Tarsila do Amaral, le «cannibale» brésilien qui dévore le Guggenheim de Bilbao

L’emblème du modernisme brésilien, est l’une des grandes figures de l’avant-garde latino-américaine. L’exposition qui a consacré en 2009 le Fondation Juan March C’était un tournant. En 2018 et 2019, ils arriveraient rétrospectifs dans le Moma et au musée d’art de Sao Paulo. Pour le moment, le Royal Academy à Londres Exposent le Brésil! Brésil! La naissance du modernisme », qui comprend des œuvres de Tarsila, Amaral, entre autres artistes. Ses peintures (environ 230), balayez le marché: ‘La lune’ Il a été acquis en 2019 par le MoMA par 20 millions de dollars.

Il atterrit maintenant au Guggenheim Bilbao avec une exposition, «Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne ‘(Du 21 février au 1er juin), organisé par Cecilia Braschi (Géaninne Guérrez-Guimaraes ajoute au projet en Espagne). Organisé avec grand-père – il s’est vu en 2024 au musée du Luxembourg – se rassemble Environ 140 travaux.

Tasila do Amaral (Capivari, 1886-sao Paulo, 1973) Coffee propriétaire foncier. Son grand-père, connu sous le nom de «ou mille», est venu 400 esclaves travailler dans leurs plantations de café. De 1902 à 1904, il était avec sa sœur Cecilia dans le Colegio del Sacred Heart de Barceloneoù il a peint des copies de saints. Et de 1920 à 1922, à Paris, où Julien étudie à Academie. En 1922, la Semaine de l’art moderne à Sao Paulo a été célébrée, où l’avant brésilien -garde explose grâce à un groupe de peintres, de musiciens et d’écrivains, à qui Tarsila serait ajouté plus tard. Avec le peintre Anita Malfatti et les écrivains d’Oswald d’Andrade, Menotti del Picchia et Mario de Andrade forment le Groupe de Lles cinq. Après avoir divorcé d’André Teixeira Pinto, son premier mari, un cousin de sa mère, avec qui elle s’est mariée en 1904 et avec qui elle avait sa fille unique, Sweet, se marierait en 1926 avec Oswald de Andrade.

Comme l’a avoué Tarsila elle-même, 1923 a été une année décisive dans sa carrière. Il revient à Paris, où il pénètre pleinement dans la scène artistique effervescente. Étreindre le cubismequ’elle conçoit comme le «service militaire» de l’artiste moderne («chaque artiste, pour être fort, doit passer par lui»). Il y a trois peintres qui ont eu une influence décisive sur leur formation: André Lhote, Fernand Léger y Albert Gleizes. Aussi, le poète Blaise Cendrars. Code de Tarsila avec l’aristocratie de la Bohême: Picasso, Miró, Cocteau, le Delaunay, María Blanchard … cela dirait dans une classe: “Vous Savez Trop” (“Vous en savez trop”).

Exotique, sophistiqué, cosmopolite (Il parlait français, jouait du piano, il portait de Patou et Poiret), Tarsila éblouit à Paris avec le personnage qu’il a créé, une image qui devient sa propre marque et avec laquelle il illustre la couverture des catalogues de ses expositions: le Hair collecté très garde-robe, les lèvres peintes d’un cramoisi intense et de longues boucles d’oreilles. Ainsi l’auto-Portrait en 1923 et 1924. Le résultat, Una Tarsila a «exotisé»qui fascine dans la capitale française, comme cela s’est produit avec Frida Kahlo aux États-Unis. Les deux autoportraits sont suspendus à l’exposition avec un autre, «Caipirinha», de 1923, dans lequel il est peint de manière cubiste mais en tant que paysan brésilien. Cette dualité entre Paris et Sao Paulo marquerait sa vie et son travail, si complexe. “Un capirinha vêtu de Poiret”. En tant que paysan brésilien vêtu de la couturière française, Paul Poiret, a été défini par Andrade dans le poème «Atelier».

À son retour au Brésil en 1924, Tarsila fait des voyages amaraux à bord d’une Cadillac à travers le pays (Sao Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais) dans le but de reconnecter ses racinesredécouvrir le paysage, la terre, les traditions et trouver son identité en tant que peintre brésilien. «Je veux être le peintre de ma terre. Je suis profondément brésilien »écrivez à votre famille.

Foins Deux absences très importantes Dans l’exposition. D’une part, ‘Abaporu’, Icône et symbole de l’art brésilien et latino-américain. Quelque chose comme «Lisa Mona» du Brésil. La peinture, un cadeau d’anniversaire pour son mari, représente une silhouette avec une petite tête et un corps gigantesque, un cactus et le soleil. La peinture est entre les mains, bien sûr, du collectionneur argentin Eduardo Costantini (l’a acheté chez Christie’s à New York en 1995 pour 1,3 million de dollars, aujourd’hui son prix serait astronomique). Dans le Malba de Buenos, les œuvres clés de l’Amérique latine: Frida Kahlo, Diego Rivera, Leonora Carrington, Remedios Varo … et Tarsila font Amaral. «Abaporu» ne prête pas.

Ils pendent quelques croquis dans les salles de Guggenheim à côté du ‘Anthropophage manifeste’, Publié en 1928 par Andrade Oswald et cela a donné naissance à l’anthropophagie. Ce mouvement est créé autour de «Abaporu», un mot dans la langue indigène Tupi-Guaraní qui signifie «l’homme qui mange l’homme». UN Cannibalisme artistique avec lequel Tarsila a dévoré l’avant-garde européenne en les digérant dans une modernité brésilienne complètement propre.

Ce n’est pas non plus dans l’exposition ‘Le noir’du musée d’art contemporain de l’Université de Sao Paulo. Un travail très demandé. Seuls deux croquis de la peinture suspendus, qui se trouvait au siège parisien de l’exposition. Il y a beaucoup de critiques au Brésil, explique Cecilia Braschi, autour des yeux de cela femme, blanc, riche, cultivé, indépendant (Tarsila) à propos de cette femme noire, qui était apparemment un esclave de l’hacienda familiale qui l’allaiterait. L’esclavage a été aboli au Brésil deux ans après la naissance de Tarsila. Il y a ceux qui voient un look raciste, de la subordination du modèle. «Vous devez repenser la présence des Noirs, et surtout des femmes noires, dans l’art. C’est un débat très actuel. Le musée où il est effectué a fait une nouvelle installation autour du thème des femmes noires dans l’art brésilien ». Le commissaire ne veut pas juger le peintre, Il ne voit pas de “racisme personnel” à Tarsilaqui a un look très «européanisé», mais un «racisme culturel intrinsèque, stéréotypé».

L’exposition ne se concentre pas uniquement sur son temps le plus connu. Il aborde également une scène quelque peu sombre, dans laquelle, après avoir été ruinée avec le Crack de bourse de New York et séparé d’Oswald d’Andrade, voyagez avec son nouveau partenaire (Osorio César, psychiatre et intellectuel de la gauche) URSSS. Il y a une salle dédiée à cette peinture militante, qui va de réalisme social et muralisme mexicain et dont la palette s’assombrit. À côté de la peinture la plus connue de cette période, les «ouvriers», ont accroché des toiles non publiées. Son passage à travers l’Union soviétique l’a emmenée en prison en 1932 à son retour au Brésil, accusée d’avoir exercé un prosélytisme marxiste. Il a été conservé près d’un mois.

De 1933 à 1949 Tarsila tombe dans l’oublid’où il part en 1950. Il a subi la tragédie de la mort de sa fille, Sweet, et sa petite-fille Beatriz. Son dernier partenaire était l’écrivain Luís Martins. La tournée d’exposition se termine par ses dernières peintures, dans lesquelles il revient aux raisons de ses compositions précédentes, mais semble quelque peu perdu. Ils l’ont blâmé de copier ce qu’il a fait auparavant. La fraîcheur de ses œuvres des années 20 n’a plus son travail. Il n’y a pas de tarsila, il y en a beaucoup. C’était une femme, une artiste, toujours déplacée: “ Exotiisé ” à Paris et “ européanisé ” au Brésil.