Un film assez imparfait, malgré ses nombreux plaisirs : NPR

Comme À l’envers 2 commence, les choses s’améliorent pour Riley, l’enfant passionnée de hockey qui a déménagé avec ses parents du Minnesota à San Francisco dans le premier Inside Out. Elle s’est adaptée à sa nouvelle vie, à son école et à ses amis, et ses cinq émotions personnifiées – qui partagent le siège technologique de son cerveau – ont appris à travailler ensemble dans une relative harmonie. Joy, exprimée par Amy Poehler, est toujours principalement aux commandes, mais maintenant elle et Sadness – l’incomparable Phyllis Smith – forment une excellente équipe, avec les autres émotions clés, la colère, la peur et le dégoût.

Mais maintenant, Riley a 13 ans, ce qui signifie des boutons, des poussées de croissance et une vie émotionnelle beaucoup plus compliquée. Le réalisateur Kelsey Mann, qui succède à Pete Docter dans le premier film, dramatise intelligemment le début de la puberté comme un énorme bouleversement pour Joy and Company, qui ne sait pas pourquoi leur routine habituelle provoque soudainement des sautes d’humeur folles à Riley. Il s’avère qu’une nouvelle émotion a rejoint le quartier général : l’anxiété, exprimée par une formidable Maya Hawke.

L’anxiété a entraîné sa propre équipe d’émotions. Ce sont essentiellement les trois E : Envy, Ennui et Embarrassment, exprimés par Ayo Edebiri, Adèle Exarchopoulos et Paul Walter Hauser. Une partie de cela met à rude épreuve la crédibilité conceptuelle : ce n’est sûrement pas la première fois de sa vie que Riley éprouve certains de ces sentiments. Mais cela fait partie du plaisir fantaisiste du À l’envers films : C’est amusant de sentir son propre cerveau se disputer sur la façon dont il est représenté. C’est aussi amusant de voir de nouvelles régions du paysage mental de Riley, comme le ravin géant qui alimente son côté méprisant – naturellement, cela s’appelle le gouffre du Sar.

L’histoire démarre lorsque Riley est envoyée dans un camp de hockey d’élite de trois jours, où elle est obligée de prendre des décisions difficiles, comme rester avec ses deux amis les plus proches ou passer du temps avec les enfants plus âgés et cool. Alors que la pression sur Riley augmente et que la concurrence devient plus féroce, c’est Anxiety qui apparaît comme le méchant du film.

Hawke fait un excellent travail en rendant la routine polie du personnage un peu plus ennuyeuse – et sinistre – dans chaque scène. L’anxiété provoque essentiellement une prise de contrôle hostile de l’esprit de Riley, bannissant la joie, la tristesse, la peur, la colère et le dégoût à la périphérie de la conscience, et entreprenant de façonner Riley en une version plus réussie d’elle-même. Ce qu’elle fait involontairement, c’est rendre Riley plus ambitieuse et plus complice.

À l’envers 2, en d’autres termes, est une sorte de film anti-stress, dans lequel une motivation incontrôlée peut détruire le véritable sens de soi d’une personne. Il est difficile de contester cela, mais il est également difficile de ne pas reculer un peu. Ce n’est pas le premier film Pixar qui tente de nous apprendre à nous détendre et à laisser aller les choses, une leçon qui remonte aussi loin que le premier. Histoire de jouet. Mais cela m’a toujours semblé un peu riche venant de Pixar, compte tenu de l’hyper-ambition et du perfectionnisme qui ont longtemps défini la marque du studio.

Heureusement, il y a un message meilleur et plus profond au cœur de À l’envers 2, cela nous encourage à adopter une vision plus large de nous-mêmes – à reconnaître que nous avons tous la capacité du bien et du mal. Comme dans le premier film, l’objectif est de rechercher l’équilibre, d’accepter la complexité et d’apprendre à accepter les imperfections.

J’essaie de le faire moi-même avec À l’envers 2, qui, malgré ses nombreux plaisirs, est un film assez imparfait. Il n’est pas aussi écrasant émotionnellement que son prédécesseur, mais comment pourrait-il l’être ? La première À l’envers était une lamentation perçante sur la fin de l’enfance, avec la dynamique frénétique de Joie et Tristesse comme noyau irrésistible.

Maintenant, Riley est plus âgée et mûre, et il est naturel que sa dernière aventure nous frappe différemment. Mais il y a aussi ici des choix déroutants qui suggèrent que l’histoire aurait pu être repensée. Il y a une séquence très longue, dans laquelle Joy et ses amis rencontrent des souvenirs de vieux personnages de dessins animés et de jeux vidéo enfouis profondément dans l’esprit de Riley ; c’est un gag bon marché, et cela m’a presque complètement fait sortir du film. Et il y a une blague récurrente, impliquant le sens de la nostalgie de Riley, qui donne une note étrangement aigre. Ironiquement, cela m’a rendu moi-même un peu nostalgique – de l’époque où Pixar aurait su laisser un peu comme ça dans la salle de montage.