“Il y a un trou dans le monde / Comme une grande fosse noire / Et la vermine du monde / Habite-le”, grogne Sweeney Todd au visage de pierre, après que le marin enthousiaste Anthony lui ait parlé de son retour à Londres. Leur conversation est la première de la reprise tant attendue de Broadway de «Sweeney Todd: Le démon barbier de Fleet Street», au Lunt-Fontanne – et, en particulier avec Times Square juste à l’extérieur, la plus pertinente. La grande fosse noire est à proximité, mais nous sommes tous des Anthonys aux yeux piquants. Il n’y a pas assez d’air renfrogné, pas assez de jet de sang assez rouge pour réprimer un théâtre plein de gens avides de cette nouvelle production de l’opérette d’horreur bien-aimée de Stephen Sondheim, mettant en vedette la superstar pop-classique Josh Groban dans le rôle de Sweeney et la lauréate du Tony Award Annaleigh Ashford dans le rôle de son propriétaire, Mme Lovett. Un orchestre de vingt-six personnes joue comme un fou sous la scène, mais le public, au bord de l’hystérie populaire, fournit sa propre dynamique, hurlant avant que le rasoir de Sweeney n’attrape la lumière.
Nous nous asseyons en regardant le dessous d’un grand pont, une immense arche de briques occupant la majeure partie de la scène. La conceptrice d’éclairage, Natasha Katz, rend la nuit dans ce royaume sombre plus profonde avec le brouillard et le clair de lune – nous sommes là où vont les alouettes de boue, ceux qui fouillent les rives de la Tamise, à la recherche d’épaves à vendre. Le metteur en scène, Thomas Kail, et son chorégraphe, Steven Hoggett, démarrent le spectacle en donnant l’impression que l’ensemble se matérialise à partir de la noirceur. “Assistez à l’histoire de Sweeney Todd”, chante la compagnie, tirant Sweeney lui-même hors du sol et le projetant vers nous. Son visage blanc et sa barbe miteuse le font ressembler à quelque chose que les alouettes de boue ont pêché dans la rivière.
Sweeney est un barbier cauchemardesque qui tranche la gorge de ses clients, parfois pour une bonne raison, parfois par pure exubérance meurtrière. Mme Lovett l’adore, notamment parce qu’il est utile pour son entreprise de fabrication de tartes : des cadavres glissent de la chaise de son coiffeur, descendent d’une goulotte et pénètrent dans son fournil. (La viande coûte cher, explique-t-elle, et “ces chattes sont rapides”.) La comédie musicale sinistre, exaltante et lauréate d’un Tony Award en 1979 – avec de la musique et des paroles de Sondheim et un livre de Hugh Wheeler – a été inspirée par une pièce de 1970 de Christopher Bond, qui a étoffé une figure emblématique de la tradition victorienne du penny-dreadful. Chaque production contient la flexibilité pâteuse du matériau source. Vous pouvez le tapoter (l’itération de petit casting de John Doyle, de 2005); vous pouvez le pousser (la production de 2017 du Tooting Arts Club, qui a entassé le public dans un petit magasin de tartes spécialement conçu à cet effet); vous pouvez même le marquer avec votre script en main (version concert 2014 du New York Philharmonic). Cela fonctionne toujours. C’est le truc avec le divertissement de music-hall anglais, n’est-ce pas, mon amour ? Il se débrouillera avec tout ce que vous avez.
L’intrigue est un mélodrame volontairement ludique. Sweeney Todd, s’étant évadé d’Australie après quinze ans d’exil sur une fausse accusation, veut se venger : le diabolique juge Turpin (Jamie Jackson) et son baveux Beadle (John Rapson, délicieusement corrompu) l’ont déporté pour rejoindre sa belle épouse , Lucy, dont la destruction sexuelle et mentale constitue le pivot tragique de l’histoire. Turpin a pris et élevé la fille de Sweeney, Johanna (Maria Bilbao), et, lorsque notre joyeux marin Anthony (Jordan Fisher) tombe amoureux de la fille maintenant adulte, l’intrigue s’engrène. Si vous mettez la musique de côté (vous ne pouvez pas, mais dire vous pourriez), vous remarquerez peut-être que la mise en scène du réalisateur Kail est un peu irrégulière. Il y a une certaine difficulté à entendre le texte parlé sur le soulignement, et la narration physique trébuche; par exemple, la chorégraphie de l’assaut de Lucy élude les détails au point d’être illisible. Kail, mieux connu pour avoir réalisé “Hamilton”, appose sa propre empreinte sur le matériel – une remise de lettre élaborée est un élément apparent d’auto-citation – mais il ne fait qu’une petite impression. La musique et les paroles aigres-douces de Sondheim sont les choses qui se gravent dans votre esprit. Et écouter un orchestre de Broadway jouer à pleine puissance, les arrangements originaux de Jonathan Tunick, c’est comme se faire agresser musicalement : wammo— tu te réveilles dans une ruelle entourée de piccolos.
“Il a servi un dieu sombre et vengeur”, chante le chœur de Sweeney. Ce n’est pas l’homme triste, léger et brisé que nous rencontrons dans cette production. Le baryton exquis de Groban est si angélique, si soigneusement placé, qu’il tire les rideaux de la morosité du spectacle. Cela ne menacerait pas non plus une souris, alors il cède l’énergie principale de la série à la version hilarante de Lovett d’Ashford, qui est prête à détruire leurs plans, la scène, la série tant qu’elle sert son shtick chaotique. Jouant le cinglé Ernie au névrosé Bert de Groban, elle emploie une combinaison de physique de clown (elle s’incline devant le juge à mi-chemin dans les escaliers, une posture qu’elle maintient, cahoteuse, jusqu’au bas du vol) et de folie itinérante ; chaque fois qu’elle picore le Groban réticent, flottant partout sur lui, on dirait que quelqu’un lui a jeté un poulet au visage.
Mais, alors, il est désavantagé sur le plan théâtral. Dans le décor de Mimi Lien, le personnage de Groban est souvent «à l’étage», ce qui le place sur une plate-forme, derrière une balustrade gâchant la ligne de vue, tandis qu’Ashford arrive à rôder sur le bord de la scène. En haut de ces douzaines d’escaliers, il semble à des kilomètres. Faites-le tomber par les feux de la rampe, cependant, avec les incroyables sopranos de la compagnie hurlant leur sirène « Sweeney ! Sweeney ! » et il est en affaires. (Il s’agit d’un casting jeune et beau, mais ce n’est qu’à un moment donné – lorsque Groban saisit Ashford par la mâchoire, la dansant à l’envers – que vous avez une idée de l’érotisme et de l’effroi que la paire aurait pu être.) Avec le léger Ashford scènes de vol à la tire au lieu de les voler, le poids émotionnel principal est porté par la mendiante dérangée (Ruthie Ann Miles), un personnage qui est mis de côté avec une brutalité croissante, et le petit garçon de Mme Lovett, Tobias (Gaten Matarazzo), qui tourne être l’âme du spectacle. Miles et Matarazzo sont tous les deux formidables, mais, encore une fois, la mise en scène de Kail prend leurs grands moments et les brouille – il continue de perdre des personnages à diverses périphéries.
“Sweeney Todd” capture notre peur secrète de nos voisins : il rend les crimes du barbier horribles, de sorte que nous ne ressentons pas les coupures plus proches et plus subtiles de la ville. Mais est-ce vraiment effrayant ? Soniquement palpitant, oui, mais un Lovett gambader et son triste Sweeney n’ont pas pu, à la fin, me glacer le sang. Pour moi, une production du centre-ville au Connelly Theatre, la présentation par la Bedlam Theatre Company de l’étonnant “The Good John Proctor” de Talene Monahon, a réussi à offrir un ratio de frayeur par minute plus élevé. Le spectacle est modeste en comparaison, avec seulement quatre acteurs (Sharlene Cruz, Brittany K. Allen, Tavi Gevinson et Susannah Perkins), tous excellents, contre les vingt-cinq de “Sweeney”. Chacun incarne une figure familière de “The Crucible” d’Arthur Miller – la fille innocente jouant avec des poppets, la femme étrangère à la sagesse mystérieuse, l’hystérique religieuse et l’adolescent dont la relation sexuelle avec John Proctor déclenche tout le gâchis du procès de Salem-sorcière . Les filles parlent dans un argot moderne, car, même si leur travail comprend le barattage du beurre, il n’y a rien de démodé dans la façon dont le Proctor adulte invisible brise la confiance d’un enfant de onze ans.
“Becky Nurse of Salem” de Sarah Ruhl a également publié un correctif féministe acidulé à “The Crucible”, mais la pièce de Monahon met la main sur un ensemble de pouvoirs plus profonds, évoquant des tensions terribles de la juxtaposition de la jeunesse et de l’abîme. Sous la direction confiante de Caitlin Sullivan, “The Good John Proctor” a le sens de la terreur palpable qui manque à “Sweeney Todd” – si grandiose et souvent sensoriellement ravissant. Les filles parlent beaucoup d’aller dans “The Woods”, une source de connaissances interdites, et il y a certainement des scènes effrayantes, éclairées par une seule lanterne, d’elles rampant à travers les broussailles. Ils pensent qu’ils se dirigent vers quelque chose de dangereux, mais nous savons que le mal durable a déjà été fait. J’ai secoué la grimace de “Sweeney” quelques minutes seulement après avoir quitté le théâtre; J’achèterai l’enregistrement du casting (il y en aura sûrement un), mais je l’écouterai joyeusement. Le poison de Monahon, cependant, n’a toujours pas réussi à sortir de mon système. Quand elle dit que le monde est un grand gouffre noir, je la crois. ♦
