott n’a pas faite, c’est de rester immobile.
En 1979, Colescott a commencé à s’orienter vers des formes d’appropriation plus nuancées dans “La beauté est dans l’œil du spectateur”, qui montre l’artiste dans son atelier, peignant une copie de “Danse” de Matisse mais distrait, comme par la réalité, sous la forme d’un modèle vivant qui se déshabille.
L’une des premières peintures les moins connues et les plus grandes de l’exposition est “L’épave de la Méduse” de 1978, qui nous emmène au-delà du chef-d’œuvre de Géricault, « Le Radeau de la Méduse », à la désintégration du radeau en mer – une magnifique étendue de bleu sous une étroite bande de ciel rose et bleu. Dansant dans les vagues, un homme noir nage vers une dame blonde d’Avon, une bouée de sauvetage, un bébé emmailloté (Moïse ?) à la dérive dans un panier, et en dessous, l’artiste lui-même près d’une bouteille d’alcool.
Une vision humaniste plus large mais néanmoins lucide de la vie s’installe dans les deux dernières galeries de l’exposition, avec des œuvres de la fin des années 1980 et des années 1990. Encombrés de personnages d’époques, de cultures et de récits différents, ces tableaux deviennent presque lyriques. Les gens avancent et se superposent comme si Colescott pensait au cubisme.
Ces assemblages fantasmagoriques sont palpitants, tragiques et à la fois lisibles et mystérieux. Dans “School Days”, un athlète noir pointe une arme de poing sur nous et, de l’autre côté, un homme noir blessé à la poitrine. Une femme noire furieuse aux cheveux violets (blanc du ventre vers le bas) domine l’action.
Colescott veut que nous comprenions une partie de ce qui nous a amenés à ce point, comme le suggère sa série “Knowledge of the Past Is the Key to the Future”. L’un d’eux est “Matthew Henson et la quête du pôle Nord” (1986) qui met en scène un explorateur noir américain, une femme blanche nue avec la tête coupée d’un homme noir sur un plateau – Salomé et le martyr Jean-Baptiste ; une Vénus noire enchaînée et son gardien mâle blanc lorgnant ; et une femme dont le visage est à moitié noir et à moitié blanc. Dans le coin inférieur gauche de cette œuvre – dans l’un des meilleurs moments de peinture de l’exposition – un portrait d’un chef amérindien est esquissé, indiquant l’immensité des péchés de l’Amérique blanche.
Colescott, décédé en 2009 à 83 ans, n’a jamais cessé de se développer. Dans certaines de ses peintures finales, il a ajouté différents modes de représentation, le plus efficacement des figures décrites dans des combinaisons de noir et de magenta. Dans “La beauté n’est que superficielle”, ce qui semble être un couple noir enlacé offre l’un des moments les plus paisibles et romantiques de la série. Mais regarde bien. L’homme couvre les yeux de la femme; un visage blanc caricatural, peut-être celui de Betty Boop, est confronté à une carte de l’Afrique qui est aussi une tête de femme, et un homme noir semble tenir sa tête dans des mains blanches. Les peintures de Colescott continuent de rendre les gens nerveux, en particulier dans les enclaves côtières du monde de l’art. En 1997, lorsqu’il devient le premier artiste noir à représenter les États-Unis à la Biennale de Venise avec une exposition personnelle, celle-ci trouve son origine au Site Santa Fe et au Musée d’art de l’Université d’Arizona, à une certaine distance de ces enclaves.
De même, l’exposition actuelle a été organisée par le Centre d’art contemporain de Cincinnati, et le conservateur indépendant Matthieu Wesley, auteur d’une prochaine monographie sur Colescott, et l’historien et conservateur Lowery Stokes Sims, qui écrit sur le travail de l’artiste depuis des décennies. Avec Raphaela Platow, directrice et conservatrice en chef du centre des arts de Cincinnati, le couple a orchestré un somptueux catalogue dans lequel nous entendons Colescott (un excellent écrivain érudit), sa famille et ses amis ainsi que des professionnels exceptionnellement astucieux.
Après avoir voyagé à Portland, Oregon, Chicago et Sarasota, Floride, le spectacle est arrivé à son dernier arrêt au New Museum, qui ne figurait pas sur l’itinéraire initial. Il est embarrassant que l’un des principaux musées de New York n’ait pas été impliqué dans cette entreprise dès le départ, surtout compte tenu de ses aveux de se diversifier sur tous les fronts après le meurtre de George Floyd. Mais heureusement pour la ville, pour la refonte continue de l’histoire de l’art américain et pour les jeunes artistes des cinq arrondissements, le spectacle Colescott est là, et une dette de gratitude est due au New Museum.
L’art et la race comptent : la carrière de Robert Colescott
Jusqu’au 9 octobre, New Museum, 235 Bowery, Manhattan, 212-219-1222 ; newmuseum.org.
