Théâtre-danse : remise en question de soi

Tout est lent. Très lentement. En ultra ralenti, des pieds parcourent la piste de danse faite de poussière et de vieilles bouteilles en plastique, des bras s’envolent dans les airs. Un ballet mécanique de corps et de regards sur les rythmes martelants du mythique label américain Underground Resistance, la techno issue des ruines de l’industrie ouvrière de Détroit. Un soupçon de fin de l’histoire souffle dans la Sophiensäle de Berlin, où est jouée la pièce de danse “Crowd” de Gisèle Vienne, un hommage étrangement beau et sans avenir.

Seule Florentina Holzinger est actuellement aussi populaire sur la scène artistique berlinoise que Vienne, née en France en 1976. Les deux stars en vogue se sont réunies pour une discussion au Sophiensäle. Alors que Holzinger, avec son esthétique de la nudité et de la drasticité, reste attachée au scénario classique d’avant-garde du passage des frontières, les œuvres de Vienne, comme les films de David Lynch, suivent le registre plus subtil de l’inconscient, du dérangeant et du refoulé. Un expert de l’étrangeté.

Vienne a étudié la philosophie et la marionnette et travaille depuis 25 ans avec sa propre compagnie et avec des stars comme l’écrivain Dennis Cooper et l’actrice Adèle Haenel. Afin d’aiguiser la perception du spectateur des traces de l’inconscient fragile, Vienne utilise des techniques comme le ralentissement extrême ou utilise des musiques fortes et atmosphériques comme les mondes sonores retentissants de Sain O))) ou les synthétiseurs rêveurs de Caterina Barbieri.

Est-ce que c’est de la chance ? Ou s’échapper ?

Dans « Crowd » Vienne prolonge une soirée techno sur une heure et demie, au cours de laquelle 15 danseurs au premier abord ne font que rave. Les costumes dressent un panorama des sous-cultures et contre-cultures de la jeunesse ; ils dégagent un désespoir existentiel. D’un deuxième coup d’œil, pour lequel vous disposez de beaucoup de temps à cette vitesse, un micro-événement complexe de désir se révèle. Qui va où ? Qui repousse qui ? Qui se baigne dans la lumière et qui se tient dans l’ombre au bord ?

Parfois, les danseurs bougent de manière si saccadée que s’ils étaient sous des lumières stroboscopiques. Puis ça coule à nouveau. Un paquet de chips explose, une bouteille de Coca bouillonne. Soudain, un cri strident. La fête devient de plus en plus effrayante. Quelque chose ne va vraiment pas, ça se sent. Ou est-ce que quelque chose s’est mal passé bien avant ? Un mystère qui attise la curiosité détective du spectateur et qui pourtant ne peut être résolu. A la fin tu danses seul, perdu en toi, le monde a disparu. Est-ce que c’est de la chance ? Ou s’échapper ?

À une époque avide de clarté, Vienne rend palpable l’ambiguïté et l’ambiguïté. Elle explore les zones d’ombre sans langage de l’humanité qui restent épargnées par l’idéal moderne de transparence communicative. Tels sont la colère et le désespoir des jeunes qui apparaissent encore et encore dans la « foule » apparue en 2017 et ailleurs. Ou le traumatique, comme dans ses œuvres ultérieures « L’Étang / The Pond » ou « Extra Life », invitées à la rencontre théâtrale.

Typologie de la perte adolescente

A Berlin, outre « Crowd », on peut actuellement découvrir un autre aspect du travail de Vienne : ses poupées, qui sont mises à l’honneur avec deux expositions. Dans la maison au bord du lac forestier, les poupées grandeur nature sont alignées dans des cercueils en verre, comme dans un conte de fées. Encore cette typologie de la perte juvénile, tantôt présentée dans un look gothique clouté et tantôt en pantalon de survêtement et chapeau Mickey Mouse. Dans la pièce voisine, vous pouvez voir une fête à la maison avec des chips et des sodas, une poupée est allongée sur le sol sur le côté.

Une atmosphère inquiétante s’installe à nouveau. Que s’est-il passé ici ? Les poupées, aux yeux larmoyants, apparaissent au spectateur comme une question silencieuse. Qu’est-ce que tu m’as fait ? Nous savons par les enfants que les poupées doivent endurer toutes les gentillesses, mais aussi toutes les cruautés. Inanimées, mais semblables aux humains (et donc effrayantes, comme nous le savons grâce aux films d’horreur), les poupées sont un double, un double et un miroir de la symbolique.

«Je sais que je peux doubler» est le nom logique de l’exposition du musée Georg Kolbe, où Vienne est mise en relation avec les poupées de l’avant-garde classique du XXe siècle. Le niveau supérieur d’étrangeté est déjà atteint dans la première salle : les poupées sont maintenant sorties de leurs cercueils en verre et se tiennent debout dans la pièce, de sorte qu’il est difficile de les distinguer des visiteurs. Qui appartient au royaume des vivants et qui appartient aux sosies inquiétants.

Dans le coin, il y a une poupée assise sur une chaise de camping, avec une petite poupée avec une jambe tordue et une bouche ensanglantée sur ses genoux. Immédiatement, à nouveau, cette prémonition catastrophique, comme si une poupée racontait quelque chose sur l’autre. Même un masque de monstre avec les dents ensanglantées d’une autre poupée repoussées sur la tête semble soudain être une question ouverte : qui joue à quoi – et pourquoi. Pour le dire avec Carl Schmitt : La poupée est notre propre question en tant que figure. Une remise en question de soi.

Mise en garde contre « l’appropriation culturelle »

Avec les poupées historiques, les visiteurs vivent une expérience étrange avec la didactique du musée la plus récente. Si le texte introductif vante la fluidité et le franchissement des frontières, de petits panneaux à côté des objets soulignent que certains d’entre eux pourraient aujourd’hui être perçus comme racistes en raison d’une « appropriation culturelle », sans entrer plus dans les détails. Est-ce parce que quelqu’un raconte l’histoire du prince Ahmed qui ne s’appelle pas Ahmed ?

Deux jugements contradictoires frappent soudain le visiteur. Mais peut-être faut-il accepter cette sorte de double exposition morale de l’art au sens de Walter Benjamin selon lequel il n’est jamais un document de culture sans être aussi un document de barbarie. Les poupées viennoises sont également liées à cette contradiction, car elles semblent documenter la violence et en même temps – à travers l’aliénation en tant qu’œuvre d’art symbolique – déjà sur le point de la surmonter.

Après avoir vu « Crowd » et les deux expositions, vous savez aussi ce qui distingue Vienne de Holzinger : Holzinger laisse finalement triompher un moi intact, qui se sait également en sécurité lorsque le corps est exposé, violé ou vendu à des fins sexuelles. Cette relation tranquille n’existe pas à Vienne. Pour elle, le moi a toujours été marqué par les incisions de ses propres désirs ou d’autres désirs, qui vont jusqu’à la violence. Et cela vous déstabilise vraiment.

Les expositions avec les poupées de Gisèle Vienne sont visibles à la Haus am Waldsee jusqu’au 12 janvier et au musée Georg Kolbe jusqu’au 9 mars.