Un Sansicario “Ce que vous voyez est ce que vous voyez”: Mostra Sul minialisme

Cinq artistes célèbrent le minimalisme en Sansicario. La galerie Umberto Benappi, avec le soutien créatif de Riccardo Pietrantonio, présente l’exposition ce que vous voyez est ce que vous voyez au siège de “montagne”. L’espace de Sansicario a été créé pour organiser des projets réalisés avec la collaboration des galeries italiennes et étrangères et pour proposer la culture dans des territoires situés.

Le deuxième invité de la saison d’hiver est etc. Emanuele Catellani Contemporary, un conseiller artistique indépendant qui guide les collectionneurs dans l’exploration du marché de l’art et dans la gestion de leurs collections d’art contemporaines. En mai 2022, il a fondé sa salle de projet à Chieri (à), un petit espace avec une vitrine qui dédique, sur une base fixe, à l’exposition d’une seule œuvre à la fois.

Ce que vous voyez, c’est ce que vous voyez s’inspire de la célèbre phrase de Frank Stella (1936 – 2024), père de Minimalisme américainet prononcé en 1966 en se référant à ses premières peintures. Une déclaration qui a marqué un bassin versant entre l’expressionnisme abstrait, puis dans le déclin, et le courant minimaliste émergent, devenant ainsi le slogan non officiel.

Le collectif présente les œuvres de cinq artistes contemporains, nés entre les années 80 et 90, qui définissent leurs œuvres comme des images, proposant une réflexion sur les méthodes et les conventions de la peinture. Åkum, Collins, João, Martini et Teague sont inspirés par les courants minimalistes et conceptuels ont explosé dans les années 1960, qui avait remis en question l’œuvre traditionnelle en faveur d’un art et d’idées anti -ogmatiques. Ils créent des œuvres qui, bien qu’attribuables à la sphère académique de la peinture en raison du soutien “mur” auquel ils ancrent encore, rompent avec la tradition, atteignant des résultats inhabituels et originaux.

Graham Collins (Washington DC, 1980) construit ses monochromes à travers le chevauchement de plusieurs couches de matériau (bois, céramique, tissu, couleur …), ce qui rend le travail presque en miroir. À première vue, ses œuvres fonctionnent comme des formes minimalistes, mais contiennent en fait une série d’informations spécifiques à leur surface.

Aussi les œuvres de Francesco João (Milan, 1987) Ils sont construits à travers la juxtaposition de plusieurs couches, qui permettent les formes par soustraction. Explorant la matérialité de la toile, l’artiste crée donc plus d’images qui se chevauchent qui enrichissent l’œuvre de sens.

Fredrik Åkum (Kristinehamn – Suède, 1987) réfléchit plutôt sur le processus créatif rendu à travers divers médiums (peinture, sculpture, photographie) et fonctionne sur la reproductibilité des modèles générés les uns des autres, se répétant. Ses “peintures” en résine monochrome, gravées à la surface par une parcelle de signes, prennent en fait un aspect presque sculptural.

Également l’approche de Tiziano Martini (Soltau – Allemagne, 1983) à la peinture peut être définie comme “sculptural”. Dans ses œuvres colorées, il laisse beaucoup au hasard: en fait, il chevauche les couches de couleur (recours à la peinture en polyuréthane) jusqu’à ce qu’il ne contrôlait plus le processus créatif, espérant un retour à l’acte pictural le plus pur, récréatif et gestuel.

Enfin, les combinaisons de dessins et de photographies offrent une section croisée du processus créatif de Struan Teague (Edimbourg, 1991), qui construit des structures visuelles intuitives et abstraites, à partir de l’observation étroite de l’environnement quotidien. Grâce à l’automatisme des lignes, des gestes, des rayures et de petits coups de pinceau, l’artiste s’ouvre sur de nouvelles possibilités de représentation.

Face à ces œuvres, par conséquent, la phrase de Frank Stella suggère un moyen de comprendre, exhortant à se débarrasser de toute interprétation du sens, de savourer l’œuvre pour ce qui est dans son essence, ou – comme le dit lui-même – pour voir “L’idée entière sans parvenir à une conclusion”.