Bière de dessin animé met à l’honneur les courts métrages d’animation qualifiés pour les Oscars 2025.
Dans cet épisode, nous examinons Tennis, Oranges du cinéaste américain Sean Pecknold. Le court métrage a obtenu sa qualification aux Oscars en remportant le prix du jury du court métrage au New Hampshire Film Festival.
Alors qu’un robot aspirateur dans un hôpital pandémique abandonne son travail répétitif, Tennis, Oranges suit ce protagoniste particulier alors qu’il se rend dans le quartier chinois à la recherche d’un sens. Là, le vide se lie d’amitié avec un lapin prisonnier de sa propre répétition. Grâce à cette rencontre fortuite, notre personnage robotique découvre une communauté et un but au-delà de ses routines de nettoyage programmées dans ce court métrage émouvant en stop-motion.
Bière de dessin animé : Pourquoi avoir choisi les lapins pour incarner les personnages très humains de l’histoire ?
Sean Pecknold.
Sean Pecknold : J’ai toujours aimé les histoires anthropomorphes. Navire vers le bas était l’un de mes livres préférés quand j’étais enfant, ainsi que Redwall, lapin de velours, vent dans les saules, Roald Dahl, Narnia, etc. Je pense que lorsque mon imagination se formait, j’étais attiré par le type d’histoires dans lesquelles il n’y avait pas de grande différence entre un personnage humain, un personnage animal ou un personnage spirituel d’ailleurs. Pour moi, cela permet une expansion de la réalité afin que le spectateur puisse ressentir les émotions d’une nouvelle manière, et ne pas se laisser trop distraire par les détails ou les spécificités des humains.
Je pense que parfois, en images de synthèse et en stop motion, il peut y avoir l’inévitable « vallée étrange » où les dessins d’un personnage humain semblent proches, mais pas assez proches. Avec les animaux anthropomorphes, vous n’avez pas nécessairement à lutter contre cette réalité. C’était aussi une façon de simplifier et de vous concentrer sur quelque chose d’un peu plus indulgent, tout en nous donnant suffisamment de détails expressifs pour que vous vous souciiez d’eux.
En fait, dans le scénario original, le personnage du robot aspirateur était un lapin anthropomorphe grandeur nature qui travaillait à l’hôpital, mais cela semblait trop réel et trop cher, alors j’ai décidé de le simplifier au vide. Cela rendait le processus d’animation plus facile, mais je voulais aussi voir à quel point un personnage principal pouvait être simple tout en évoquant un attachement émotionnel. Je pense que l’on peut communiquer des idées universelles lorsque l’on utilise l’abstraction ou que l’on place les émotions humaines dans un nouveau contexte. Cette approche donne au public la possibilité de se connecter d’une manière nouvelle aux thèmes du film.
Qu’est-ce qui vous a touché dans cette histoire ou ce concept et vous a poussé à réaliser le film ?
Lorsque j’ai déménagé pour la première fois à Los Angeles, je me suis senti plutôt déplacé et seul. Un an plus tard, j’ai réalisé que ce qui manquait à ma vie était un espace pour faire des films et essayer de construire une communauté ! J’ai donc loué une ancienne galerie d’art sur Chung King Road dans le quartier chinois. Et j’ai convaincu Adi Goodrich, ma femme et éventuelle décoratrice de Tennis, oranges, pour m’y rejoindre. Nous avons créé notre studio de création Sing-Sing et y avons travaillé pendant quatre ans la plupart des heures et des jours, et avons progressivement rencontré de plus en plus de gens dans la rue.
En 2019, nous avons quitté le studio et avons dit au revoir à nos amis de la rue, dont deux que nous avions vus presque tous les jours depuis quatre ans. La rue est restée avec nous et l’idée d’y créer un court métrage d’animation a continué à germer dans nos esprits. Tout au long de l’année pandémique 2020, nous avons ressenti un sentiment écrasant de perte soudaine et à grande échelle. Même si j’avais déjà terminé le scénario et les storyboards à ce moment-là, j’ai ressenti le désir de créer un film qui explore la recherche de l’amitié, mais qui illustre également un sentiment de libération ou de contentement pour quelqu’un qui approche de son dernier moment. De plus, nous avions récemment réalisé plusieurs films musicaux qui s’appuyaient sur la chorégraphie pour transmettre l’histoire, et j’avais hâte d’étendre cette approche à l’animation – raconter une histoire en utilisant uniquement le mouvement, le son et la musique. Bien que la pandémie ait diminué, nous nous retrouvons désormais au milieu d’une épidémie de solitude, les gens se sentant plus déconnectés que jamais. C’est donc devenu quelque chose que je voulais explorer plus profondément.
Qu’avez-vous appris en réalisant ce film, que ce soit du point de vue de la production, de la réalisation, de la créativité ou du sujet ?
J’ai appris à faire confiance à votre impulsion initiale de faire quelque chose, même si cela semble impossible. Si vous avez une vision pour quelque chose et que vous devez vraiment la réaliser, vous trouverez un moyen de la réaliser, que vous ayez un million de dollars ou dix dollars. Cela peut prendre six mois, trois ans ou dix ans ! Mais l’important est que vous commenciez et que vous continuiez à avancer, en gardant toujours à l’esprit pourquoi vous vouliez faire cette chose en premier lieu.
J’ai appris que notre petit studio (principalement moi-même, Adi et des collaborateurs fréquents) pouvait créer un travail de haute qualité à une échelle très indépendante. Le financement pour les courts métrages d’animation est assez rare aux États-Unis, alors j’ai fini par l’auto-produire, en faisant une partie de l’animation, de l’éclairage, de la cinématographie et de tout le post, ce qui a pris beaucoup de temps, mais cela a permis de réduire les coûts, et aussi a contribué à maintenir le flux de travail contenu et rapide. Nous avons été très précis sur la façon dont nous dépensions le peu d’argent dont nous disposions et nous nous sommes assurés que ce que nous dépensions soit affiché à l’écran. La prochaine fois, j’essaierai certainement de ne pas effectuer moi-même tout le retrait du gréement.
Même si la réalisation du film a été difficile, je suis fier que nous ayons pu tirer des leçons tout au long du chemin, nous adapter si nécessaire, faire appel à de nouveaux collaborateurs pour que le film reste passionnant et, au final, terminer un film que nous étions fier de mettre au monde. Il est réconfortant de savoir que les communautés indépendantes du cinéma et de l’animation continueront à réaliser leurs films, quel que soit leur budget. Ce faisant, nous pouvons montrer qu’il est possible de créer quelque chose de spécial avec moins.
Pouvez-vous décrire comment vous avez développé votre approche visuelle du film ? Pourquoi avez-vous opté pour ce style/technique ?
J’ai travaillé dans tous les styles de stop motion, de la pixilation à l’argile et au verre multi-plans avec des marionnettes en papier, mais j’ai toujours voulu faire un véritable film de marionnettes en stop motion en 3D. Ce qui rend le stop motion spécial, c’est qu’il a une qualité intemporelle qui, je crois, se connecte au spectateur d’une manière différente.
En ce qui concerne l’aspect visuel du film, Adi et moi avions passé tellement d’heures à nous promener dans Chung King Road et à nous imprégner de l’inspiration visuelle, nous avions beaucoup de choses à nous inspirer. Il s’agissait donc davantage de savoir comment traduire l’inspiration réelle en forme miniature, à quoi ressembleraient les couleurs, quelle forme prendrait l’architecture, etc. Adi a développé la palette de couleurs, certaines inspirées de la vie réelle, d’autres à partir de vieilles photographies de les années 1970. Nous essayons toujours de trouver un équilibre entre les couleurs chaudes et froides et de trouver une harmonie lorsque ces tons se soutiennent mutuellement.
Pour le look photographique du film, je voulais créer un look stop-motion qui ressemble davantage à une action réelle. Parfois, le stop motion peut intentionnellement attirer votre attention sur le fait que tout est petit, mais je voulais donner l’impression que ce monde était aussi grand que le nôtre. J’ai donc développé un aspect de cadrage, d’éclairage et de profondeur de champ qui l’a poussé davantage vers le sens de l’échelle de l’action réelle.
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