Pour la toute première production Centaure en anglais, Myriam Muller adapte “Blackbird” de David Harrower, un huis clos sombre sur la pédophilie et les abus sexuels qui n’hésite pas à explorer des zones grises inconfortables, Muller et ses acteurs refusant avec conviction un trop schématique représentation du sujet.
Une décennie après avoir été abusée sexuellement par un homme de 28 ans son aîné, Una (Jil Devresse) a retrouvé son agresseur. Depuis qu’il a fini de purger sa peine de prison, Ray (Jules Werner) vit sous un autre nom, reconstruit lentement sa vie à partir de rien ou presque – et il s’est assez bien débrouillé pour se retrouver dans un magazine spécialisé, ce qui a permis à Una pour le retrouver et lui rendre visite sur son lieu de travail.
Ray prétend même être dans une relation stable avec une femme d’un an son aînée, si Una (ou, d’ailleurs, le spectateur) doit le croire, la fiabilité des affirmations de Ray sur sa vie réelle étant l’une des questions cruciales de cette pièce courte et poignante où l’on ne quitte jamais le huis clos du lieu de travail de Ray. Avec seulement deux versions concordantes des choses, il semble assez difficile d’établir la clarté sur ce qui s’est passé, même si la nature des abus qui ont eu lieu n’est remise en question ni par Una ni par Ray. Mais il y a des faits, et il y a l’interprétation des faits.
Alors que Ray a déménagé loin, les parents d’Una n’ont jamais bougé, un psy lui ayant dit que rester en ville lui donnerait un sentiment de continuité ou des conseils de manuels aussi débiles sur la façon de faire face à un traumatisme. En conséquence, ses relations avec les hommes ont été difficiles, à la limite du pathologique : elle raconte à Ray qu’elle a eu des relations sexuelles avec plus de 80 hommes, donnant à ses parents, qui voulaient désespérément qu’elle trouve un homme décent, tous les détails anatomiques de sa petite- affaires vécues.
Alors que Ray, un homme adulte, pouvait passer à autre chose, Una n’en était pas capable – parce que cela ne dépendait pas d’elle, parce qu’elle était encore bien trop jeune pour avoir droit à une telle chose comme l’autodétermination. Dans cet écart entre la façon dont les deux ont réagi à ce qui s’est passé entre eux, la nature horrible de celui-ci mijote. Si Una n’hésite pas à confronter Ray à ce qu’il a fait, alors qu’elle ne articule pas ses mots, essayant de faire évaluer son agresseur, ce dernier éprouve clairement des difficultés à s’exprimer, ses phrases très souvent sur le seuil de prononciation, ses infinitifs balbutiés comme un moteur de voiture ayant du mal à démarrer.
Pourtant, sous la surface de ces attitudes contrastées, il se passe beaucoup de choses – il y a de la vulnérabilité et du regret, il y a de la honte des deux côtés et, oui, il y a l’indicible résidu du désir, quelque chose que Harrower, tout en condamnant évidemment la pédophilie, ose parler de, l’auteur et ses deux personnages, incarnés de façon convaincante par Devresse et Werner, explorant les zones d’ombre de ce sujet tabou, Ray insistant constamment sur le fait qu’il n’aime pas leurqu’il a étudié leur comportement, expliquant qu’il n’avait jamais eu d’érection lorsqu’il l’avait rencontrée pour la première fois lors d’un barbecue de quartier, comme si c’était la preuve qu’il était bien intentionné. Et il semble qu’Una, malgré toute sa colère et son scepticisme, veuille presque que ce ne soit pas juste un autre morceau d’auto-illusion dans lequel se parle un de ces hommes malades qui prolifèrent dans la fiction contemporaine.
Briser les tabous
Alors que cette semaine culturelle a été consacrée à des sujets tabous sur la sexualité féminine et le corps féminin – j’ai écrit sur l’avortement dans le cadre de « Good Girls » de Larisa Faber et sur le cancer de l’ovaire dans le contexte tragique de la mort de Mimi Parker –, « Blackbird » semble être le pic sombre. Le jeu commence de dans les médiasson rythme est implacable, viscéral et violent, Devresse et Werner parlant souvent tous les deux en même temps, chacun enfermé dans son propre monde de traumatismes, le seul point de connexion étant leur expérience commune de son abus.
Devresse est tout à fait convaincante en tant qu’Una en colère – elle jette des ordures ou essaie de frapper Werner’s Ray, sa rage dissimulant à peine la tristesse d’une jeune femme qui a été tout aussi endommagée par la honte qui a suivi que par la relation traumatisante. Dans une scène poignante, elle avoue avoir refusé de dire aux policiers qu’il l’avait touchée et comment ils l’ont droguée afin de prélever des échantillons de son sperme à l’intérieur d’elle, son expression oscillant entre la colère, la culpabilité, la honte et quelque chose comme le regret.
Même s’il s’agit clairement de la pièce de Devresse, Werner est bien placé dans son rôle d’homme qui tente d’oublier, de réprimer ce qui s’est passé et qui, entre éclats de violence et moments où il semble criblé de culpabilité, reste suffisamment énigmatique pour laisser jouer jusqu’à la dernière torsion.
L’électropop de Claire Parsons, qui rappelle quelque chose que les Cardigans auraient pu inventer s’ils s’étaient aventurés dans des morceaux sombres et maussades avec des synthés maussades et menaçants, interrompt la pièce à deux reprises, laissant de la place entre les scènes d’une intensité suffocante. S’il est clair que la dernière moitié de la direction tendue, dense et précise de Muller ne souffre d’aucun intermezzi musical, cela semble toujours être une opportunité gâchée que Parsons n’ait pas été impliquée davantage par conséquent, ses fragments de chanson se balançant presque comme un câble en attente être branché.
Enfin, la mise en scène d’Anouk Schiltz sacrifie le spectaculaire au profit d’une scénographie froide, efficace et simpliste. Alors que sa dernière œuvre pour Centaure, l’adaptation d'”Ensemble” par Marja-Leena Junker, jouait sur le contraste entre la scénographie cosy et la tristesse de vivre avec un fils handicapé mental, le cadre minimaliste du lieu de travail austère de Ray – les murs sont en tôle ondulée fer, il y a des déchets partout et la pièce maîtresse du décor est une poubelle en plastique surchargée – reflète parfaitement l’atmosphère troublante de ce qui se déroule sous nos yeux : un règlement de comptes entre deux individus marqués par un traumatisme qui laisse sombrement entrevoir, vers sa fin, l’impossibilité d’une résolution et d’un pardon.
La pièce est visible au Théâtre du Centaure les 16, 18, 23 et 25 novembre à 20h00 et les 17, 20, 24 et 27 novembre à 18h30
